EnSinapsis

Efectiva apuesta musical

2009-06-17T17:14:00.023-03:00

Propuesta que satisface más a los seguidores de Guillermo Francella que a los de Mel Brooks, El joven Frankenstein (primera versión internacional, luego de su estreno en 2007) es un producto de lujo. Cuidada en sus rubros técnicos, cada elección de su puesta en escena responde a un preciso mecanismo de relojería que habla –en principio- de la calidad del equipo local.

A diferencia de Los productores (otra de las creaciones del gran Brooks), aquí el foco está puesto en la comicidad verbal. No es que las coreografías y el canto sean pobres, por el contrario, la labor de la coreógrafa Elizabeth de Chapeaurouge queda ampliamente consolidada a través de un cuerpo de baile excelente. Pero es también evidente que no hay letras memorables (de esas que uno sale cantando ni bien termina la función) ni las coreografías requieren la misma destreza que pudimos ver en otros espectáculos como Ella o Hairspray.

Francella asume con gracia el papel del científico que –por un momento- pierde la cordura y le da vida a un muerto, siguiendo la senda iniciada por su abuelo. Gracia que puede incluso superar sus carencias como cantante y bailarín, hecho que deja en claro que aquí lo relevante está en los retruécanos, el doble sentido, el gag verbal. Por eso la adaptación de las canciones de Enrique Pinti desentonan un tanto con el material original, tal vez porque el capocómico se tentó en poner su sello personal merced a las “malas palabras” que poco tienen que ver con la pluma de Brooks.

Impecable en su resolución escenotécnica, El joven Frankenstein tiene varios puntos fuertes, como la labor de Pablo Sultani (Igor), Carolina Pampillo (Inga) y Omar Calicchio (el monstruo). Tanto Sultani como Calicchio les dan a sus criaturas sutiles matices que van desde un componente grotesco hasta cierta dosis de ternura. Francella ratifica su labor cómica, el innegable romance que vive con el público cada vez que aparece en el escenario.

Ezequiel Obregón

EL JOVEN FRANKENSTEIN

Música y Letras: MEL BROOKS

Libro: MEL BROOKS & THOMAS MEEHAN

Basado en la historia y guión de: GENE WILDER y MEL BROOKS

Traducción y Adaptación: FERNANDO MASLLORENS & FEDERICO GONZALEZ DEL PINO

Adaptación de canciones: ENRIQUE PINTI

Actuaciones: GUILLERMO FRANCELLA, LAURA OLIVA , OMAR CALICCHIO , PABLO SULTANI, ROSANA LAUDANI, CAROLINA PAMPILLO, JORGE PRIANO y elenco.

Diseño de escenografía: ALBERTO NEGRIN

Asesoría de Prensa: SMW

Director de Arte: ALBERTO NEGRIN

Director Musical: GERARDO GARDELIN

Directora Coreográfica: ELIZABETH DE CHAPEAUROUGE

Director Actoral: CARLOS OLIVIERI

Director General: RICKY PASHKUS

Teatro Astral: Avenida Corrientes 1639

Miércoles, Jueves y domingo 20:30 horas, viernes 21 horas, sábado 19:30 y 23 horas

Localidades de 70 a 200 pesos

Maneries

2009-06-17T17:14:00.022-03:00

Ejercicio de excepcionalidad, Maneries pone su atención sobre la puesta en movimiento de la perfomer Florencia Vecino. Se trata de la obra dirigida por Luis Garay, en donde las variabilidades escénicas y estímulos locales se amalgaman fundamentalmente a partir del uso del cuerpo como medio sensorial. Solo luego, gracias a una ejecución limpia y sin errores, se conjugan sin dificultad la musicalización en vivo del DJ Mauro Ap y la puesta de luces con la acción performática.

En cierta forma asistimos a una progresión de movimientos autotélicos. Es decir, sin narración ni referencialidad externa al movimiento que se ejecuta. Por eso, aún cuando se trabaja con gestos ordinarios, estos serán inmediatamente integrados en una ejecución más abstracta. Tareas simples como caminar o correr, secuencias de pasos trabajados con diferentes energías o estructuras de repetición, en principio estarían allí enfatizando los elementos formales que hacen a la coreografía. En este sentido debe destacarse que no existe movimiento o gesto donde la calidad técnica de la bailarina y su pleno control corporal no queden de manifiesto.

Rechazando el principio de representación y circunscribiéndose a la idea de desempeño en tiempo real, la propuesta marca y destaca el aquí-ahora del acontecimiento para, desde esa plataforma, articularse en un mix de experiencias temporales varias. Durante los primeros minutos (con la luz desdibujando contornos, esfumando su cuerpo) la aparente inmovilidad de la performer y la puesta en suspenso de cualquier acción enfrenta al espectador a la experiencia del tiempo que trascurre sin más, pura duración. Luego, frente a acciones simples como correr en círculo por el escenario o en el detenerse de la bailarina a beber agua, regresa un tiempo reconocible que se aprecia y asimila al cotidiano. En otras ocasiones, será el movimiento ejecutado en diferentes velocidades, ya sea en ralentí o acelerado, el que aparentemente logrará distender y contraer la duración experimentada.

Por eso mismo no es anecdótico el tema de la extensión: la puesta dura más de una hora, tiempo que demora en llegar a su climax rítmico (tanto en la ejecución corporal como en la musical), y aún entonces el final solo puede ser impuesto.

Aurática y atlética, podríamos definirla sin exagerar siguiendo a Roberto Echavarren, Maneries se aleja tanto de la danza representativa y de las tradiciones expresivas como del simple ejercicio formalista. Así, de la aparente quietud al movimiento mas intenso, de la mera forma a la sensación o de la figura indefinida del comienzo al cuerpo fuertemente presente, en definitiva la propuesta no deja de desplazarse permanentemente hacia el campo de la performance poética.

Bernarda Arrillaga

Maneries

Idea: Luis Garay, Florencia Vecino

Performers: Florencia Vecino

Música original: Mauro Ap

DJ: Mauro Ap

Prensa: Daniel Franco, Paula Simkin

Dirección: Luis Garay

EL PORTON DE SANCHEZ

Sánchez de Bustamante 1034

Teléfonos: 4863-2848

Entrada: 23:15 hs

El malestar en la cultura

2009-06-17T17:13:00.002-03:00

A esta historia de dos perdedores (que tal vez juntos puedan mitigar sus angustias cotidianas) muchos la conocían gracias a la transposición cinematográfica de Garry Marshall, con Al Pacino y Michelle Pfeiffer. La versión de la obra de Terrence McNally recientemente estrenada cuenta con la adaptación de Patricia Zangaro y la dirección de Leonor Manso.

La directora ha logrado que tanto Luis Luque como Florencia Peña encuentren una sintonía afín al texto, tarea elogiable teniendo en cuenta los diferentes estilos que habitualmente trabajan. Sobre todo en el caso de Peña, quien construye a Frankie desde la sutileza, con economía gestual y una elaborada capacidad de dominar los tonos de voz. Era necesario que la historia de estos dos outsiders retratara cierto patetismo, pero que tampoco se regodeara de ello. La ternura que los envuelve se ve alterada con los espacios de furia y reproche que los personajes manifiestan entre sí mismos y con el exterior que –ha decir verdad- hace rato los viene castigando.

Desencantados de la vida por distintos motivos, los personajes son compañeros de trabajo que se encuentran para intentar generar algo, un vínculo incierto. La obra tiene la virtud de que cada confesión sirve para entenderlos mejor, sin quebrar el tono melancólico ni ofrecer golpes de efecto. En cuanto a la ambientación, el texto tiene una fuerte vinculación con un realismo descarnado y urbano que le escenografía expresionista parece contradecir.

Frankie y Johnny en el Claro de luna es una propuesta que de seguro convencerá más al público adulto. Es, también, un muy buen trabajo de Manso luego de la no tan lograda versión de Aniquilados de Sarah Kane, y la oportunidad de ver a dos actores más ligados a la televisión en un trabajo ciertamente emotivo.

Ezequiel Obregón

Frankie y Johnny en el Claro de luna
Actuaciones: Florencia Peña y Luis Luque
Adaptación: Patricia Zangaro
Idea escenográfica: Leonor Manso
Escenografía: Diego Siliano
Iluminación: Horacio Efron y Pablo Hernando
Vestuario: Gabriela Pietranera
Fotos: Gabriel Machado
Producción: Daniel Grinbank para Cual es tu Gracia Entertainment
Dirección: Leonor Manso
Teatro Picadilly. Av. Corrientes 1524
Funciones: de Miércoles a sábado a las 21 hs. Domingo 20 hs.
Precios: $90 y $70. Miércoles $70 y $50

De fantasía en fantasía: De Rutilantes a Karabalí

2009-06-17T17:10:00.003-03:00

El público los aclama y ellos no se hacen esperar. Los Amados volvieron a los escenarios porteños, esta vez con un homenaje a Lecuona, célebre intérprete y compositor de música cubano.

Luego del éxito de Rutilantes sorprenden al público con Karabalí, ensueño Lecuona en el Teatro Margarita Xirgu, que se desarrolla en medio de una escenografía selvática y kitsch. Al inicio se escucha un tema afrocubano que marca el ingreso de los músicos y artistas a modo de ritual. Luego llega el bolero Siboney hasta Karabalí (que le da nombre al show). Son todas composiciones de Lecuona. También interpretan los inolvidables Mulata Chancletera, María la O, Para Vigo me voy y Celos, entre otros temas; una ingeniosa manera de acercar al artista cubano a las nuevas generaciones y a las que ya lo conocen.

Durante el espectáculo, Los Amados recorren diversos ritmos como la samba brasileña, el tango, la habanera, la chacarera, el afro y los boleros, que sorprenden en forma constante hasta llegar al momento de Raquelita (Analía Rosenberg), la niña que descubrieron en el kibbutz nicaragüense. Arrasa con los aplausos luego de la interpretación que la aleja del piano para deslumbrar con el acordeón.

De la mano del Chino (Alejandro Viola) divierten al público con su recorrido musical, acompañados por el humor y la ironía que los caracteriza sin perder el romanticismo y el glamour aglomerado en la voz y el jopo del líder del grupo.

Esta vez la cantante invitada es Rosa Bernal (Dabiela Horovits): resulta imponente sobre el escenario pero no termina de ajustarse al estilo del grupo. Un rol difícil de cubrir luego del paso de la brillante y cálida Dina Dulri (Bárbara Togander). Y no podía faltar la presencia de los hermanos Black y Mambo Méndez (David y Rubén Rodríguez), que tienen un meritorio espacio sobre el escenario.

El espectador se va a encontrar con un despliegue escenográfico que se combina con el vestuario, por momentos elegante y por instantes despampanante. Recuerdos que se podrán llevar y repasar en el completo programa que les quedará de souvenir. Actores que tocan en serio y músicos que juegan con distintos personajes sorprenden cada noche a los espectadores en pleno San Telmo.

Georgina Falbo

Autor: Los Amados

Idea y Dirección Gral.: Alejandro Viola (voz)

Elenco: Músicos: Fernando Costa (percusión), Oscar Durán (requinto), Hernán Sánchez (trompeta), Analía Rosenberg (piano), David Rodríguez (congas, voz), Rubén Rodríguez (percusión, voz) y Daniela Horovitz
Lugar: Margarita Xirgú, Chacabuco 875

Reservas al 4300-8817

Horario: Viernes y sábados a las 21. Domingos a las 20hs

Precio de las localidades: Desde $ 40.

¡Y que siga la ronda!

2009-06-17T17:09:00.013-03:00

Infantiles hay muchos, pero con sabor a mate: solo uno.

El Mate es una obra musical para chicos con libro y dirección de Javier Zain y música de Carlos Gianni. quien es garantía de dinamismo, valores y alegría en las canciones. Lo recordarán por trabajar junto a Hugo Midón en Vivitos y Coleando, Huesito Caracú y Derechos torcidos, entre otros éxitos.

Josefina (Carla Tarantino) y Martín (Agustín Álvarez) nos invitan a ser testigos de su cumple-mes de jovial relación. En medio de regalos nos presentan dos mundos que pueden ser compatibles y a menudo se escuchan. En medio del festejo llega Matedina (Lucía Braude), la “genio del mate” que da lecciones de vida con su guitarra y tonada campera. Las tres actuaciones son muy buenas, aunque Lucía en la piel de Matedina logra ganarse los aplausos.

Se destaca en el argumento el valor en el tiempo del encuentro, de la charla. Ese tiempo que al crecer se pierde, sobre todo cuando la agenda se llena de compromisos que hacen que uno corra todo el día sin detenerse en lo simple y grato de compartir un diálogo con un ser querido, sin la necesidad de mirar la hora en el reloj (o celular) cada 5 minutos.

La escenografía cuenta con pocos elementos, pero todos los necesarios para crear el clima correspondiente a cada escena. El trabajo de luces y sonido es prolijo. El vestuario es colorido y acorde a los estilos que se ponen sobre el escenario: la niña bien de barrio norte, el joven con costumbre de pueblo, y Matedina con su magia de Pachamama.

Respecto al programa, llegará a sus manos con una tierna sorpresa: una figurita. Para los adultos es un guiño nostálgico, para los chicos la oportunidad de pegarla en cuadernos, carpetas o donde sea. Y a la figurita se suma un 2x1 para disfrutar una vez más de la obra o bien pasárselo a algún amigo o pariente para que no se la pierdan. Un buen detalle dado que es sabido que muchos chicos, por una cuestión de edad, no entran solos al teatro. Y no se hace fácil sacar entradas para todo el grupo familiar. Una buen gesto de la producción.

El Mate es una obra en la que se van a divertir repasando los valores esenciales de la vida. Para salir cantando, por ejemplo:

“Este no es un mate cualquiera,

es herencia familiar.

Pasado de mano en mano,

con el equipo para cebar.

El ha visto muchas cosas,

y escuchado tantas también.

Conocedor de costumbres

de la vida familiar.

Mate que siembra amigos,

cosecha mucha felicidad.

Oreja para los problemas

y tiempo para solucionar.”

Georgina Falbo

Idea: Verónica Chávez, Sebastián Kirszner

Libro: Javier Zain

Intérpretes: Agustín Alvarez, Lucía Braude, Carla Tarantino

Pelucas: Elena Insillo

Diseño de vestuario: Florencia Pinochi

Diseño de escenografía y luces: Javier Zain

Realización de vestuario: Margarita Guzmán

Música original: Carlos Gianni

Diseño gráfico: Letizia Lemme

Asistencia de dirección: Nadia Recepter

Prensa: Marina Belinco, Natalia Kiako

Coreografía: Silvina Sznajder

Director musical: Carlos Gianni

Dirección: Javier Zain

http://www.elmateyquesigalaronda.blogspot.com/

Teatro Del Nudo

Corrientes 1551

Entrada: $ 25,00 - Domingo y Sábado - 16:30 hs

REGALO DE ENTRADAS

2009-06-17T17:09:00.012-03:00

En esta oportunidad los invitamos a ver Rodando, la obra de Alejandro Acobino y Germán Rodríguez.

Rodar puede ser lo más fácil o lo más complicado… Baches, ripio, alambrado, carancho en cable de luz... Y carteles… muchos carteles. Plano general: conductor y ciclista entran a cuadro: Llantas que se gastan pero ninguna huella. Pavimento. ¿Panorámica que se estrella en una bota texana? Hágame el favor…

Para verla, deben escribir a ensinapsisblog@gmail.com, dejando nombre y apellido, últimos tres números del DNI, y un teléfono. Sala: No Avestruz, Humboldt 1857. Sábados a las 21:30 hs.

BERESTOWOIK, de Luis Aponte

2009-05-11T21:26:00.005-03:00

La acción se inicia con una conversación telefónica. Un joven habla con su novia – cuya voz se escucha en off – sobre su festejo de cumpleaños, que incluye una presentación artística de la que él participará. De a poco, vamos conociendo a los otros habitantes de la casa: el hermano mayor, que comparte su gusto por el baile y el tío, quien se revela aficionado al juego. Lentamente, el ambiente se enrarece; lo pequeño se vuelve grave y las relaciones se tensan hasta lo insospechado.

El hecho de que se trate de ucranianos le confiere otro rasgo pintoresco y extraño a esta familia de hombres, al igual que los disfraces que portarán más tarde a la hora de ir a la fiesta. Las mujeres, quienes no aparecen en escena, funcionan sin embargo como motor y causa de los conflictos internos y eternos. En estrecha relación con ellas, en el desarrollo de la trama, el juego y un amuleto se convierten en cuestiones vitales hasta lo inverosímil. Lo interesante es que en la obra se hace creíble y genera una comicidad absurda y trágica, lo que se potencia con la aparición de un cuarto personaje.

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Un primer acierto de la puesta corresponde al espacio: la sala es una pequeña habitación para unos veinte espectadores. La acción transcurre en el comedor; una de las puertas da a las habitaciones; la otra, a un patio y de ahí, a la calle. Se aprovecha la arquitectura real, lo que nos hace sentirnos rápidamente en el ámbito y nos permite imaginar la extraescena, muy bien aprovechada desde el texto y la dirección. Tanto el vestuario como los objetos en escena se ponen al servicio de la historia y sus climas. Los actores se desenvuelven cómodos en ese espacio reducido y logran dar carnadura a sus personajes y hacer visibles sus vínculos y problemáticas con naturalidad. Las interpretaciones crecen a medida que avanza la función; destaca especialmente Marcelo Mariño en su labor como el doctor: su presencia en la casa y ante los espectadores genera verdadera e intensa inquietud.

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La obra, desde el humor, hace pensar – desde un relato bien construido, desde los climas y los cuerpos en el espacio - en la forma que tenemos de vivir los problemas y situaciones cotidianas, la relevancia que le damos a lo nimio y las estrategias a las que recurrimos para solucionar conflictos y establecer relaciones con los demás.

Clara Ibarzábal
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Autor: Luis Aponte
Actúan: Luis Aponte, Walter Jakob, Horacio Marassi, Marcelo Mariño
Voz en Off: Marina Apat, Marcelo Mariño, Agustín Mendilaharzu, Carolina Zaccagnini
Vestuario: Julia Catalá
Diseño de luces: Adrián Grimozzi
Diseño sonoro: Agustín Mendilaharzu, Agustín Rolandelli
Fotografía: Agustín Mendilaharzu
Diseño gráfico: Paula Erre, Andrés Mendilaharzu
Asesoramiento coreográfico: Federico Buso
Asesoramiento escenográfico: Alejandro Alonso
Asistencia de dirección: Carolina Martin Ferro
Colaboración autoral: Walter Jakob
Colaboración artística: Eduardo Iacono
Dirección: Walter Jakob, Carolina Zaccagnini
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SILENCIO DE NEGRAS
Luis Sáenz Peña 663 - Capital Federal
Reservas: 4381-1445
http://teatrosilenciodenegras.blogspot.com
Entrada: $ 25,00 y $ 15,00 - Sábado - 20:30 hs

Quienquiera que hubiera dormido en esta cama

2009-05-11T21:21:00.010-03:00

Como ya lo había hecho en Catedral, el dramaturgo y director Martín Flores Cárdenas se introduce en el mundo de Raymond Carver para extraer de él toda su teatralidad. En Quienquiera que hubiera dormido en esta cama lo logra ampliamente.

Transposición de los cuentos ¿Por qué no bailan? y Quienquiera que hubiera dormido en esta cama, el universo ficcional de la pieza no está exento de elipsis y una atmósfera recargada de enigma, como ocurre en la narrativa de Carver. Una joven pareja (sólida labor de Gabriela Licht y Germán Rodríguez) asiste a una “venta de jardín” para encontrar allí elementos que contribuyan de forma económica a la comodidad de su propio hogar. Sin proponérselo –al menos de manera consciente-, este “buceo” dentro de la materialidad ajena les servirá para reflexionar sobre su propio vínculo, sobre la forma en que las emociones se suscitan entre ambos y cómo éstas irán mutando en el futuro.

Las breves narraciones de Carver pueden ser pensadas como instantáneas de una sociedad entera, por más que los relatos se centren en vínculos pequeños. Bien cercano a la observación de hechos en apariencias triviales (de allí la mayor cercanía a su admirado Chejov), este notable autor elude la fácil parodia para –de forma entre desencantada y lacónica- entregar una dosis de emoción. Precisamente allí acierta Cárdenas, primero como dramaturgo y luego como director. Su mayor capacidad es potenciar lo mínimo, ver lo ordinario como novedoso, explorar cada gesto como si fuera un fenómeno pero no por ello restarle dimensión humana a sus personajes.

El encuentro con el dueño de la casa, un abúlico y triste personaje compuesto con economía de gestos por Osvaldo Djeredjian, funciona como un disparador dentro de la cotidianidad de la pareja. Un motor que les deparará una nueva aventura, tal vez real, tal vez imaginaria, pero lo suficientemente sólida y significativa como para encontrar su espacio en la escena.

Ezequiel Obregón

Sobre textos de Raymond Carver

Dramaturgia y dirección: Martín Flores Cárdenas

Actuan: Osvaldo Djeredjian, Gabriela Licht, Germán Rodríguez

Diseño de vestuario: Merlina Molina Castaño

Diseño de escenografía: Carlos Di Pasquo

Diseño de luces: Marco Pastorino

Realización de vestuario: Merlina Molina Castaño

Fotografía: Maximiliano de la Puente, Francisco Ortiz Amaya

Asistencia de dirección: Merlina Molina Castaño

Prensa: Carolina Alfonso

Producción ejecutiva: Berta Silberman

ABASTO SOCIAL CLUB

Humahuaca 3649 - Teléfonos: 4862-7205

Entrada: $ 30,00 y $ 20,00 - Viernes - 21:30 hs

Se presentó un libro con ocho obras de José María Muscari

2009-05-11T21:21:00.006-03:00

El joven teatrista acaba de presentar un libro que reúne sus obras Grasa, Catch, Shangay, Sensibilidad, Elctra-shock, Cotillón, Piel de chancho y Fetiche. En pocas palabras nos habla de esta nueva experiencia.

El hecho de que ahora veas tus textos impresos y para el lector, ¿qué sensaciones te produce?

En primer lugar me produce alegría por la independencia del texto de su puesta en escena. Ese ejercicio de autonomía me pone muy feliz, pues como mis espectáculos tienen mucho de lo visual, nunca creí que podrían ser leídos. Pero con esta propuesta y su resultado me llevó una gratísima sorpresa sinceramente. Por eso me genera una identidad aún mayor como dramaturgo, por fuera de mi carrera como director o creador.

¿Sentís que de aquellas obras a las que hacés ahora hay algo que ampliaste, modificaste, o potenciaste?

Sí, creo que como creador uno va mutando continuamente. Yo soy un teatrista muy pensante, reflexiono mucho sobre mi teatro y lo que genera en el otro y en mí. Creo que me estética se fue afianzando poco a poco, y en mis primeras obras yo narraba más “mundos” que ahora. Ahora creo que estoy más seducido por los vínculos, como algo más introspectivo sin perder el carácter de show, o de imprimirle la “era zapping” a mis obras. Creo también que el código de actuación comenzó a definir una dramaturgia clara en mis textos también.

Sabemos que el teatro es eminentemente una puesta en escena. Ahora bien, ¿qué puntos a favor suma la posibilidad de una lectura de tus obras?

Creo que suma la posibilidad de imaginar un mundo por fuera del mundo creado por el director. Creo que mis obras abren mundos metafóricos y de identificación o reflexión sobre nuestra massmedia muy contundentes, y la posibilidad de leer y no de ver potencia el poder de imaginación personal y de propia proyección frente al tema.

PARA SABER MAS SOBRE EL AUTOR

VISITAR SU PROPIO BLOG

www.mundomuscari.blogspot.com

Entrevista a Ezequiel Tronconi, director de Segundo Set

2009-05-11T21:19:00.004-03:00

Entrevistamos a Ezequiel Tronconi, dramaturgo, actor y director de Segundo Set, una inusual propuesta dentro del teatro más joven que continúa hasta el 29 de mayo. A no perdérsela.

¿De qué forma nace la dramaturgia de Segundo Set?

Cuando estábamos terminando las funciones de "Pelota paleta", surgió la idea de hacer una segunda parte. Entonces comencé a escribir manteniendo el mismo lugar físico: un gimnasio. Potencié la idea de vicios que ya se hacia presente en Pelota paleta, entonces incluí una noche de timba en el gimnasio, y ahí comenzaron a aparecer el resto de los personajes y situaciones. Llevé el material que tenia escrito al taller de dramaturgia de Marcelo Bertuccio, y bajo su supervisión, terminé de escribirla.

La obra aborda la cuestión del cuerpo de una forma muy cómica y paradójica. Por un lado hay un gimnasio, pero por otro lado a la noche ese orden se subvierte y aparece el sexo, la bebida, el "mundo de los vicios". ¿Qué mirada tenés sobre esto?

La disciplina en lo que respecta al cuidado del cuerpo me parece casi imposible. Por eso los personajes de Segundo Set buscan en este gimnasio un lugar de pertenencia, de diversión, de placer, más que "hacer deporte" o mejorar su calidad de vida. El gimnasio pierde su funcionalidad, su razón de ser, pero se reivindica desde otro lugar, y ahí comienza a aparecer algo particular. La idea de la noche, lo clandestino, lo oscuro, el juego, la venganza, son un terreno muy inspirador para mi. De chico miraba mucho División Miami.

¿Cómo definirías el humor de la obra?

Está muy usada la palabra bizarro, pero tiene que ver con eso. Un humor delirante, absurdo y disparatado. Unido a una estética que mezcla lo pop con lo gris, vestuarios y objetos de fines de los ochenta y principios de los noventa, que muestra cómo estos personajes quedaron atrapados en el tiempo.

Contáme sobre el trabajo con los actores. Se trata de un elenco numeroso.

Debo reconocer que fue muy difícil. Y mucho más porque actúo en la obra. Pero tuve la suerte de contar con un elenco increíble, en lo actoral y en lo humano. Somos muchos, varios nos conocimos en la obra y cada uno viene de distintas escuelas o estilos de actuación, pero eso no fue un problema, nos entendimos rápidamente. Trabajé sobre la composición de cada personaje sin caer en la parodia. Eso llevó un tiempo. En esta segunda temporada estamos más maduros, intentamos redescubrir la obra en cada función.

Teniendo en cuenta que la obra forma parte de una trilogía, ¿nos podrías contar sobre la última parte?

"Sauna" es una comedia romántica, que muestra el reencuentro de Michael (Sebastián "Berta" Muñiz) y Agostina (Salomé Boustani), que fueron novios en su pre-adolescencia. Michael vive al lado del gimnasio y es amigo de Brian (Juan West). Ahora los espacios son dos: el living del protagonista y el sauna del gimnasio. Allí Michael se relaciona con Brian, Anibal (Esteban Coletti) y Charly (Ezequiel Cipols); tres de los personajes de "Segundo Set". Skate punk, cine, amor y banalidades son los tópicos de la obra.

Ezequiel Obregón

Construir un sueño a puro tango

2009-05-11T21:18:00.006-03:00

Diez años atrás dos amigos y músicos le dieron vida a una ilusión. La idea era crear una banda de tango, para interpretar los ya conocidos y también poder generar nuevos temas con su propia impronta. Es así como de la nada surgió Demoliendo Tangos, de la mano de Luis Longhi (bandoneón, texto y puesta en escena) y Federico Mizrahi (piano, composición y dirección musical) junto a Chritine Brebes (violín) y Jorge Bergero (cello).

De festejo se trata el show y no pueden faltar los invitados, motivo por el cual en cada función se pueden descubrir algunos inesperados. Tal fue el caso de Guillermo Fernández y será el de tantos otros artistas como el “Chino” Laborde y Gabriel Rolón, entre otros. También es sabido que si hay música siempre alguien sale a bailar. En este caso la pareja que hace honor es la de Carolina Pujal y Guillermo Barrionuevo. Entre juegos de conquista le dan movimiento y color al escenario.

El espectáculo no es sólo musical. Nombramos a los bailarines, pero también hay comicidad, algo no tan habitual en los shows de tango. Un aspecto muy bien llevado de la mano de Luis Longhi, a quienes muchos identificarán por los numerosos programas de TV en los que participó (entre ellos “Como pan caliente”, “Buenos vecinos”, “Más allá del horizonte”) y de la escena teatral (“Las alegres mujeres de Shakespeare”, “El romance del Romeo y la Julieta”, “La tempestad”, “Pepino el 88”, etc.). Longhi interviene con el relato de anécdotas al mejor estilo Stand Up, para sumar vigor y risas a una noche integral.

Luego de recorrer varios temas tangueros, descubrirán un repaso por canciones que reviven escenas de clásicos del cine: memorable. Se trata de un espectáculo para disfrutar de la música y de un gran equipo de artistas sobre el escenario, que encantará mágicamente al público de todas las edades.

Georgina Falbo

Demoliendo Tangos, 10 años

Autor: Demoliendo Tangos

Elenco: Con Federico Mizrahi, Luis Longhi, Christine Brebes y Jorge Bergero.

Lugar: Molière Teatro Concert (Balcarce 678 – Reservas: 4343-0777)

Horario: Sábados a las 23:30

EnSinapsis te invita al teatro

2009-05-11T20:38:00.005-03:00

En esta oportunidad los invitamos a ver "Quienquiera que hubiera dormido en esta cama", la obra de Martín Flores Cárdenas con Osvaldo Djeredjian, Gabriela Licht y Germán Rodríguez (ver crítica arriba).

Una pareja evoca el día en que se comprometieron. Sin anillos, sin palabras románticas, se involucrarán en cuestiones de vida y muerte.

Para verla, deben escribir a ensinapsisblog@gmail.com, dejando nombre y apellido, últimos tres números del DNI, y un teléfono. Sala: ABASTO SOCIAL CLUB (Humahuaca 3649). Viernes a las 21:30 hs .

BACICI 2009: 5 PELICULAS PARA RECORDAR

2009-04-07T20:15:00.007-03:00

Wendy and Lucy, de Kelly Reichardt. Este film tiene mucho de lo que hemos visto en el último cine argentino. Una historia mínima, pocos personajes, preponderancia de los silencios. Hay algo en su atmósfera que le confiere una bienvenida rareza. Tal vez sea la aparente simpleza que la recorre, simpleza que se enhebra en un relato de profunda humanidad. Como en los cuentos de Raymond Carver, una anécdota (la chica que pierde a su perra, en este caso) sirve para observar toda una red de asociaciones en torno a lo que denominamos “cultura”. Michelle Williams asume toda la melancolía que la película necesita, y reconfirma que es más que la viuda de Heath Ledger: es una gran actriz.

Excursiones, de Ezequiel Acuña. Con su tercer largometraje, Ezequiel Acuña perfecciona su estilo. Un estilo que no carece de reminiscencias, de celebración de la amistad masculina, de un humor sutil y bien delineado. Recuperando a los personajes de su corto Rocío, Acuña los enfrenta al paso del tiempo. Su película tiene un tono ligero, despojado de impostaciones, que –a diferencia de sus dos primeros films- amplía su arco generacional y consigue capturar otros públicos. Excursiones trata sobre el reencuentro de dos amigos, en un blanco y negro que tiene mucho de nostalgia, pero cuyo resultado final nos deja bien sonrientes.

El canto de los pájaros, de Albert Serra. Este enfant terrible del cine actual sigue en la misma senda que Honor de Caballería (planos larguísimos, pura contemplación, mínimos núcleos narrativos) pero esta vez en impecable blanco y negro. Serra pone su ojo sobre los Reyes Magos y el camino que los lleva al recién nacido Jesús. Se trata de un cine experimental, extremo, equiparable al de Bresson pero con vuelo propio. ¿Film sobre un transe religioso? ¿Film sobre la necesidad de afianzar una mitología? ¿Revisionismo áspero? ¿Todo eso junto?

Barba azul, de Catherine Breillat. La directora de Romance y Una antigua amante (presentada en este mismo festival, el año pasado) entrega una película pequeña en recursos pero muy bien cuidada en todos los rubros. El relato se bifurca y muestra la relación de dos pequeñas hermanas, una de ellas ansiosa por aterrar a la otra con la lectura de Barba azul, segunda línea que desarrolla la realizadora. Más allá del apéndice ilustrativo, el relato enmarcado funciona como disparador de temas como el poder de la imaginación y lo ominoso en la literatura. Con una producción acotada y una capacidad muy acertada para explorar climas tenebrosos a través de las miradas y los pequeños gestos, Breillat indaga en el carácter mítico del personaje, un noble feo y déspota que asesina a sus mujeres. Una muestra de cómo hacer cine de época bien entendido.

Montaña sin árboles, de So Yong Kin. La segunda película de esta directora coreana reconfirma la sutil mirada presente en In between days, ganadora hace dos ediciones. En este caso, su ancla sobre las vivencias de dos niñas, ya no dos adolescentes como en el film anterior. Dos hermanas que son abandonadas primero por el padre, luego por la madre y finalmente por la tía. El relato deja una profunda melancolía, pero no cede ante la desesperanza. Por el contrario, puede ser pensado como un alegato sobre la resistencia, aún en los más desprotegidos. Una pequeña gran película que pasó inadvertida por el Jurado Oficial.

Ezequiel Obregón

El fantasma de la ópera: El musical más esperado

2009-04-07T20:14:00.010-03:00

El fantasma de la Opera apareció en la cartelera porteña, luego de haberse frustrado su estreno en varias oportunidades. Obra emblemática del teatro musical, esta creación de Andrew Lloyd Weber estrenada hace más de veinte años en Broadway es una de las piezas con mayor impronta de ópera, hecho que produce el acercamiento de un tipo de público más clásico en cuanto a la recepción de obras musicales.

La obra lleva marcada a fuego la impronta del romanticismo. Basada en la novela homónima de Gastón Leroux, el hilo argumental es bastante lineal: en el Teatro de la Ópera de París sobrevuela la idea de que un fantasma lo habita. Mediante ominosas cartas se dirige a los propietarios del teatro y envía órdenes para la composición de los elencos de las obras representadas, amenazándolos con suscitar tragedias si no se limitan a hacer lo que les pide. La favorecida es Christine, cantante que obtendrá el inmediato aplauso del público, merced a su extraordinaria voz y su desempeño en los papeles protagónicos. También se ganará el amor de Raoul, un joven noble, hecho que enloquecerá de celos al fantasma.

En cuanto al elenco, es destacable la labor de Mirta Arrúa Lichi (Carlotta Giudicceli), Carlos Vittori (uno de los Fantasmas, el papel es alternado por Juan Pablo Skrt) y la mexicana Claudia Cota (Christine). A las actuaciones les falta algo de pasión, sobre todo con tamaño argumento y mecanismo escenotécnico que por momentos “achica” algunas actuaciones, que por momentos se aproximan hacia lo grandilocuente.

De producción excelsa, cada detalle responde a un sofisticado mecanismo de relojería. Impacta la tan mentada caída de la lujosa araña hacia el final del primer acto, el viaje en góndola por las oscuras profundidades del Teatro y el imponente Carnaval que abre segundo acto. Una producción pocas veces vista en Buenos Aires.

Ezequiel Obregón

Libreto: Richard Stilgoe y Andrew LLoyd Weber
Letras: Charles Harts
Letras adicionales: Richard Stilgoe
Traductor y adaptador: Eduardo Galán
Dirección: Harold Prince
Directora Residente: Rocío Rodriguez Conway / Música : Andrew Lloyd Weber
Director Musical: Gerardo Gardelín
Coreografía original: Gillian Lynne
Actuaciones: Carlos Vittori, Juan Pablo Skrt, Claudia Cota, Nicolás Martinelli, Mirta Arrúa Lichi y elenco
Diseño de iluminación: Andrew Bridge
Diseño de escenografía y vestuario. Maria BjÖrnson
Sala: TEATRO OPERA
Horario: Miércoles, jueves y viernes: 20:30 hs – Sábado: 18:00 y 22:00 hs – Domingo: 19:00 Precio: desde 70 pesos.

LOS SIETE LOCOS, de Roberto Arlt

2009-04-07T20:14:00.006-03:00

Obsesionado por enriquecerse y ser reconocido por inventos como la rosa de cobre, Erdosain es un hombre desdichado que busca una salida a su angustia sumergiéndose en lo abyecto. Desesperado ante la falta de dinero y perspectivas, primero roba y luego ingresa en un grupo - liderado por el Astrólogo- que pretende invertir el orden social a través de una terrible y absurda revolución, financiada por una red de burdeles distribuidos por toda la Argentina bajo la administración del Rufián Melancólico.

Escrita en 1929, lúcida mirada sobre la Argentina de comienzos del siglo XX y sobre los conflictos atemporales del hombre, Los siete locos culmina con Los lanzallamas, que Arlt editaría dos años más tarde. La novela sorprende, en primer lugar, por la penetración del autor para captar los signos de los tiempos: Arlt no sólo vislumbra con agudo acierto los acontecimientos que sobrevendrían poco después en nuestro país, sino también advierte las pujas ideológicas que se producen en el orden internacional y denuncia ya entonces el intervencionismo político de los norteamericanos. La obra tiene una riqueza de contenido y una relevancia simbólica que parecen aumentar con el paso de los años, va más allá de la cuestión político-social para ahondar en la temática existencial de la soledad, de los vínculos, el mal y el sentido de la propia vida.

“Mi intención era tomar secuencias que se relacionan con su pensamiento filosófico y con cuestiones sociales” dice el director Omar Aíta. La adaptación, que él mismo ha realizado, “respeta el momento histórico y el orden en el que se desarrollan los acontecimientos… tomando en cuenta principalmente la elocuencia del lenguaje que Arlt da a su novela a través de sus personajes, crudos, oscuros, en constante rebeldía.” Con esa premisa, elige mantener buena parte de los textos, permitiendo acceder a la torturada lucidez de esas creaturas y a sus oscuros delirios. Parlamentos, personajes y situaciones, nos permiten entender los hechos. Sin embargo, se hace difícil abarcar semejante densidad en el limitado desarrollo temporal de la puesta: por momentos, el relato ganaría más contundencia y hondura con mayor concentración.

En la escena, unas camas sirven tanto para las escenas más íntimas de encuentro entre Erdosain y las mujeres de su vida (su esposa Elsa, Luciana o la Bizca), como para mostrar el mundo de la prostitución, la delincuencia y la brutalidad; el interior y el afuera quedan ligados por el denominador común de la humillación, que se da y se recibe. Después, unos pocos objetos, la disposición de los actores, la palabra y la luz, son los que cuentan, con bienvenida economía, el espacio. Cabe subrayar la sobria iluminación de Soledad Ianni que se ensambla perfectamente con la escenografía Carlos Di Pasquo y la ubicación de los actores.

Pablo Iemma debió, con pocos ensayos, salir "al toro" para encarnar al ya célebre protagonista, quien busca la perdición como una paradójica manera de salvarse. Tal vez, el paso de las funciones le va permitiendo profundizar cada vez más en tan torturado y rico personaje y hacer más perceptible su costado alucinado. Julio Ordano encarna al Astrólogo con sobrado oficio y soltura, confiriendo una macabra simpatía al cabecilla de la revolución, que promueve la temible y cercana ideología de la mentira como forma de dominio. Destacan el trabajo clownesco de Marcelo Sánchez en su composición del entrañable Ergueta, la medida y firme Coja que logra Coni Marino y el trabajo expresivo de Cecilia Kruchoski, que interpreta a Luciana.

Acercarse a esta versión de Los siete locos podrá dejarnos desasosegados o inquietos, pero nunca vacíos.

Clara Ibarzábal

Autor: Roberto Arlt

Adaptación: Omar Aíta

Actuaciones: Federico Aimetta, Pablo Iemma, Andrea Juliá, Cecilia Kruchoski, Darío Levy, Coni Marino, Julio Ordano, Enrique Papatino, Gustavo Pardi, Claudia Pereira, Marcelo Sánchez, Hernán Vazquez

Vestuario: César Drago

Escenografía: Carlos Di Pasquo

Iluminación: Soledad Ianni

Maquillaje: Camila Aita

Música: Martina Vior

Fotografía: Santiago Corti

Diseño gráfico: Santiago Corti

Asesoramiento en coreografía marcial: Leandro Aíta

Asistencia de dirección: Anabel Ferreyra

Prensa: Carolina AlfonsoDirección: Omar Aíta

CENTRO CULTURAL DE LA COOPERACIÓN

Corrientes 1543

Teléfonos: 5077-8077

www.centrocultural.coop

Entrada: $ 35,00 - Domingo y Viernes - 21:00 hs Entrada: $ 35,00 - Sábado - 20:00 hs

El nuevo Larga Duración de Los Amados

2009-04-07T20:13:00.014-03:00

Ya se puede encontrar en las bateas de las mejores disquerías el nuevo LP de Los Amados: Rutilantes. Otra vez esta banda de románticos sorprende con la selección de temas y composiciones propias que deslumbran en el nuevo material. Desbordante de amor, ternura y lleno de energía para invitar a bailar a quienes lo escuchen.

El grupo está compuesto por 5 galanes (y mejores músicos) y la niña Raquelita en piano. Y como nos tienen acostumbrados no podía faltar la cantante invitada para la ocasión: la flor blanca de Colombia, Dina Dulri. La banda de centroamericanos (forma parte de la fantasía) encantan a los argentinos con sus tonadas locales de Puerto Rico, Nicaragua, Guatemala y El Salvador entre otros, mientras que el enamoradizo Chino Amado es de Uruguay pero también se le pega la tonada de sus colegas.

Algunos de los temas que van a encontrar en el disco son: Reloj (Roberto Cantoral), Noche de ronda (Agustín Lara) y Vereda tropical (Gonzalo Curiel), ejemplos de los tradicionales y recordados temas que -junto con los de composición propia de la banda- les permitirá recorrer diversos ritmos. Pasarán del cha cha chá al bolero, del vals al danzón, de la plena al candombe y moverán las caderas con el merengue y la conga. Algunos títulos de la autoría de Los Amados son: Soy tu esclavo, Claro que sí y Pretenciosa no soy. El larga duración ofrece un recorrido de 12 temas que lo hará vibrar y pasar por varias emociones.

En el interior encontrarán una serie de fotografías que los muestran en sus personajes extraídos de la década del 50, haciéndole honor a la época con colorida vestimenta, jopo y habano en mano. También conocerán a Dina, con su vestido al mejor estilo Carmen Miranda, y a la encantadora Raquelita, siempre sonriente y con vestidos delicados.

Pero el disco no es todo. A pesar de vivir en una gira permanente, se los puede ver en los escenarios de Buenos Aires, sólo es cuestión de estar atentos a la cartelera. Por eso, cuando puedan asistir al espectáculo, no lo duden, vivirán realmente una fiesta del amor. Los amados es un grupo que le canta al amor. Como ellos mismos se definen: “Algunos llevan la guerra a otros países, otros llevan el dinero, nosotros llevamos el amor.”

Georgina Falbo

Los amados

Alejandro Viola
Lisandro Fiks
Analía Rosenberg

Oscar Durán

Hernán Sanchez

Cantante invitada: Dina Dulri

www.myspace.com/losamados

http://www.losamados.com.ar/

Esperando la carroza

2009-04-07T20:13:00.010-03:00

La espera terminó: llegó la carroza y se llevó a dos de los personajes más aclamados de la primera entrega del film.

La historia tanscurre en el aniversario de matrimonio de Nora Musicardi (Betiana Blum) y Antonio Musicardi (Luis Brandoni), quienes invitan a su casa a importantes personalidades del ámbito del espectáculo, político y empresarial. Todos son contactos conseguidos gracias al crecimiento económico que produjo el matrimonio en los 25 años que han pasado desde aquel almuerzo familiar en el que se desarrolló la primera parte. Antonio decidió invitar también a los miembros de su familia sin consultarlo con su mujer, avergonzados "por ser pobres".

Con la llegada de todos los Musicardi a la mansión de Nora y Antonio se suceden situaciones insólitas debido al choque de clases. Nora los humilla, intentando utilizarlos como personal de servicio. Se suceden las idas y vueltas de cuatro nuevos personajes interpretados por Lola Fernández, Facundo Espinoza, Gabriela Mandato y Gastón Grande. También podremos ver a los ya conocidos personajes que encarnan Mónica Villa, Juan Manuel Tenuta, Andrea Tenuta, Lidia Catalano y Roberto Carnaghi (quién reemplaza al fallecido Julio De Grazia).

La ausencia de Mamá Cora (Antonio Gasalla) y Elvira (China Zorrilla) provocan una notoria falta de fuerza en esta segunda parte. Los personajes “nuevos” en la familia no logran suplir el hueco que han dejado aquellos.

Si bien el duelo actoral provoca un ritmo ligero, el guión presenta ciertas carencias, los remates son previsibles y los diálogos y situaciones anacrónicos. También se presenta una excesiva autoreferencialidad a la primera entrega de Esperando la carroza (incluso planos exactamente iguales que pasan de homenaje) que provoca que el film pierda su autonomía.

Se destaca el trabajo de Roberto Carnaghi, que logra encontrar los matices del Jorge Musicardi compuesto por De Grazia y –al mismo tiempo- agregarle los propios.

Esperando la carroza 2 es una película que siempre llevará el karma de ser comparada con la primera, un film que pasa con ligereza y que con ligereza se olvida.

Pablo D Elía

La sonrisa de mamá

2009-03-02T13:57:00.005-02:00

Más respeto que soy tu madre

Adaptación de un blog, la obra que dirige y protagoniza el gran capocómico y actor Antonio Gasalla tiene todo el caos y aparente aleatoriedad que caracteriza a este tipo de textos. Es –en ese sentido- una apuesta por algo distinto que encara Gasalla, pero que simultáneamente le permite volver a componer un personaje femenino y bien identificable para los argentinos. Se trata de un Gasalla en estado puro, con una gran autoridad escénica y una justa complicidad con la platea.

Más respeto que soy tu madre se mete de lleno en las vivencias de una familia de clase media-baja de Mercedes. La pieza presenta diversas situaciones cotidianas introducidas por Mirta Bertotti, la entrañable madre cincuentona que soporta a un marido machista y gruñón, un hijo de escaso nivel intelectual que no aporta dinero al hogar, una hija estilo Lolita que promueve sus encantos vía internet, un hijo gay reprimido que termina deviniendo heterosexual, y un suegro que es adepto al consumo y a la venta de marihuana.

Se trata de un espectáculo que apunta directo a lo referencial, con inscripciones de un absurdo que a veces se despega en exceso de la cotidianidad representada. Sobre todo en cuanto al humor escatológico, bastante criticado en varios medios (con justa razón, hay que decirlo), que poco agrega al texto y que –además- resulta excesivo.

La pieza tiene un ritmo ágil, los personajes entran y salen como si alternaran un tiempo real con uno procedente de la interioridad de Mirta. Algunos gags se vuelven redundantes por su extensión, pero el Gasalla director ha sabido extraer los gestos y la potencialidad histriónica de actores de procedencias y edades distintas, entre los que se destacan Alberto Anchart (el abuelo) y Nazareno Móttola (el hijo menor).

Lo mejor de la obra pasa por su costado grotesco, el público llega a ver a través de los ojos de Mirta. Es ella la que tiñe con su ternura aquello más revulsivo, la que nos muestra –en definitiva- aspectos muy cuestionables con los que debe lidiar (su marido, por ejemplo: machista, conservador, y chanta), pero que bajo su mirada pueden esconder un motivo para seguir adelante, con la frente bien alta. Porque, como dice al final: “pese a todo, seguimos juntos”.

Ezequiel Obregón

Dirección y adaptación: Antonio Gasalla.
Autor: Hernán Casciari.
Actuaciones: Antonio Gasalla, Enrique Liporace, Alberto Anchart, Esteban Pérez, Eliana González, Nazareno Móttola y Sebastián Borrás.
Iluminación: Roberto Traferri.
Escenografía: Jorge Ferrari.
Sala: Metropolitan.
Horario: Miercoles, jueves y Viernes 21.30 hs. Sábados: 22. 00 hs. Domingos: 21.00 hs.Precio: Desde 65 pesos.

Entrevista a Javier Pomposiello

2009-03-02T13:55:00.004-02:00

Javier es un joven actor que continúa su formación en la Escuela de Marcelo Katz, director de Aires (ver nota de Clara Ibarzábal). Aquí comparte sus reflexiones sobre la esencia del clown y -desde luego- el espectáculo del cual forma parte.

En Aguas el grupo trabajó con un elemento palpable. ¿Cómo fueron encontrando una dramaturgia que se correspondiera con algo inmaterial como lo es el aire?

El proceso creativo de ambos espectáculos fue muy distinto y no sólo por el elemento en cuestión. “Aguas” se creó con números presentados por alumnos y ex alumnos de la Escuela de Marcelo Katz. A lo largo del año 2007, Marcelo propuso a todos sus alumnos que presentaran números utilizando al agua como eje temático. De todo el material que surgió seleccionó una docena de números, que luego de ser retocados, desarrolló con ellos su puesta en escena.

“Aires” es un espectáculo de la compañía Clun de Katz, en donde los diez clown que actuamos (5 somos también alumnos) recorrimos el proceso creativo de "Aires" desde la página en blanco hasta la obra terminada.

Como participante en el proceso creativo y en la actuación de ambos espectáculos, podría decirte que el hecho de trabajar con los elementos ofrece una cantidad interminable de posibilidades, debido a su universalidad. Claramente, el color y la dinámica que genera cada elemento es completamente distinta. Con “Aguas”, el hecho de estar trabajando en escena con el elemento mismo, mojándonos, salpicándonos, sambuyéndonos, etc., nos posibilitó un juego directo, concreto y muy potente.

Con "Aires", si bien el elemento no es palpable, lo es todo aquello que recibe la influencia de su movimiento. Máquinas sopladoras que generan tormentas de nieve, los sonidos del aire en movimiento, un mundo volátil de burbujas humeantes, sorbetes, el espacio abierto del patio del aljibe, etc. conformaron un pequeño mundo que fuimos creando o descubriendo y que nos invitó a plasmar su dramaturgia. Con el ojo central de Marcelo y con nuestro juego en escena fuimos encontrando en el trabajo con el aire una poética onírica, por momentos apocalíptica y a la vez hilarante y disparatada.

¿Por qué crees que el clown resume como pocas figuras el arte de entretener y el de emocionar?

El clown, como nosotros lo concebimos, no es un actor que compone un personaje. Es la persona misma que deja que afloren todas las cosas que en la vida diaria acostumbramos a esconder. Los temores, el ridículo, las miserias y todo aquello que está en cada uno pero que preferimos ocultar en la vida, es el potencial material de trabajo del clown. Los grandes personajes del teatro clásico saben lo que hacen. El clown no tiene idea y tiene que ponerse a resolver. Esto genera mucha identificación en la gente. El público disfruta mucho ver alguien que convierte en escena las mismas cosas que le pasan a uno y las exacerba y lleva al disparate total. El clown es transparente, vulnerable, deja ver su alma y eso divierte y emociona. En definitiva se trata de reírnos de nuestra humanidad, y por lo tanto celebrarla.

A la vez el clown posee una mirada nueva para todo, una mente simple y un juego permanente con todo lo que encuentra. Es así que construye nuevos mundos a partir de elementos y temas de lo más comunes. Eso lo acerca a la gente. Por ejemplo en "Aires", utilizamos aspiradoras, secadores de pelo, sorbetes de gaseosa y demás cosas domésticas, pero con una mirada nueva, creando cuadros muy bellos y muy cómicos.

¿En qué radica la universalidad del clown?

Tanto en la formación que he recibido como en el concepto de espectáculos en que participo, entendemos al clown del modo en que me he expresado en la pregunta anterior. Y creo que, en rasgos generales, es el modo en que lo concibe la mayoría de los referentes en este país.

No me animaría a afirmar cuáles son los elementos que determinan al clown de modo universal. De hecho hoy y a lo largo de la historia, el término Clown se ha utilizado para una diversidad de artistas y espectáculos tan grande que cuesta llegar a una conclusión de ese tipo. Además los rótulos existentes no ayudan. Está la técnica de clown creada por Jaques Lecoq, que es la que tomamos nosotros. Pero la traducción de la palabra al español es payaso. Por lo tanto somos payasos, pero no con las características que ha institucionalizado el circo para esta figura, ni mucho menos el denominador común de espectáculos infantiles.

Tal vez, la única universalidad del clown sea que es un artista con una gran capacidad de juego convertida en escena, con intensión de emocionar al publico.

Luego hay una cantidad de cosas que podríamos señalar como inherentes universo del clown, pero que no creo que sean condiciones excluyentes: el humor, el contacto directo con el público, la ternura, ser artesanos de sus propios espectáculos, la nariz roja, etc.

A veces escucho o me encuentro con definiciones en libros o en la web de lo que un clown “debe ser” y no me identifico en absoluto. Tal vez deberíamos revisar los rótulos.

¿Cómo se fue elaborando Aires? Si seguimos una línea, ¿podremos ver algún día Fuego, por ejemplo? ¿Lo han pensado?

Cuando Marcelo me convocó para idear un nuevo espectáculo, lo primero que decidimos fue continuar la saga de elementos. Entonces elegimos que era el turno del aire y nos pusimos a bocetar ideas, imágenes y demás delirios para sentar una propuesta para el elenco. Luego el director conformó el elenco, en cual participan algunos clowns que ya estaban en la compañía y otros que fuimos incorporados, mas asistentes, mas diseñadores de objetos, escenografía y vestuario, compositor musical y coreógrafo.

El proceso de elaboración de AIRES fue un laboratorio intensivo con 6 ensayos semanales durante varios meses. Allí experimentábamos con propuestas que traía cada clown, con las bocetadas previamente, y con otras que surgían espontáneamente. Entonces experimentábamos con esas ideas. Uno traía secadores de pelo, otros burbujas y máquinas de humo, o avioncitos de papel, corporización de distintos vientos, etc.

Doy un ejemplo mío: Uno de esos días, yo estaba con mi hijo de tres años en un bar. Mi hijo tenía un jugo de naranja. Yo agarré el sorbete que venía con su jugo y soplé haciendo volar al papel que lo envuelve (acción de lo más conocida). Mi hijo rompió en carcajada. Al día siguiente llevé varios sorbetes al ensayo y propuse usarlos. Comenzamos a probar distintas ideas, y hoy tenemos en "Aires" el número de los sorbetes.

Fueron más de 60 ideas probadas y desarrolladas y todas ellas fueron sugiriéndole a Marcelo y al elenco, un camino a tomar. Luego de madurar las propuestas, Marcelo seleccionó aquello que consideró que rendiría mejor y que ilustrara de mejor modo ese espíritu de espectáculo que empezaba a aparecer. Se trabajaron los números y sus nexos. Luego se terminaron construir los elementos para las escenas, ajustes varios, soluciones técnicas y demases cuestiones de puesta. Vino el estreno y aquí estamos en plenas funciones.

Por supuesto que pensamos continuar la saga de elementos, y de hecho ya se está trabajando en ello. Pronto habrá novedades al respecto.

Contáme cómo es la recepción de la obra.

"Aires" ha tenido una excelente recepción de forma inmediata y eso es una alegría luego de tanto trabajo y tantas horas dedicadas. El patio se llena y gente de todas las edades disfruta muchísimo de cada escena. La obra es realmente muy original y muy divertida. Te puedo asegurar que en un espectáculo de clown, el resultado se nota en seguida. El disfrute del público es muy sonoro. Y en el patio del aljibe del Recoleta está sucediendo algo muy lindo con "Aires".

Ezequiel Obregón

AIRES, DE MARCELO KATZ

2009-03-02T13:44:00.004-02:00

¿Cómo elaborar un espectáculo a partir de una materia tan evanescente como el aire? Nuevamente en el patio del aljibe del Centro Cultural Recoleta, como en Aguas, Marcelo Katz y su grupo de clowns nos sorprenden y nos deleitan probando que la imaginación lo hace posible

Esta vez, en el fondo, paneles negros. Los actores se presentan jugando con rollos de papel: lo cotidiano se transforma en material lúdico y estético ante los ojos agradecidos de compartir la magia.

Las máquinas de humo asumen aquí una nueva funcionalidad. De la misma manera, un lanzapapeles y un ventilador, un secador de pelo o una aspiradora pueden convertirse en objeto de juego escénico en manos de estos jóvenes y talentosos payasos que continuamente trabajan atentos al vínculo con el público de todas las edades que se asombra y participa de la diversión y el disparate continuo. Hay muchos otros elementos, desde el mítico avioncito y las bienvenidas pompas de jabón a los sorbetes, siempre ligados con ingenio y plasticidad a la temática propuesta. Todos los textos que se enuncian como las canciones se vinculan también con el aire, sin forzamientos, con humor y poesía.

Seguir describiendo lo que se ha visto quitaría parte del placer de la obra, que consiste en disfrutar del hallazgo de una mirada fresca, capaz de conferir nueva vida a elementos que manejamos y vemos todos los días, como sucede en algunos cuadros muy logrados, como el show musical donde se interpreta de particular modo el bello tema “Fly me to the moon”. Cabe destacar también un particular concierto, el número del recitado de poemas, el del lejano oeste y el de las burbujas. El diseño de luces se acopla perfectamente con las necesidades del espectáculo.

Los payasos se desempeñan con gracia, cada uno trabaja desde su propia personalidad, lo que enriquece la labor grupal. Quienes tienen a su cargo los pasajes más cómicos, de mayor vínculo con los espectadores, generan muy buenos momentos en la noche al aire libre. Grandes y chicos hallan aquí un espacio de goce y la oportunidad de establecer un vínculo desde la sensibilidad y el juego. Nada menos que teatro.

Clara Ibarzábal

Autor: Marcelo Katz
Actuan: Juan Carlos Bratoz, Cecile Caillon, Demián Candal, Julieta Carreras, Pablo Fusco, Martín López, Lisandro Penelas, Javier Pomposiello, Luciana Wiederhold, Erica Ynoub
Diseño de vestuario: Brigida Lozzi
Diseño de escenografía: Gabriel Diaz
Diseño de luces: Fernando Berreta
Diseño sonoro: Pablo Bronzini
Realización de escenografia: Gabriel Diaz
Música original: Pablo Bronzini
Fotografía: Sol Levinas
Utilero: Analía Gaguin
Asistencia de dirección: Leonardo Quiroz
Asistencia de puesta: Alejandra Varela
Prensa: Daniel Franco, Paula Simkin
Producción ejecutiva: Iris Intilangelo
Jefe técnico: Gabriel Diaz
Coreografía: Diego Bros, Marcelo Katz
Dirección: Marcelo Katz

CENTRO CULTURAL RECOLETA
Junin 1930 Capital Federal Teléfonos: 4803-1040
http://www.centroculturalrecoleta.org
Entrada: $ 20,00 - Domingo y Sábado : 20:30 hs.

Ensinapsis te invita al teatro!

2009-03-02T13:39:00.002-02:00

Ensinapsis vuelve, y no deja de invitar a sus lectores al teatro. En esta oportunidad, para ver Albina, de Mónica Salerno, obra que recibió el segundo Premio Germán Rozenmacher de Nueva Dramaturgia, en el marco del VI Festival Internacional de Buenos Aires 2007. Fue editada por el mismo festival y traducida al inglés y al francés.

Albina es albina, Lucía no.
Son hermanas, son las chicas Kowalski, las únicas en un barrio de hombres de pies feos y lastimados, apiñados alrededor de una fábrica.
Gallotti ha matado a los conejos del amo Capalbo.
Ahora anda sin religión y quiere cobrarse la deuda.
El padre ya no puede moverse, sólo engorda, el criadero de caracoles no funciona. La deuda se hace infinita.
Todo es ruina y desolación.
Se dice que un mechón de albina cura cualquier enfermedad.

Albina puede verse en el Teatro del Pueblo, Av. Roque Sáenz Peña 943, los viernes a las 21 hs.

¿Cómo obtener un par de entradas? Muy sencillo: deben escribir a ensinapsis@gmail.com, dejar un número de teléfono y los últimos tres números de su DNI.

Aquello que llamamos felicidad

2008-10-28T22:17:00.019-02:00

Con el estreno de Conversaciones después del entierro se confirma el poder de recepción que tienen las obras de la francesa Yasmina Reza en Buenos Aires. Si ART fue -hace más de diez años- un hito de convocatoria, los posteriores estrenos de Tres versiones de la vida y El hombre inesperado confirmaron el interés del público por las obras de Reza.

Esta nueva obra dirigida por Luciano Suardi muestra un cuadro familiar al borde de la desintegración luego del entierro del pater familiae. Sin contar con ninguna trama rígida, el texto se aproxima a un momento particularmente dramático de esta familia, alterada aún más tras la aparición de Elisa (Carina Zampini), ex mujer de Alex (Federico Olivera) , hermano de Edith (Natalia Lobo) y Nathan (Alejandro Awada), con quien la mujer revive un affair que pone en tensión la relación entre los hermanos varones.

También están el tío Pierre (Héctor Giovine) y su nueva esposa (Marta Bianchi), que sirven en la familia como un referente de las parejas que se conforman en una edad avanzada. Ese vínculo (abordado en varios momentos de la pieza desde la comicidad) permite contraponer el malestar existencial que se percibe en los tres hermanos. Sobre todo en Alex, el más joven. Conversaciones después del entierro, desde ese punto de vista, es una obra tan melancólica como un muchacho que no tiene perspectivas, pero que las percibe a su alrededor.

Luciano Suardi ha comprendido esa capacidad del texto de construir sentido desde lo no dicho, lo trivial, y las relaciones vinculares. Federico Olivera no siempre consigue sostener toda la desazón del personaje más allá del gesto. Pero el elenco se luce, y la escenografía de Jorge Pastorino resulta esencial para ese lucimiento. A través de un gran muro que se desliza hacia los costados y de cuya superficie emergen elementos que ambientan los diversos espacios, la pieza logra unir el espacio cotidiano con el estado subjetivo, cargado de las reflexiones que surgen de los personajes.

Toda la obra está teñida por un halo chejoviano. Más allá de un hecho contundente (¿acaso hay otro que lo sea más?) como la muerte del padre, las situaciones son cotidianas. Desde la trivialidad de los diáligos comienzan a aparecer reflexiones de impronta metafísica, que ponen en tela de juicio los pasos acertados de los personajes, los que deberán meditarse, y los que aún son imperceptibles.

Ezequiel Obregón

LA PESCA, de Ricardo Bartís

2008-10-28T22:05:00.005-02:00

Sólo queda un charco del Maldonado en ese sótano de la calle Beláustegui, donde acostumbran bajar Don Atilio, René y esta noche, como invitado, Miguel Ángel, a quien le cuesta desconectarse de su negocio. Los otros dos lo irán instruyendo mientras lo sumergen – como a nosotros – en el universo ilusorio. Allí, con todos los enseres, practican lanzamiento de mosca. “Tenés que imaginarte”, le dicen, así se ingresa en ese espacio evadido del tiempo, en los restos ruinosos del antiguo club “La gesta heroica”, como reza el viejo cartel que habla de tiempos gloriosos. Así se conserva y reaviva en la oscuridad, con el recuerdo y la imaginación, el pasado; allí se alimentan los sueños. Los tres hombres hablan de sus pasiones, la pesca y las mujeres, con las mismas palabras: enganchar, poseer, pescar, atraer. En el fondo, cada uno refiere su propia soledad, el desesperado intento de esquivarla, de encontrar alguna forma de intimidad y contacto, con ellas y entre ellos mismos. Atilio, viudo y enfermo, vive instalado en aquella idealizada época de esplendor, cuando “plantaban truchas”, cuando gozaba de la compañía de su esposa. Con ingenio extravagante, ha inventado el sistema de luces que permite pescar en al oscuridad de ese estanque urbano. René lo sigue como a su maestro, mientras sueña con el afecto de Irene, la hija del viejo, a quien considera su novia. Miguel Ángel tiene sus propias penas; bajo su saco y su corbata, hay un hombre irascible, que es también el sufrido enamorado que padece todavía la herida del abandono de Alicia.

En ese universo masculino donde la mujer es ausencia omnipresente, se habla también con calor de política, del peronismo con sus internas y sus tensiones irresueltas. Se asoma la Argentina devastada que no puede borrar los horrores ni el dolor del pasado, porque las marcas están grabadas en el cuerpo social como en esas paredes húmedas las subidas del río que corre bajo la avenida. La fábrica abandonada, ese pozo en medio de la ciudad, sirve de refugio a la utopía, constituye un grotesco y entrañable espacio del rito de la pesca, un rito que remite a un tiempo demorado, fuera de lo cotidiano, que determina el ritmo profundo de la pieza, muy ajeno al de arriba, al que se resiste a pertenecer, como ciertos teatreros.

No faltan en la obra los momentos dramáticos: la espera inútil, el pique inútil, el hilo que se corta; la violencia tampoco, ni el humor, esa forma sutil de decir la tristeza. La virtud de Bartís, entre muchas, consiste en plantear todo esto en diálogos simples, que fluyen en los preparativos y en el aguardar. Los actores, con personajes muy bien delineados que interactúan modificándose lentamente, logran hacer verosímil ese potente mundo poético en el que nos reconocemos. Boris, De Feo y Machín – muy especialmente – crean con sus cuerpos afectados ese universo que nos toca en lo hondo.El diseño y el aprovechamiento del espacio (el piso superior, el “balcón”, la escalera, el baño, el estanque) nos hacen sentir que también nosotros descendemos al sótano y allí también buscamos respuestas.

Experimentamos el goce de ese teatro nada trivial, consciente de sí mismo y de su valor, el que nos presenta una metáfora viva en la que podemos seguir buceando. Entretanto, nos preguntamos, mientras reímos y nos conmovemos, en qué creemos todavía, qué esperamos, si nos apasionamos con intensidad, si seguimos resistiendo.

Clara Ibarzábal

Actuaciones: Sergio Boris, Carlos Defeo, Luis Machín

Vestuario: Magda Banach

Realización escenográfica: Ricardo Félix, Norberto Laíno

Fotografía: Andrés Barragán

Asistencia técnica: Andrés Irusta

Asistencia de dirección: Jazmín Antar

Prensa: Daniel Franco, Paula Simkin

roducción ejecutiva: Lorena Regueiro, Domingo Romano

Dirección: Ricardo Bartís

SPORTIVO TEATRAL

Thames 1426 - Capital Federal

Teléfonos: 4833-3585

www.sportivoteatral.com.ar

Entrada: $ 40,00 - Jueves - 23:00 hs - Desde el 20/11/2008

Entrada: $ 40,00 - Viernes y Sábado - 22:00 hs - Desde el 20/11/2008

¿Dónde está Liza?: Puro ritmo

2008-10-28T21:56:00.006-02:00

Los Pepper Top Singers están de vuelta, esta vez con un ágil espectáculo en donde los protagonistas van tras los pasos de la mujer que admiran: Liza Minnelli. Es así como se lanzan a viajar, para emprender una búsqueda disparatada. “Cuatro fanáticos sueltos, cantando y bailando hacen de todo para llegar a ella, desde transformar un éxito suyo en un Mambo, hasta escribir un Himno dedicado a su ídola”, según cuenta Alejandro Ibarra, director e intérprete.

¿Dónde está Liza? es un homenaje a una de las más grandes artistas que ha dado la escena internacional. Es un espectáculo dinámico que lo mantendrá atento a las andanzas de los protagonistas, quienes con mucho respeto toman canciones fácilmente reconocibles como New York New York o City Lights a modo de tributo. El show cuenta con un vestuario colorido donde no faltan las galeras y los zapatos de tap.

Para destacar, el programa con formato de tríptico incluye la ficha técnica completa, la sinopsis y un breve currículo de cada uno de los artistas, al mejor estilo de los musicales. Tan acostumbrados hoy en día a las postales, es un logro que recuperen el programa tradicional, el cual para muchos espectadores es un recuerdo-material de la obra a la que asistieron.

¿Dónde está Liza? es, finalmente, un musical que les permitirá pasar un buen momento en pleno San Telmo. Y les recordará que muchas veces lo que buscamos fuera, lo llevamos dentro.

Georgina Falbo

Los Pepper Top Singers son: Emanuel González Castro - Mariana Jaccazio - Alejandro Ibarra - Johanna Sciar

Coreografía: Alejandro Ibarra

Tap: Jimena Olivari

Dirección musical y arreglos: Matías Ibarra

Producción ejecutiva: Isidoro Defina

Puesta en escena y dirección: Alejandro Ibarra

Funciones: Viernes a las 23:15

Localidades desde $30

Molière Teatro Concert: Balcarce 683 - Reservas: 4343-0777

La percepción de lo cotidiano

2008-08-25T17:08:00.005-03:00

La mujer sin cabeza

La cineasta salteña Lucrecia Martel ha sabido construir una filmografía radical, implacable, con apenas tres largometrajes. A partir de La ciénaga (2001) fue posible percibir elementos de estilo que se repetirían en La niña santa y –ahora- en La mujer sin cabeza. La incomunicación, el concepto de “banalidad del mal”, los climas opresivos, la discriminación (jamás tratada de manera demasiado gráfica), el desconcierto ante lo incomprensible que aparece como cotidiano, son algunos de los temas que aparecen en su cine. Si agregamos que estas temáticas jamás se separan de lo formal (el trabajo con la banda de sonido la ubican en la cima del cine actual) podemos afirmar que estamos en presencia de una artesana del séptimo arte.

La mujer sin cabeza es una nueva apuesta radical de la realizadora. La historia puede pensarse como una estructura de resonancias, con el epicentro puesto en un hecho que acontece en la vida de Vero (sutil interpretación de María Onetto), una odontóloga perteneciente a la burguesía salteña, esa que Martel ha sabido retratar en sus dos películas anteriores, a veces de manera levemente paródica. Un día esta mujer atropella a “algo” en la ruta. Al ver hacia atrás hay un perro muerto, pero Vero supone que pudo haber atropellado a un ser humano.

Este hecho traumático le sirve a Martel para indagar en la mente de Vero, sobre todo en la forma en la que su mundo cotidiano deviene extraño. Vero no se recompondrá de ese accidente, sintiéndose rara en un contexto que –en apariencias- debiera resultarle normal.

La percepción de la mujer aparece en el film distorsionada. No podrá reconocer su propio material de trabajo, y su rostro parecerá sorprendido ante cada solicitud, ya sea de su esposo, de su hermana, o de todos aquellos que conforman su círculo íntimo. Cada hecho que la involucre, por mínimo que sea, será ante sus ojos una novedad. Bajo esta perspectiva, el orden de lo ordinario se convierte en extraordinario, como si Martel le ofreciera a su criatura una lupa lo suficientemente potente para desnudar miserias, afectos, sentimientos, injusticias veladas.

La estructura de la película escapa a lo que identificamos como “trama”. Tampoco el relato opera de forma fragmentaria. Resulta válido apelar a la definición de lo anecdótico, una categoría que no se resiente ante la idea de totalidad. Toda La mujer sin cabeza entrega líneas de sentido que se superponen, se amplifican escena a escena y obligan al espectador a imaginar frases que no se han dicho pero que están latentes, escenas que están fuera de campo pero que podrán imaginarse. De esta forma, nada queda librado al azar –en tal caso- el azar aparece –paradójicamente- como una construcción adrede.

La maestría visual está presente en cada plano. Es difícil no encontrar en cada secuencia una justificación dramática, un hecho formal que se integre a la totalidad del film. El abordaje del elemento siniestro (aquello familiar que debe permanecer oculto pero que salta a la luz) jamás apela a ningún tipo de psicologismo. Por el contrario, la visión del film se centra en la capacidad de indagar en lo que se nos muestra, en los datos intersticiales que permiten asignarle sentido a lo que conocemos, a la manera en la que lo cultural se funde en lo íntimo y viceversa. Tarea ardua, de allí que el cine de Martel sea tan resentido por algunos sectores de la crítica y el público. No podemos más que celebrar tal osadía.

Ezequiel Obregón

TITULO ORIGINAL: La mujer sin cabeza.

DIRECTORA: Lucrecia Martel.

GUIÓN: Lucrecia Martel.

INTERPRETES: María Onetto, Claudia Cantero, Inés Efrón, Daniel Genoud, César Bordon, María Vaner y Guillermo Arengo.

DURACIÓN: 87 minutos.

Ciudad como botín: Sur, deslocalización y después

2008-08-25T17:06:00.004-03:00

Éste no es un lugar para escapar. Aquí esperan los gritos, los pobres, Macri y sus afiches, las empresas, la globalización financiera y simbólica y la omnipresente mediación de los medios que, encarnada en una gran pantalla, apenas si nos dejará ver directamente a los actores.

Éste es un lugar para escapar. Aquí el sentido ha estallado, hay diversión, números musicales, teatro hiperkinético, eufórico, tecno-primitivo. Los actores son ellos mismos y no lo son, bailan y cantan los temas que han elegido y se ponen a merced de un texto despiadado junto al que logran montar una interpelación furiosa que se multiplica en todas direcciones.

Ciudad como botín, del alemán René Pollesch y dirigida por Luciano Cáceres actualmente en el Centro Cultural de la Cooperación, comparte una trilogía con Sex según Mae West, que también fue dirigida por Cáceres y cuyo elenco fue efectivamente secuestrado, tomado como botín en su última función en el Goethe, enlazando indisolublemente ambas obras en esta puesta.

La obra defiende su derecho a hacer política explícita y también a no hacerla. Teatro dialéctico posmo-rioplatense con la potencia de una propuesta única. Un discurso sobre la deslocalización del capitalismo tardío y el marketing como la estrategia cultural por excelencia. Una puesta que despliega una infinidad de recursos y crece exponencialmente a partir de una entrega actoral dispuesta a enfrentar el desafío hasta las últimas consecuencias.

Éste es un lugar del que algunos querrán escapar. La relación constante y vertiginosa entre lo que se da y lo que se quita, la palabra que se dice y la dinámica que la hace imposible de escuchar, lo que se escribe con la mano del discurso y lo que se borra con el codo de la pura escena, hace que la obra desafíe también a los espectadores a entregarse por entero. En muchas funciones hay gente que se va. Pero función tras función la sala se llena y al que se sumerja en el goce de la experiencia lo aguardan, no sólo un buen rato y algunas reflexiones políticas interesantes, sino unas poderosas ganas de volver.

Si una función teatral nunca es igual a otra, en Ciudad como botín esto está ampliamente potenciado. Su mecánica busca, fuerza, la mutación, el accidente, la reacción espontánea, la palabra nueva. Y los actores, que no ocultan sino declaran su sufrimiento en el proceso de construcción de la obra, cada vez se encuentran más a gusto y un clima festivo se ha ido apoderando cada vez más del espectáculo.

Cáceres potencia en esta puesta la propuesta escénica de Pollesch, basada en la separación de la palabra y la acción, la idea de “no interpretación” y una estructura intermitente de cuadros musicales. ¿Una obra neo-realista? ¿Pos-representacional? ¿Pos-brechtiana? ¿Un varieté? ¿Todas las anteriores? ¿Ninguna?

Ante todo, una obra profundamente contemporánea, que se propone hablar de los problemas de nuestra era con una mecánica digna de ella al tiempo que se inserta en los debates más actuales sobre los límites y las posibilidades del teatro.

Pamela Brownell

Autor: René Pollesch Traducción: Carla Imbrogno Actuaciones: Sergio Aiello, Héctor Bordoni, Ideth Enright, Javier Lorenzo, José María Muscari, Dolores Ocampo, Cecilia Rainero, Rodolfo Roca, Guillermina Schauman. Escenotécnia: Luciano Cáceres, Mara Guerra Iluminación: Luciano Cáceres, Ignacio Rodríguez de Anca Diseño de vestuario: Pepe Uría, Realización de vestuario: Maria Carcaño Video: Pablo Irrazábal Cámara: Lucas Cánepa, Sophie Tirouflet Fotografía: Ignacio Rodríguez de Anca Asistente de producción: Ignacio Rodríguez de Anca Asistencia de dirección: Marlene Nordlinger Prensa: Walter Duche, Alejandro Zárate Producción ejecutiva: Mara Guerra Colaboración musical: Hernán Crespo Coreografía: Leticia Mazur Dirección: Luciano Cáceres.

CENTRO CULTURAL DE LA COOPERACIÓN
Corrientes 1543 –Ciudad Autónoma de Buenos Aires
Teléfono: 5077-8077
Entrada: $ 25,00 - Lunes - 21:00 hs
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¿A dónde van?

2008-08-25T16:36:00.005-03:00

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¡Vamos a visitar a María Elena! Es posible que muchos, en algún momento de la vida, se hayan preguntado cómo es la vida de María Elena Walsh. Cómo se inspira para darle vida a las canciones y a los cuentos que grandes y chicos conocemos.

En la obra María Elena de Héctor Presa se le brinda homenaje a la reina de las canciones infantiles. La historia cuenta cómo un grupo de chicos llenos de curiosidad y aventureros deciden ir a visitarla. Idea que surge al crecer con sus canciones y luego de escuchar a padres, tíos y abuelos hablar de la Walsh. Por todo ello se disponen a encontrarla.

El espectáculo encuentra brillantes actuaciones de la mano del grupo La Galera Encantada, quienes cumplen 30 años trabajando para los niños y adolescentes. Encontraron la forma de celebrarlo con las canciones de María Elena en la sala Casacuberta del Teatro San Martín, tradicional espacio de la ciudad para los infantiles.

En forma constante se mantiene el interés del público en el seguimiento de la historia a través de las canciones que todos conocemos. Con ellas toman de la mano al espectador y lo invitan a viajar por las fantasías más cálidas y desopilantes a los niños y adolescentes mientras que los grandes son invadidos por los recuerdos. Se trata de un show para ver en familia que lo disfrutan los chicos de todas las edades y los acompañantes.

En la escenografía se destaca un árbol de fondo, del cual penden hojas con las letras de las canciones: Manuelita la tortuga, El Reino del revés, Canción de tomar el té, Canción de la vacuna, Canción del jacarandá y El twist del Mono Liso, entre otros éxitos. La idea del árbol remite a un trabajo de Quino en donde la propuesta era justamente que los niños puedan sacar material de lectura de los árboles. Los objetos que componen la escenografía son funcionales, ayudan a complementar las coreografías de cada tema, con valijas, una carretilla, bancos, teléfonos y cajas musicales.

El ritmo de la obra es emocional y festivo, logrando que el público participe y disfrute de las ágiles coreografías. Consiguen que todos salgan de la sala sonrientes: 70 minutos de pura diversión.

El vestuario es colorido y armónico, nada del colorinche que se ve en otros infantiles, aportándole a cada personaje una personalidad que se diferencia con claridad. Les permite hacer piruetas con soltura y comodidad. Un trabajo destacable de Mini Zuccheri.

Por todo lo mencionado, recomendamos María Elena para compartir con toda la familia. Pasarán un momento inolvidable que dará lugar a charlas posteriores. Uno de los mejores espectáculos en cartelera.

Georgina Falbo

Autor y director: Héctor Presa

Con Lali Lastra, Matías Zarini, Gastón D’Angelo, Sol Ajuria, Marina Pomeraniec, Luciana Larocca.

Coordinación de producción: Mariana Toledo

Asistencia de dirección: Daniela Sitnisky

Asistencia de escenografía: Analía Morales

Asistencia de vestuario: María José Fuertes

Arreglos vocales: Diego Lozano

Puesta de sonido: Christian Lezcano, Mariano Iannello

Iluminación: Alberto Lemme

Vestuario: Mini Zuccheri

Escenografía: Marta Albertinazzi

Coreografía: Mecha Fernández

Arreglos musicales y banda sonora: Angel Mahler

Música: María Elena Walsh

Puesta en escena y dirección: Héctor Presa
Teatro San Martín, Sala CasacubertaFunciones: sábados y domingos a las 16 horas.Platea: $15.-

LAS MUJERES SABIAS, de Moliére

2008-08-25T16:23:00.008-03:00

En la obra, de 1672, Moliére retoma la crítica ya vertida en Las preciosas ridículas hacia las mujeres que se jactan en de profundidad intelectual, cuando en realidad manejan sus conocimientos como un mero barniz que les proporciona un cierto prestigio social. Las sabihondas a las que el título alude han sido seducidas por Trissotin (triplemente tonto), un falso erudito que sólo busca un matrimonio conveniente. El gran comediógrafo caricaturiza aquí, sin mayor disimulo, al abad Cotin, un académico que escribía muy mal; en Vadius, que aparece más adelante (y acerca del cual se hace una modificación importante en relación con el planteo del autor), parodia al helenista Gilles Ménage. En todos ellos ve encarnada la pedantería que tanto rebela a Moliére, quien quita el disfraz a los hipócritas en el escenario.

Entretanto, se despliegan los conflictos domésticos. Dos hermanas discuten, en la primera escena, acerca del amor. Armanda ha decidido reemplazar a Clitandro por la filosofía, por considerarla una aspiración más elevada. Rechazado, él pretende ahora a Enriqueta, la hermana, quien desea casarse con ese hombre que ha despertado en ella una gran pasión, contra la voluntad de su madre. El problema es que ésta, Filaminta, quiere por yerno a Trissotin, a quien considera hombre de grandes luces; Crisalo, su esposo, pusilánime y sometido, intentará hacerle frente, abogando por la libre elección de la joven.

En la puesta en escena de Willy Landin, abocado en los últimos años a ser régisseur de ópera, se percibe mucho esmero en el tratamiento visual. En cuanto a la escenografía, ha aprovechado los recursos que la sala le ofrecía, para crear fundamentalmente tres espacios: el salón, el jardín francés y la sala con espejos que – ha dicho el director – “remite a Versalles con su corte cuya idea no era mostrar la imagen real sino las apariencias”. El lujoso vestuario nos retrotrae a esa época (no detallaremos a sorpresivos anacronismos), al igual que el tratamiento formal entre los personajes. En lo que respecta a la música, la interpretación en vivo de violín, violoncello, piano y clave, al igual que el canto, ayudan a completar el marco barroco en el que se desarrolla la acción y nos recuerdan que, en varias oportunidades, Moliére trabajó en colaboración con Lully, con quien compusieron varias comedias-ballet, muy apreciadas por Luis XIV.

Sabemos, sin embargo, que el ritmo de una obra lo imprime, en una comedia, la acción dramática, lo cual, en este caso, parece suceder sólo en algunos momentos. El director ha hecho uso de varios procedimientos de modernización de la pieza. No sólo recortó el texto eliminando las referencias epocales que pueden resultar hoy irrelevantes, sino que incluyó fragmentos y modismos que buscan la rápida respuesta identificatoria del espectador con la actualidad. En ese sentido, los cambios resultan efectivos, al igual que la inclusión de tecnología, música y baile contemporáneos, pero al traernos al presente, al tiempo que divierten, provocan la ruptura del ilusionismo y el corte del hilo narrativo. Así, cuanto más entretiene y genera sonrisas la novedad escénica – no cabe aquí develar esos momentos – más se desdibuja la obra de Moliére, como si no se sostuviera por sí misma, pese a la muy buena labor de Graciela Araujo, Rita Terranova, Luis Campos, Pacha Rosso y Gimena Riestra y a los hallazgos de imagen y sonido.

Se produce una curiosa paradoja: el público goza la experiencia y se involucra en el juego que se propone desde el escenario. Sin embargo, no parece estar riendo tanto de la mordaz crítica que hace Moliére de los vicios burgueses de su tiempo y de todos los tiempos como de los agregados realizados para ganar cercanía y espectacularidad. Y eso da que pensar.

Clara Ibarzábal

Autor: Molière

Versión: Willy Landin

Actúan: Graciela Araujo, Hernán Boglione, Guido Bonacossa, Luis Campos, Manuel Coggiola, Amalia de Camillis, Sofía Gavito, Juan José Hair, Tony Lestingi, Matías Mancilla, José Marquez, Rocío Mercado, María Luz Morteo, Laura Mouge, Verónica Pelaccini, Gimena Riestra, Sebastián Rosso, Eugenia Stanovnik, Sebastián Suñé, Rita Terranova, Florencia Vecino

Cantantes: Joel Ramírez/Adriano D’Alchimio

Músicos: Soledad Grigera, Florencia Stabilini, César Tello, Mercedes Martínez, Daniela Schuster, Ricardo Pereyra.

Vestuario: Nidia Ponce

Escenografía: Willy Landin

Iluminación: Miguel Morales

Coreografía: Miguel Ángel Elías

Director musical: César TelloDirección: Willy Landin

TEATRO SAN MARTIN

Av. Corrientes 1530 Teléfonos: 0800-333-5254 ó 4371-0111 al 8

Web: http://www.teatrosanmartin.com.ar/

Fin de partida, de Samuel Beckett

2008-08-25T16:10:00.005-03:00

Hubo otro tiempo mejor, que se recuerda fragmentariamente, pero no un pasado que podamos reconstruir. Sabemos que afuera reina la muerte. Ahora, somos testigos y destinatarios de un juego que recomienza y parece concluir en una habitación negra, sin adorno ni belleza, con altas ventanas a las que se accede por una larga escalera. En la escena, un hombre sentado, cubierto por una sábana. Es Hamm, a quien vemos con su bata, sus anteojos blancos y un pañuelo manchado de rojo sobre la cara cuando Clov lo descubre y la partida se inicia. El hombre ciego, que no se levantará nunca, se plantea si hay miseria mayor que la suya y como Lear, como el Job bíblico, se pregunta sobre el sentido del sufrimiento. Inmóvil, sangra y pide calmantes ante un dolor que no cesa. Su compañero y siervo repite mecánicamente gestos y movimientos que forman parte de una rutina, condenado a no poder sentarse. Bufonesco, ríe y se desplaza como un muñeco; se queja ante los reiterados pedidos de su amo, pero no se decide a irse.

En un rincón, dos gigantescos tachos de basura de donde emergen la cabeza y las manos de los padres de Hamm, Nagg y Nell. Mutilados e incompletos como su hijo, reclaman una mínima atención: algo que comer, digno aseo, y es poco lo que obtienen: la guerra ha convertido a los hombres en despojo, en desperdicio, sin posibilidad de establecer contacto físico, o un vínculo amoroso. Los personajes parecen hablar únicamente de cuestiones relacionadas por las necesidades inmediatas y reiterar tópicos y frases hechas que cumplen sólo una función fática: unos y otros precisan, mal que les pese, no sentirse tan solos en medio de ese vacío y ese encierro, saber que hay alguien, aunque no escuche o amenace con partir y abandonar.

La obra, patética en su fondo, no carece de humor, y esta conjunción se produce en la puesta de Lorenzo Quinteros y Pompeyo Audivert, quienes logran que el espectador, atraído por el juego escénico, quede atrapado en la relación de extraña dependencia entre estos dos hombres que sin filosofar nos dejan pensando largamente. Apenas está alterado el texto y limpiado de ripios de traducción. Se ha procurado que se haga más cercano y contundente, siguiéndolo por lo demás al pie de la letra, conscientes del valor y la vigencia de la propuesta. El vestuario, la escenografía, el sonido y la iluminación se aúnan para enmarcar del mejor modo la labor de los actores. El trabajo de ambos refleja una cuidadísma composición. Quinteros crea un Hamm tan autoritario como caprichoso, cruel y necesitado; Audivert crea un Clov clownesco, que se desplaza con el torso retrasado y pasos mecánicos, en un trabajo corporal muy preciso, que va acompañado de una cabal comprensión del personaje, que se deja traslucir sutilmente. Max Berliner se luce especialmente con el famoso relato del sastre y Pochi Ducasse, de menor participación, refleja el desamparo de estos dos viejos que, simplemente, duran.

Unos pocos objetos en escena – además de los citados, aquellos que Clov acumula, lleva y trae ante los pedidos de Hamm – sirven para instalarnos en ese universo poético sin referencialidad directa con un espacio o un tiempo en particular. No se cuenta una historia; los personajes tienen mucho de fantoches y la palabra aparece vaciada a fuerza de reiteraciones. El autor observa y apunta, nos intranquiliza, nos despierta del letargo. Estos cuatro seres están representando nada menos que la condición humana y remiten continuamente a su propia conciencia de que eso es teatro, dejando entrever el artificio. Beckett rompe las convenciones escénicas para construir un teatro nuevo, que deja los cuestionamientos abiertos. Nos lleva al desierto y allí nos deja para que busquemos nosotros una respuesta.

Clara Ibarzábal

Autor: Samuel Beckett
Actúan: Pompeyo Audivert, Max Berliner, Pochi Ducasse, Lorenzo Quinteros
Vestuario: Marta Albertinazzi
Escenografía: Ariel Vaccaro
Iluminación: Leandra Rodríguez
Música: Rick AnnaFotografía: Michel Marcu
Asistencia de dirección: Marta Davico, Mónica Goizueta
Producción ejecutiva: Marta Davico, Mónica Goizueta
Dirección: Pompeyo Audivert, Lorenzo Quinteros

CENTRO CULTURAL DE LA COOPERACIÓN

Corrientes 1543
Teléfono: 5077-8077
Web: http://www.centrocultural.coop
Entrada: $ 25,00 - Domingo y Lunes - 20:00 hs

Disfrutar del juego

2008-08-25T16:00:00.005-03:00

De la mano de Aníbal Pachano llega al Velma Café Dominó… en Cabaret, un show que invita al espectador a realizar un viaje musical por distintos puntos del planeta. Un music hall que maravilla a todas las generaciones. Es el marco del espectáculo que se estrenó en el 2007 para celebrar los 25 años de la creación del mítico grupo Botton Tap.

A modo del juego de mesa Dominó, se conecta cuadro a cuadro como lo hacen las piezas numeradas del entretenimiento. En el primer acto los cuadros reciben el nombre de China (lugar de origen del Dominó), Oriente, Hindú, Afganas, Can Can Folie y Diamond, entre otros. Se destaca el cuadro Over the Rainbow, en la versión de Israel Kamakawiwo‘ole (fue un popular cantante hawaiano conocido como IZ, quienes quieran escuchar el tema pueden hacerlo en: www.youtube.com/watch?v=Pe5p1BXNCQM&feature=related). La escena se monta en un mágico bosque que recuerda a las hadas de Sueño de una noche de Verano; aladas, coronadas con flores, con delicados y alegres movimientos junto a la infaltable presencia del centauro. Hecho con un mágico realismo que encanta a los espectadores y los transporta a un mundo de ensueño.

En el segundo acto los artistas deslumbran con Cambalache, Paquito da Rivera, Ojos Negros, Libertando, La vida es bella y La Comparsita, en donde se destaca Sofía Pachano junto a su padre. Ambos logran emocionar al público.

Como no podía se de otro modo, casi al final llega el monólogo de Pachano, ácido y enfocado en la realidad del país. Dice lo que muchos comparten con aplausos desde la platea. El personaje que construyó para la obra cuenta con características femeninas; se presenta con pestañas postizas, tacos y lentejuelas, similar al estilo que presentó en Smoke; con perfecta postura y elegantes gestos. Un hombre que puede hacer muchas cosas sin perder el buen gusto.

Para destacar: la participación de Ivanna Rossi como artista invitada, una de las pocas bailarinas que puede bailar, cantar y conectarse con el público desde que pone un pié en el escenario.

En general vale mencionar el trabajo coreográfico de Alejandro Lavallén; el diseño de vestuario que sorprende en forma constante: pasa de sombrillas chinas a galeras y de alas de hadas a faldas acampanadas en un instante. Un gran trabajo que es acompañado por una estratégica tarea de iluminación.

Dominó es un music hall imperdible que recrea el clima del tradicional Cabaret. La estética y la excelencia son dos notas que enmarcan el espectáculo de principio a fin en la cartelera porteña.

Georgina Falbo

Con: Aníbal Pachano, Alejandro Lavallén, Sofía Pachano & Cía.
Artista Invitada: Ivanna Rossi
Vestuario: Mabel Rodríguez - Patricia Fiaño - Aníbal Pachano

Coreografía: Alejandro Lavallén

Prensa: Daniel Falcone

Director Musical: Gaby Goldman

Dirección General: Aníbal Pachano
Velma Café, Gorriti 5520, Palermo Hollywood

Funciones: Viernes 20.30 hs, Sábados 00.15 hs, Domingos 20.00 hs.Localidades desde $50

Érase una vez en un lugar muy cercano

2008-08-05T13:56:00.004-03:00

The Pillowman: El hombre almohada es una propuesta del circuito teatral comercial que –de seguro- atraerá a varios espectadores por la presencia de Pablo Echarri, consagrado actor televisivo. Como los cuerpos de los niños que son mencionados en la obra, el cuerpo del actor será aniquilado, pero no de las múltiples maneras brutales que se describen en la puesta, sino a través de las significaciones asociadas a su imagen. Interpreta a Katurian Katurian Katurian, un escritor de escaso reconocimiento que escribe cuentos en donde los niños suelen terminar asesinados de las maneras más terribles. El comienzo de la obra lo muestra indefenso, con los ojos vendados en un despacho policial de un país indeterminado que atraviesa una dictadura militar. Luego nos enteraremos que estuvo espiando los papeles que lo han llevado hasta esas circunstancias, que parecen ser un reflejo del horror político en un horror familiar, siniestro en la acepción más canónica del término.

Pillowman opera durante su larga extensión de esa manera: propone un horizonte de expectativas sobre el devenir de la obra que es interrumpido por algún detalle que nos revela una nueva dimensión del horror. Como en un film de David Lynch, cada premisa es puesta en tensión y su resolución implica profundizar la atención sobre una mente en estado de trauma.

El primer hecho traumático de la obra es la alteración de la vida del escritor y la de su hermano deficiente mental (notable actuación de Carlos Belloso). La miserable cotidianidad de ambos es amenazada por una serie de asesinatos a niños que imitan las tramas de los cuentos de Katurian. La primera parte es un abordaje más fáctico sobre estos hechos, con una minuciosa –y a la vez perversa- investigación de dos detectives que revelan la parte más autoritaria del contexto represor. Luego del intervalo (que suspende la tensión acumulada hasta entonces) un video reproduce el cuento más admirado por el hermano de Katurian, para dar paso al segundo acto, mucho más “introspectivo” (y tal vez por eso más aterrador) que el anterior.

Pablo Echarri cumple en un rol complejo, si bien algunos pasajes narrados tienen altibajos. Más que su voz, es su cuerpo –encorvado, tosco- el que le da una dimensión mayor a su composición. La dirección de Enrique Federman supo conducir con oficio a los cuatro actores principales (no hay que olvidar a Vando Villamil y Carlos Santamaría) y la escenografía a cargo de Alberto Negrín reproduce el ambiente hostil que se corresponde con la propuesta general.

La obra puede verse como un reverso de la infancia idealizada, un mapa del horror que deja huella en el espectador por acumulación y fascinación sobre el acto de narrar. El espectador comparte la ansiedad del hermano de Katurian al mismo tiempo que sus admiradas pesadillas -presentadas mediante ficciones- se reproducen en la realidad. Son esos relatos los que rescatan a Katurian de su vida trivial mientras las huellas del horror se apropian de su cuerpo, como el final trunco de una posible ficción en donde el adulto -por una vez- no puede ser victimario. Pillowman reflexiona sobre el acto de narrar, la manera en la que una vida se perpetúa en la Historia a través del arte, por más despiadado que éste sea.

Ezequiel Obregón

Dramaturgia: Martin Mc Donagh
Actuaciones: Carlos Belloso, Pablo Echarri, Carlos Santamaria, Vando Villamil
Dirección: Enrique Federman

Teatro LOLA MEMBRIVES
Av. Corrientes 1280 - Capital Federal
Teléfonos: 4381-0076
Entradas desde: $ 30,00 - Domingo - 19:00 hs
Entradas desde: $ 30,00 - Miércoles y Jueves - 20:30 hs
Entradas desde: $ 30,00 - Viernes y Sábado - 21:00 hs

Rodando: Elogio del movimiento

2008-08-05T13:55:00.005-03:00

La obra de Alejandro Acobino y Germán Rodríguez (también actor) se repuso en la sala No Avestruz y podrá verse hasta el lunes 25 de agosto.

Rodando transcurre entre ruedas: el único personaje nos relata imágenes de un guión cinematográfico con absoluto tecnicismo, los personajes de este guión transitan una ruta y uno de ellos “rueda” una película independiente. Sus voces son reproducidas por este misterioso hombre de porte aristocrático, y se suceden con la misma rapidez y sagacidad con la que marcha su silla de ruedas.

La descripción detallada de los procedimientos técnicos cinematográficos (mayormente en tono de parodia) potencian la presencia del actor, distancian el dispositivo del cuerpo mediatizado (el de los actores / personajes del film) del cuerpo en presencia del misterioso hombre, por eso su valor convival resulta magnificado. En ese sentido, Germán Rodríguez sabe imprimirle a cada gesto, cada movimiento, una potencia implacable que alcanza los mejores momentos en los pasajes humorísticos que recorren la pieza.

Es pertinente remarcar cómo Rodando desorienta al espectador, para luego obligarlo a entrar en una lógica que –como el cine- es pura manipulación del tiempo y el espacio. Tarea oximorónica si tenemos en cuenta que esta lógica está enunciada por un paralítico. De allí los distintos niveles de sentido que el espectador le puede asignar a toda la acción: ¿Se trata de un cineasta frustrado? ¿Es la objetivación de la mente de un personaje? ¿Es un narrador omnisciente que se ha “enamorado” de la técnica que describe? En esa desorientación en la que se inscribe la mirada del espectador Rodando adquiere su mayor singularidad.

La sólida labor de Germán Rodríguez está complementada por un eficaz dispositivo de luces que enfatiza, acompaña, y enriquece su relato. El final es sorprendente y a la vez coherente, responde a la temática de la obra y no rodará inadvertido.

Ezequiel Obregón

Dramaturgia: Alejandro Acobino, Germán Rodríguez - Actor: Germán Rodríguez - Diseño de luces: Sergio Cuchiara - Asistencia artística: José Mehrez - Prensa: Carolina Alfonso - Dirección: Alejandro Acobino

NOAVESTRUZ - Humboldt 1857 - Capital Federal - Teléfonos: 4777-6956 - Entrada: $ 20,00 - Lunes - 21:00 hs

EnSinapsis te invita al teatro

2008-08-05T13:36:00.004-03:00

Hola amigos lectores, en esta oportunidad EnSinapsis los invita a ver Teatro para pájaros y La noche canta sus canciones, dos notables espectáculos dirigidos por Daniel Veronese.

Teatro para pájaros: "Tres parejas del ambiente teatral. Teatro dentro del teatro, como un juego de cajas chinas". La obra puede verse los viernes y sábados a las 21:00 en Fuga Cabrera: Cabrera 4871, timbre C.

La noche canta sus canciones: "Él no quiere salir, ella no puede confinarse a quedarse en el apartamento que comparte con él y su bebe recién nacido. Él es un escritor fracasado, ella una empleada de licencia por maternidad, que encuentra cada vez más difícil cómo justificar su relación con él." La dramaturgia es de Jon Fosse, y la obra puede verse en el mismo teatro los viernes y sábados a las 23:00.

¿Cómo obtener un par de entradas? Muy sencillo: escribir a ensinapsisblog@gmail.com dejando nombre, apellido, últimos tres números del DNI y un teléfono.

Hasta que me llames, de Ana María Bovo

2008-08-05T13:18:00.004-03:00

Por escenografía, sólo dos sillas en el centro, y en un rincón, casi invisible, el teléfono al que alude el título. Desde donde estemos ubicados – por algo se nos pide que no movamos los asientos - podremos ser testigos de este triple relato a dos voces, hechos cuerpo en Araceli Hildebrand y Edgardo Dib. Ella lleva un vestido beige sedoso, sugerente y sencillo; él, una camisa clara, de textura áspera y un pantalón al tono. En boca de ellos, la historia de Penélope, que aguarda el retorno de Ulises, se vuelve un viejo cuento entrañable, no ya la historia lejana del héroe griego que regresa después de largos años de guerra, sino la de una fidelidad eterna y segura. En las voces y los cuerpos de los intérpretes, el relato épico – del que Bovo rescata los episodios salientes y las más aladas palabras – está vivo para quien lo ha leído y para quien lo escucha por primera vez.

Lo mismo sucede con la historia de Leocadia, la mujer que se angustia y resucita al son de los boleros en La flor de mi secreto de Almodóvar. Las palabras siguen siendo imágenes que se escuchan; conservan la potencia y la belleza de la película; no hace falta haberla visto para disfrutar intensamente los momentos en que se la recrea en los movimientos, en los tonos, en la alternancia de las réplicas de los distintos personajes que atraviesan a los actores. La tercera historia que se entrelaza tiene algo en común con las anteriores: la espera amorosa, que aquí funciona como marco. La autora narra aquí otro viaje, a la infancia y, años después, al pueblo, con toda la emoción que esto significa tras un largo camino vital en el que no han faltado profundas heridas, que sentimos como propias.

Tanto la autora como el director han tenido la virtud de confiar en la potencia evocadora de la palabra, en la magia del decir que crea mundos. Con los matices de la voz y los pequeños gestos y los necesarios desplazamientos en el espacio, sumados a algunos apuntes musicales y al sutil juego de luces, nos sumergimos en los universos de estos personajes, en apariencia disímiles y en verdad, tan cercanos. El espectáculo, que parte de una obra de fina factura, apela a la más genuina y pura sensibilidad de quien lo ve y lo escucha, produciéndole un gran placer, que se presiente ancestral: el que surge cuando se disfruta de una buena historia, desde siempre.

La figura armónica de Araceli Haberland y su dulce y expresiva dicción se unen al trabajo de Edgardo Dib, quien encarna con gracia y soltura, alternativamente, a los distintos personajes en los tres relatos que aquí se entrecruzan y espejan, sencillamente, para que gocemos emocionados.

Clara Ibarzábal

Ficha técnico artística: Autora: Ana María Bovo / Dramaturgia: Stella Brandolín, Edgardo Dib, Araceli Haberland / Actuan: Edgardo Dib, Araceli Haberland / Diseño de luces: Leandra Rodríguez / Realización de vestuario: Jorge Maselli / Edición de sonido: Martin Lavini
Banda de sonido: Edgardo Dib / Fotografía: Guillermo Kexel / Diseño gráfico: Victoria Santkovsky / Prensa: Luciana Zylberberg / Arreglos musicales: Gaby Goldman / Producción ejecutiva: Marta Montero / Puesta en escena: Edgardo Dib / Dirección de actores: Stella Brandolín, Edgardo Dib / Dirección general: Edgardo Dib

LA CARBONERA
Balcarce 998 - Capital Federal
Teléfonos: 4362-2651
Entrada: $ 20,00 y $ 15,00 - Viernes - 21:00 hs

Para los más chiquitos

2008-08-05T12:51:00.005-03:00

Clownies enruedados es la primera puesta teatral de un grupo de animadores de fiestas infantiles compuesto por Marina Apat, Federico Buso, Karina Hepner y Esteban Rozenszain.

En esta oportunidad, además del debut, presentan su nuevo disco con el mismo nombre del espectáculo. Incluye la canción de las manos y la del 100 pies.

El escenario sólo cuenta con la presencia de un auto rojo realizado en tela y un atril que va indicando los momentos de la obra. Luego irá cobrando vida con la presencia de los clownies vestidos de verde, violeta y negro; acompañados por sus coloridas mascotas: Leoncio, Rana Clara y Ruperto, Serpentina y Zoquete. Todos juntos emprenden un recorrido enruedado que los conducirá hasta el fin de la obra.

Clownies Enruedados es ideal para niños de uno a 7 años, para verlo junto a los padres y con amigos.

El lugar -por ser un café- está diagramado con mesas y sillas. Allí encontrarán la carta y 3 combos infantiles que no ofrecen lo que cuestan. Lo mejor es buscar otro lugar para merendar.

Georgina Falbo

Velma Café - Gorriti 5520
Vacaciones: Del 26 de Julio al 10 de Agosto, todos los días 15hs.
Precio de las localidades: $20.

Idea: Luz Pearson / Dramaturgia: Gustavo Monje / Adaptación: Gustavo Monje
Actuan: Marina Apat, Federico Buso, Karina Hepner, Esteban Rozenszain
Escenografía: Dina Stasta / Iluminación: Magali Acha / Maquillaje: Mariela Chimales / Diseño de vestuario: Roxana Niedzwiecky / Diseño de arte: Java Solari Parravicini / Fotografía: Ana Luz Sanz / Utilero: Jose Gauto / Asistencia de dirección: Angie Rozas / Prensa: Walter Duche, Alejandro Zárate / Arreglos musicales: Yair Hilal / Producción ejecutiva: Marina Apat, Karina Hepner / Coreografía: Gustavo Monje / Dirección musical: Sergio Di Croce / Dirección artística: Gustavo Monje

Las noches de WKW

2008-06-30T18:29:00.008-03:00

My blueberry nights es la primera película de Wong Kar Wai rodada en idioma inglés, en Estados Unidos, financiada con capitales franceses y chinos. Es, al mismo tiempo, una suerte de coronación final de un cineasta con pasaporte a los principales festivales de cine y laureles de la crítica y un público que –desde la anterior 2046- comenzó a ver en su cine algunos elementos de estilo transitados más felizmente en sus grandes obras: Con ánimo de amar o Happy Together.

Sea como sea, My blueberry nights es una película con luz propia, en la cual muchas ideas siguen funcionando. La película es una road movie, aquí el tránsito cobra una preponderancia mayor. La historia se inicia con el encuentro del dueño de un bar decadente con una joven melancólica. El diálogo se detiene en las llaves que varios amantes han olvidado en el bar: huellas de vidas erráticas que váyase a saber por dónde vagan. En esos primeros encuentros, Elizabeth (la cantante Norah Jones, muy bien en su primera interpretación) saborea unos pasteles de arándanos que -según el personaje de Jude Law- “nadie se anima a probar”.

En ese primer encuentro, WKW pone sobre la mesa todos los componentes estéticos que acompañarán el devenir amoroso de la pareja. La “desprolijidad” del bar y el modo en el que la puesta captura la fugacidad de los encuentros (en donde nuevamente el director hace uso del ralenti) acentúan lo efímero de las relaciones afectivas en las grandes ciudades, metaforizadas también en los omnipresentes trenes que irrumpen en el relato anulando el punto de equilibrio de cada secuencia.

Elizabeth vagará un tanto por otras ciudades trabajando como mesera, en un intento por encontrarse a sí misma. Aparecerán distintos modelos de mujeres que parecen ser espejos deformados de ella misma y –al final del viaje- retornará a Nueva York, ¿siendo la misma persona? En ese tránsito, de mujeres que van y vienen sin aparente rumbo, WKW vuelve a reflexionar sobre la condición del cuerpo en nuestra modernidad, sobre la distancia de los amantes, y la melancolía vista como un punto de fuga. Es como si el amante idealizado fuera la feliz respuesta hacia la repulsión de lo concreto: el eterno movimiento que distancia a la pareja, como ya era visible en su ópera prima As tears go by.

Pese a transitar motivos mejor elaborados en obras anteriores, My blueberry nights es una película subyugante, que nos encanta tanto como los pasteles que saborea Elizabeth en sus momentos más íntimos.

Ezequiel Obregón
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El sabor de la noche: My Blueberry Nights (My Blueberry Nights, Hong Kong, China, Francia/2007). Dirección: Wong Kar-wai. Con Norah Jones, Jude Law, Natalie Portman, David Strathairn y Rachel Weisz. Guión: Wong Kar-wai y Lawrence Block. Fotografía: Darius Khondji. Música: Ry Cooder. Edición y diseño de producción: William Chang. Distribuidora: Distribution Company. Duración: 93 minutos. Apta para mayores de 13 años.

Alegría, de la compañía Cirque du Soleil

2008-06-30T18:28:00.007-03:00

Alegría es el espectáculo con el que la compañía canadiense Cirque du Soleil celebró sus diez años, allá por 1994. Lejos de parecer un espectáculo anacrónico, Alegría se impone al público con encanto por reafirmar la preexistencia de lo artístico por sobre lo comercial, la originalidad por sobre lo ya transitado, lo sorprendente por sobre lo trivial.

Se trata de un espectáculo de alto impacto que convoca a 60 artistas de distintas nacionalidades. La proeza de Franco Dragone (responsable de la puesta en escena) fue haber conseguido un lugar para el lucimiento de cada uno de ellos, en este espectáculo en el que las artes circenses se lucen especialmente en todo lo referido a lo aéreo. No menos importante resulta el acompañamiento hacia la pista a través de las múltiples figuras que remiten al imaginario de la Commedia dell arte, desde un maestro de ceremonias jorobado, hasta esa brillante intérprete vestida de blanco que aggiorna los números con una destreza vocal soberbia.

El barroquismo de la puesta resalta la versatilidad de cada intérprete. Lo gestual no sólo está puesto en la auto-celebración materializada en cómo se ensamblan los números, también es remarcado por los propios artistas a través de un vestuario fastuoso que supo hacer del cuerpo una verdadera celebración. Así, el número de contorsión es sencillamente sorprendente, llegado al punto en el que es imposible saber qué estamos viendo. También se destaca el número del hombre volador, las barras rusas, la danza del fuego y –hacia el final- el número de trapecio.

El espíritu callejero es exaltado en los carromatos que irrumpen en escena, en la velocidad con la que los artistas ingresan al centro del escenario. La banda sonora es funcional a esta concepción de la puesta, y es –al mismo tiempo- un soporte ideal para la delicada voz de la dama blanca, omnipresente durante todo el show.

Vale la pena destacar la presencia de los clowns, quienes parodian los números presentados en Alegría. El número originariamente concebido para el clown Slava (presentado recientemente en el teatro Opera) es una síntesis de cómo el hombre es perecedero ante el espíritu de humanidad que sí persiste en el tiempo. La idea de un cuerpo frágil, movilizado por el peso del viento helado que se abre paso en el vacío es –tal vez- una bella metáfora de la armonía del cuerpo como complemento de las fuerzas naturales. Hecho que cobra vigor en cada artista de esta magnífica compañía.

Ezequiel Obregón

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Alegría. Del Cirque du Soleil. Guía y fundador: Guy Laliberté. Puesta en escena: Franco Dragone. Director de creación: Gilles Ste-Croix. Coreografía: Debra Brown. Escenografía: Michel Crete. Dirección musical: René Dupéré. Vestuario: Dominique Lemieux. Luces: Luc Lafortune. Sonido: Guy Derochers. Directora artística general: Sylvie Galarneau. Elenco: Maui Sumeo, Karl Sanft, Sergey Kritsyne, Evgueni Ivanov, Ilya Baranov, Tamir Erdenesaikhan, Kasper Falkesgard, y elenco. Duración: 120 minutos, con un intervalo de 30.

No todo es lo que parece

2008-06-30T18:24:00.002-03:00

Parece ser que me fui es una obra que propone tener una experiencia teatral diferente, ideal para los que buscan encontrar la sintonía que une el silencio, los gestos y las palabras.

De la mano de la estética del clown la directora Raquel Sokolowicz nos introduce en un espectáculo poético y entrañable, interpretado por Marina Barbera, quien nos permite conocer a Marta: un personaje para descubrir y descubrirnos a lo largo de la obra. Una persona que juega con la poesía y la idea de vacío para dar a conocer su mundo.

La obra se desarrolla en un espacio despojado de elementos. Sólo hay un cuadrado marcado con cinta blanca, un palo y un banquito; pero se va completando con las imágenes que el público genere en su mente al transcurrir el viaje al que nos invita Marta.

La música original fue compuesta por Agustín Flores Muñoz y el diseño de luces es de Ricardo Sica. El trabajo de ambos enmarca y acompaña la intensidad de los estados que transita la protagonista. El programa de mano tradicional fue reemplazado por un señalador con fotos de Marta en movimiento. Se trata de una buena manera de conservar un recuerdo de la obra en algún libro acorde a la situación.

El espectáculo fue estrenado en el Festival Internacional de Payasas de Andorra y participó en el Festival Internacional de Clown de Madrid, el 9° Festival Estival de la Patagonia, 3er. Festival Patacómico del Bolsón, Festival de Otoño en el Corredor Mesopotámico y en Noches Merlinas (San Luis). Realizó, además, presentaciones en Barcelona, Bilbao y Valencia. Fue seleccionada para participar de Clownstro 2008, Chile.

Para cerrar, unas palabras de la autora sobre la obra:

“Por una hendija -nadie sabe si en la pared o en su cabeza- se filtra el mundo de la protagonista de esta historia.

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Si hubiera una ventana Marta la abriría y espiaría. Si hubiera un precipicio, intentaría volar.
Viajaría sin hoja de ruta... ¿le daría miedo? Tal vez si, pero lo haría igual.

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Nada de esto hay y sin embargo, todo sucede. "

Georgina Falbo

FICHA TÉCNICA: Marina Barbera es Marta - Música Original: Agustín Flores Muñoz - Diseño de iluminación: Ricardo Sica - Fotografía: Jorge Crowe - Diseño gráfico: Andrés Kyle - roducción Ejecutiva: Rebeca Checa - Asistencia de dirección: Mariano Mandetta - Dirección: Raquel Sokolowicz / Funciones: sábados 21 hs., No Avestruz – Humboldt 1857. Reservas: 4777-6956. Entrada: 15 pesos.

Tres hermanas, de Antón Chéjov

2008-06-30T18:17:00.001-03:00

Armando Discépolo la dirigió en 1962; en 1987 en la Sala Casacuberta, Inda Ledesma la puso en escena con un elenco integrado, entre otros, por Juana Hidalgo, María Cristina Laurenz, Ingrid Pelicori e Iván Moschner, que participa nuevamente en el elenco de la pieza, en esta nueva versión que podemos ver en el Teatro Regio. Luciano Suardi, el director, ha transitado en profundidad Tres hermanas, dado que interpretó durante tres años el personaje de Masha en la formidable adaptación que hiciera de Daniel Veronese: “Un hombre que se ahoga”. Ahora, Suardi optó por volver a la traducción de Gerardo Fernández, limpiando apenas el texto de referencias epocales anacrónicas.

Como se sabe, Chéjov presenta la historia de tres hermanas muy diferentes entre sí - Olga, Masha y la joven Irina - quienes ven el regreso a Moscú la utopía de la felicidad que no saben obtener , atenidas a una educación que no las ha preparado para luchar por ella, sino a esperar vanamente una salvación que no se produce. La llegada del ejército las despierta de la adormecedora rutina pueblerina y reaviva la posibilidad de cambio.
Entretanto, mientras su hermano Andrei dilapida el de la familia y su esposa Natasha va imponiéndose como dueña y señora de la casa, el tiempo transcurre irremediablemente, desgastando la ilusión de trabajar y de amar de estas mujeres.

Escena tras escena, se patentiza entre los personajes – es una experiencia que todos vivimos - la incapacidad para comunicarse y escuchar la voz del otro en un intercambio verdaderamente dialógico y transformador. Sin grandiolocuencia, más allá de algún parlamento del doctor o de Vershinin, las situaciones se desarrollan en un clima que, en tanto desnudan la cotidiana tragedia de los hombres y mujeres que viven frente a nosotros, dejan asomar el humor, pues se expone lo ridículo de conductas humanas eternas.

El director tuvo en cuenta, con buen criterio, las referencias al canto que Chéjov incorporó en las acotaciones; Carmen Baliero, en un trabajo muy sutil, hace surgir esa música de los propios actores, lo al igual que la danza aligera la pieza de la pesada dramaticidad que el autor deploraba. En el mismo sentido, se procuró que tanto el vestuario como la escenografía de Oria Puppo (una larga mesa multifuncinal, unas pocas sillas, un panel que produce en determinados momentos un acertado achicamiento del espacio, entre otros elementos) remitieran a la Rusia de comienzos de siglo de un modo impresionista, evitando el detallismo recargado, lo cual ayuda a una visión de conjunto que no se distrae con apuntes superfluos.

Queda, simplemente, lo imprescindible para ubicarnos y captar la esencia de ese mundo y los personajes que lo pueblan. Por un lado las mujeres: la maternal Olga, a la vez generosa y dura; la expresiva e insatisfecha Masha, apasionada por Vershinin, la entusiasta Irina, que progresivamente se ensombrece, quienes ven que su casa va siendo tomada por su exasperante cuñada, ante lo que no ofrecen mayor resistencia; la fiel Anfisa. Por otro, los hombres: el indolente de Andrei, el ingenuo y engañado Kulíguin que interpreta Moshner, el inefable doctor Chebutin (excelente trabajo de Alberto Segado), que no trabaja ni quiere hacerlo, el caballeroso Túsembach, el extraño capitán Sóliony (muy bien Germán Rodríguez), y Vershinin, que se ilusiona con sus propios discursos, representado aquí con interesantes matices por Daniel Fanego. Más allá de cualquier posible adjetivación, se presentan como seres insondables, tal como los pinta el autor, quien no se ha propuesto dar respuestas, sino mostrar la vida, en su simple complejidad.

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Con piedad, no exenta de crítica a una burguesía decadente que se hunde en la chatura y la inacción, Chéjov. apunta a esta enfermedad de todas las épocas, tan reconocible: la de dejar transcurrir la vida poniéndonos excusas para viajar al “Moscú” que anhelamos, o para decidirnos a ser dichosos sin necesidad de llegar allí.

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Clara Ibarzábal

Autor: Antón Chéjov
Traducción: Gerardo Fernández
Versión: Luciano Suardi
Actuan: Guillermo Arengo, Gustavo Böhm, Osvaldo Bonet, Andrea Chinetti, Carolina Fal, Daniel Fanego, Stella Galazzi, Francisco Garcia Faure, Lucas Lagré, Ulises Levanavicius, Ivan Moschner, Alejandro Ojeda, Marta Pomponio, Nya Quesada, Tomás Raele, Germán Rodríguez, Muriel Santa Ana, Alberto Segado, Malena Solda
Vestuario: Magda Banach
Escenografía: Oria Puppo
Iluminación: Jorge Pastorino
Música: Carmen Baliero
Asistencia artística: Ignacio Rodríguez de Anca
Dirección: Luciano Suardi

TEATRO REGIO
Avda. Córdoba 6056 Capital Federal

Teléfono: 4772-3350
Entrada: $ 25,00 y $ 20,00 - domingo - 19:00 hs
Entrada: $ 15,00 - jueves - 20:30 hs
Entrada: $ 25,00 y $ 20,00 - viernes y sábado - 20:30 hs

Aguas, en el Espacio Aguirre

2008-06-30T18:11:00.004-03:00

Tras las cortinas de hule con líneas verdes y azules sobre las que se desliza agua coloreada se desarrolla Aguas. Ingresa un grupo grande de payasos; una de ellas, separada del grupo, tímida, se apoya contra la palmera.

El cuadro de la maestra (y algo más) y su diálogo con el abanderado genera el inmediato goce del público: ya entraron en la dinámica que propone esta serie de escenas vinculadas – como el nombre del espectáculo lo aclara – por el agua. Es un rasgo distintivo de los trabajos de Katz, que presencia la función y toma nota para futuros ajustes: los actores disfrutan jugando y ese deleite contagia a los espectadores de todas las edades. De hecho, muchos guiños están dirigidos a los adultos, entre los cuales se percibe la agradable sorpresa de ver que el clown se dirige con arte a los adultos.

Algunos pasajes – que conjugan humor y ternura - son más logrados que otros. Destaco, entre ellos, el breve momento de la mujer con su taza de té, la escena del bar, la percusión con botellas descartables, la lección de surf – de interesante precisión técnica - , la desopilante y crítica situación del arreglo del baño y los dos cuadros finales: excelente el trabajo del particular sodero en imágenes de gran belleza y los paraguas que aparecen alternativamente tras los paneles. Todos los objetos, ingeniosa, inteligentemente elegidos, tienen su razón de ser; nada sobra. En fin, un encuentro feliz con el teatro genuino, ése que se cimenta en la labor en el cuerpo y la gestualidad del intérprete y despliega magia con elementos cotidianos que se transforman ante los ojos admirados y llenos de gozo compartido.

Clara Ibarzábal

Autoría: Marcelo Katz Intérpretes: Elsa Agras, Marcos Arano, Lucía Baya Casal, Luciana Buschi, Cecile Caillon, Demián Candal, Maximiliano Carrizo, Gabriel Cohan, Ángeles Cravero, María Milagros Fabricio, Adriana Ferro, Piolo, Adriana García, Tomás García Querol, Sebastian Godoy, Guido Guernik, Mercedes Hernández, Lourdes Herrera, Santiago Legón, Brigida Lozzi, Gabriel Martínez, Alma Montiel, Lisandro Penelas, Javier Pomposiello, Leonardo Quiroz, Damián Ramonda, Natalia Santiago, irene sexer, Alan Stivelman, Alejandro Talarico, Rivadavia Ambientación: Analía Gaguin Diseño de vestuario: Analía Gaguin Diseño de luces: Fernando Berreta Realización de escenografia: Analía Gaguin Música: Federico Travi Diseño gráfico: Sergio Lamamy Asistencia de dirección: Nano Zyssholtz Prensa: Daniel Franco, Paula Simkin Producción: Iris Intilangelo Dirección: Marcelo Katz

Espacio Aguirre

Aguirre 1270

Teléfono: 4854-1905

Entrada: $ 15,00 - Sábado - 20:00 hs

Ficción y realidad: Automáticos

2008-05-20T21:13:00.007-03:00

Definición de automático: Dicho de un mecanismo que funciona en todo o en parte por sí solo. Palabras relacionadas: arma automática, cajero automático, contestador automático, fusil automático, piloto automático, portero automático, caja de cambios automática, etc.

Desde el inicio de la obra pensamos en todo lo que puede derivar de la palabra, a modo de adelantarnos un poco a lo que podremos encontrar sobre el escenario. Pero, ya en la sala, en la butaca correspondiente, al frente, vemos los aparatos y electrodomésticos vinculados con el tema.

Se inicia la función: poco a poco entran en escena los adolescentes que deben llevar adelante un proyecto de ciencias para ganar un premio que les dará la posibilidad de viajar a Chile. Entre idas y vueltas, en el transcurso de la obra se van abordando temas fundamentales como la familia, la personalidad, el liderazgo, la belleza, la bulimia y la anorexia, la primera relación sexual, las debilidades, las disfunciones en todas las variantes posibles, la muerte, los sueños, la música y el cine; entre otras cuestiones que se pueden despertar en cada uno de los espectadores.

El ritmo de la obra es totalmente cinematográfico, al estilo de las películas yankees para jóvenes. Desde ese estilo se crean de forma asombrosa diferentes climas, que van de la historia fresca y juvenil al terror de una noche de tormenta. Rayos rojos manifiestan el extremo problema ambiental (que narra la historia y no se encuentra muy alejado de la realidad) y le dan vida -al mejor estilo Mery Shelly- a los maniquíes que permanecían prácticamente inmóviles. Resultan destacables los momentos de terror tan bien logrados por todo el equipo, especialmente a través del sonido, la iluminación, los actores, y la dupla de directores: Javier Daulte (con otra obra en cartel que comparte la temática: “La Felicidad”) y Luciano Cáceres.

Se destaca la actuación de Pilar Gamboa en el papel de Cristina, una verborrágica y temperamental joven que capta la atención sin caer en un personaje sobreactuado.

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Como no podía ser de otro modo, al tratarse de gente de corta edad, era infaltable una coreografía al mejor ritmo de Pata Pata, que atrapa a los púberes de hoy y del ayer. Momento en el que impacta en nuestra mente la imagen y voz incomparable de la sudafricana Miriam Makeba. Los nostálgicos y los curiosos pueden pasar por: www.youtube.com/watch?v=85_9mKTg_Do&feature=related para revivir el éxito de 1966.

Automáticos es una obra que se puede ver en familia, ayuda a entender algunas actitudes de los adolescentes y también repasar esa etapa para quienes la superaron a pesar del desfasaje temporal.

Una puesta ideal para charlar largo y tendido finalizada la función. Es un placer contar con esta obra en la cartelera porteña. No se la pierda.

Todos los viernes a las 23:30hs en el Teatro del Pueblo, Av. Roque Sáez Peña 943, Teléfono: 4326-3606, entradas $20.

Georgina Falbo

Mora: Mariana Chaud

Brad Pitt: Ludovico Di Santo

Fina: Lorena Forte

Cristina: Pilar Gamboa

Carol: Tamara Kiper

Pelirroja: Leticia Mazur

Morocha: Verónica Mc Loughlin

Toni: Willi Prociuk

Omar:Ignacio Rodríguez de Anca
Asistentes de dirección: Mara Guerra - Sergio Aiello

Asistentes de producción: Héctor Bordoni - Lucas Cánepa

Escenografía y Vestuario: Luciano Cáseres- Javier Daulte

Diseño escenotécnico: Agustín Garbellotto

Realización escenográfica: Agustín Garbellotto- Héctor Bordoni

Iluminación: Mariano Rugiero
Selección musical: Javier Daulte

Coreografía: Leticia Mazur & Javier Daulte ( en base a la coreografía original de Nuria Lagarda & Javier Daulte

Dirección: Javier Daulte & Luciano Cáceres

Milonguita, los hombres te han hecho mal

2008-05-20T20:45:00.008-03:00

Arrabalera como pocas, Marcela Paoli, en su espectáculo Delikatessen Haus ofrece un recorrido de la mano del tango canción por la vida de Blanca, personaje creado por Weisbach y Linnig en 1920.

La obra es un show de tango teatral en el que Paoli se destaca y es acompañada por Gustavo Twardy en piano. Se trata de un espectáculo inspirado en el sainete escrito por Alberto Weisbach y Samuel Linnig, estrenado en la Opera de Buenos Aires en 1920. Por esa época la prostitución era ilegal y Lenning compone el tango dedicado a la Milonguita del momento, que daría su alma por vestirse de percal. Por entonces el tango Milonguita fue interpretado por primera vez por Maria Esther Pomar.

La historia cuenta que Blanca entra a trabajar en el Bar Alemán de Buenos Aires, Delikatessen Haus, como integrante de una orquesta (lugar que le sirve a Paoli para demostrar sus habilidades con el violonchelo, cantando en alemán). Pero Blanca es una mujer condenada a vivir rodeada de sus fantasmas (causados por las borracheras, los malos tratos, los brindis, el adulterio, los patoteros, la música, la sangre, el pasar hambre…) y amores perdidos, que la hacen transitar por diversos sentimientos y estados de ánimo que la llevan a lidiar con la locura y la libertad.

En ese viaje que proponen los autores el espectador se encuentra con una obra cargada de humor negro y un profundo anhelo por rescatar a las mujeres como Blanca que necesitaban recuperar su vuelo.

Entre los temas que interpreta Paoli se destacan: Pudimos ser el sol (letra de Patricia Ferro Olmedo y música de Sacri Delfino), Vamos Nina (letra de Horacio Ferrer y música de Astor Piazzolla), La pulga y La Vaselina (inolvidables en la voz de María Yánez, la Bella Dorita).

El espacio en el que se desarrolla la obra es pequeño, pero muy bien aprovechado, puesto que es utilizado cada rincón; desde el patio a espaldas del espectador hasta los rincones, escalones, y una ventada que da a la calle. Lo hacen rendir y consiguen que cada objeto estratégicamente colocado cumpla todas las funciones posibles, tal es el caso del copón de agua que junto con la iluminación causan un efecto incomparable.

No se puede pasar por alto el vestuario realizado por María Prior, de perfecto blanco con brillo y plumas al inicio y de agonizante negro con piedras en el final. Los dos cambios le dan mucha fuerza al personaje de Blanca, la enmarcan y Paoli los sabe llevar y hacerlos piel del personaje.

El espectáculo es un recorrido imperdible por una Casa de Delicadezas. Especialmente para las mujeres, que conocen de angustias y hombres que hacen mal. Y para hombres, que deseen comprender un poco más sobre su lado femenino y cómo entender y cuidar a una papusa.

Georgina Falbo

Género: Sainete / Actriz y cantante: Marcela Paoli / Idea y Dirección: Marcela Paoli / Iluminación: Darío Dukah / Piano: Gustavo Twardy / Vestuario: María Prior
Centro Cultural Caras y Caretas, Venezuela 370, San Telmo / Horario: viernes y sábados 21:30hs. / Entrada: $20

El mago a mitad de camino (amarillo)

2008-05-20T20:42:00.005-03:00

Siempre resulta atractivo encontrar en la cartelera espectáculos que retomen o se basen en clásicos de la literatura infantil (y no tanto). En el caso de El mago de Oz, existieron siempre una infinidad de versiones, por lo general en el circuito off. La versión que acaba de estrenarse en el teatro Broadway es una adaptación de Marisé Monteiro y tuvo su estreno años atrás con el protagónico de Soledad Silveyra.

Teniendo en cuenta la impronta del texto original de Frank Baum, y sobre todo el recuerdo que dejó en tantas generaciones el film de Victor Flemming (con Judy Garland inmortalizándose con su Over the rainbow), no es tarea sencilla aproximarse a este clásico. Esta versión presenta aciertos, sobre todo desde la dramaturgia de Monteiro, pero también tiene puntos que no terminan de convencer.

La puesta dirigida por la eficaz Valeria Ambrosio (Rent, Ella, entre otras) respeta el camino pautado por Baum que muestra el recorrido de Dorita (Ivanna Rossi) cuya finalidad es conocer al famoso mago y pedirle que la ayude a volver a su hogar. Trayecto en el que conoce al hombre de lata (Dan Breitman), el Espantapájaros (Diego Bros), y el león (Diego Mariani): cada uno de ellos tiene también un deseo para pedirle al poderoso mago de Oz que sea cumplido.

Entre los principales aciertos se encuentra la actuación de Rossi, quien a fuerza de una arrolladora gracia en el canto y el baile consigue la inmediata empatía con el público. Sus compañeros de viaje acompañan a la actriz sin desentonar, pero las escenas que suman a las dos brujas (la buena y la mala, interpretadas por Virginia Kaufmann y Natalia Cociuffo respectivamente) agregan caos a la puesta, que quizás se solucione a medida que avancen las funciones.

Algunas elecciones estéticas rompen el encanto de la imagen de fábula infantil construída desde lo escenográfico, como la ropa de estilo sadomaso de la bruja mala, o la incorporación del video que a veces es muy efectivo (en la recreación del tornado, por ejemplo), pero la mayoría de las veces es apenas decorativo.

La aparición del Gianola (el mago) resulta un poco decepcionante: sus 15 minutos en escena podrían haber sido más efectivos si su participación (amparada mayormente en el impacto publicitario) hubiera estado a la altura de la protagonista y las buenas ideas que recorren las coreografías, si bien algunas son un poco elementales.

No obstante, tanto la actuación de Rossi como los aspectos de puesta que apuntamos como positivos, hacen que este Mago de Oz valga la pena tenerse en cuenta.

Ezequiel Obregón

Fabián Gianola: El Mago de Oz Ivanna Rossi: Dorothy Virginia Kaufmann: La bruja buena del norte Natalia Cociuffo: La bruja mala del sur Diego Mariani: El león Diego Bross: El espantapájaros Dan Breitman: El hombre de hojalata
Dirección general: Valeria Ambrosio Libro: Marise Monteiro Música: Martín Bianchedi Producción: Carlos Troncoso

Funciones: Sábados y Domingos 17:00 Hs.

EnSinapsis te invita al teatro

2008-05-20T20:41:00.005-03:00

Hola amigos lectores, en esta oportunidad los invitamos a ver La doble muerte del Sr. Miguelets.

"Una obra de suspenso, en el marco del género policial.
Todo comienza con la muerte del Sr. Miguelets.
A partir de allí, se desplegará todo un itinerario de hipótesis y declaraciones en un
permanente cruce de testigos que se contradicen y confunden."

¿Cómo obtener un par de entradas? Escriban a ensinapsis@gmail.com, dejando número de documento, nombre y apellido, y un teléfono.

La obra puede verse los sábados a las 21:30 en el Teatro IFT, Boulonge Sur Mer 547.

Pateando prejuicios

2008-05-03T19:47:00.007-03:00

La nueva película del realizador Janar Panahi se suma a esa ya larga tradición de films del Medio Oriente que hablan de la condición de la mujer en la sociedad: Osama, Kandahar, o A las cinco de la tarde son apenas unos ejemplos representativos. Aquí el argumento es mínimo, y refiere a la intención de una joven de asistir a un clásico partido de fútbol, equiparable a nuestro River-Boca. Narrado en tiempo real, el relato sigue el trayecto de la entusiasta para intentar evadir el control del espectáculo (las mujeres no pueden acceder a ver partidos de fútbol en Irán), y lo hace marcando una cercanía absoluta con el personaje, quien a la media hora de la película ya se habrá ganado la empatía del espectador.

La cámara en mano acentúa la sensación de inestabilidad y ansiedad de la muchacha. Este hecho (en apariencias cotidiano, porque si bien Offside se enfoca sobre un solo personaje, en un momento determinado señala la recurrencia de tal peripecia) denota un estado de situación social que se extiende en toda la cultura iraní.

Por sobre todas las cosas, el mayor logro de Offside es ser una película entretenida, con pulso narrativo y una capacidad de observación cotidiana poco frecuente para el cine occidental. El manejo de la tensión se sostiene también por un apropiado uso de la banda sonora, que sabe diferenciar los silencios de la omnipresente “hinchada” en beneficio del relato. El final es –acaso- una de las mejores celebraciones vistas en el cine en el último tiempo.

Ezequiel Obregón

Offside (Irán/2006). Producción, edición y dirección: Jafar Panahi. Con Sima Mobarak-Shahi, Shayesteh Irani, Ayda Sadeqi, Golnaz Farmani, Mahnaz Zabihi. Guión: Jafar Panahi y Shadmehr Rastin. Fotografía: Rami Agami y Mahmoud Kalari. Música: Yuval Barazani y Korosh Bozorgpour. Diseño de producción: Iraj Raminfar. Distribuidora: 791cine. Proyección en DVD (pantalla gigante). Duración: 93 minutos.

Melodrama hecho con porcelana fría: Crimen y Lujuria

2008-05-03T19:43:00.003-03:00

La nueva película del prolífico Ang Lee (Sensatez y Sentimiento, El tigre y el dragón, Secreto en la montaña) luce tan lujosa como fría. En exceso programática, luego de verla sentimos la sensación de que todo estuvo en su lugar correcto: la música de carácter operístico, la sofisticada fotografía, el vestuario preciosista, el excelso diseño escenográfico. Demasiado cálculo para una película que se centra en pasiones encontradas, ambigüedades políticas, dualidades morales, y –hacia el final- una sexualidad a flor de piel.

Crimen y lujuria se basa en un cuento de una celebrada autora china ya fallecida, y narra la historia de una joven idealista (Wei Tang, un descubrimiento a tener en cuenta) que es invitada a formar parte de la resistencia china ante el avance japonés. El primer intento deviene fallido, pero gracias a éste podrá embestir su personalidad de seducción y capacidad de manipulación, la que le servirá para escalar hasta el circuito íntimo del poderoso Mr. Lee (Tony Leung), un frío y malvado funcionario colaboracionista.

Luego de esa primera aproximación al contexto histórico y a la caracterización de los personajes, el metraje se volverá excesivo, a fuerza de reiterar situaciones y prolongar el ambiguo acercamiento entre los dos protagonistas, que hubiera sido más aprovechado si la trama no se hubiera vuelto tan sobre-explicativa. Todo lo contrario ocurría en El libro negro, el film de Paul Verhoeven en donde la capacidad narrativa estaba puesta no sólo en el diseño, sino también en las contradicciones de los personajes principales.

Así, Crimen y Lujuria termina siendo un film político carente de impacto político, un melodrama a mitad de camino, que (sí, hay que decirlo) tiene algunos de los encuadres más “bellos” vistos en el cine, pero que lucen como eso: imágenes, disueltas a lo largo de una larga cinta.

Ezequiel Obregón

Crimen y lujuria (Lust, Caution/Se, Jie, Estados Unidos-China-Taiwán-Hong Kong/2007). Direccion: Ang Lee. Con Tony Leung, Wei Tang y Joan Chen. Guión: James Schamus y Hui-Ling Wang. Fotografía: Rodrigo Prieto. Música: Alexandre Desplat. Edición: Tim Squyres. Diseño de producción: Lai Pan. Distribuidora: Distribution Company. Duración: 157 minutos. Apta para mayores de 18 años.

ENTREVISTA CON JOSE LUIS GUERIN

2008-05-03T19:37:00.003-03:00

En el marco del BAFICI tuve la posibilidad de dialogar con el cineasta español José Luis Guerín, quien presentó su excepcional díptico compuesto por En la ciudad de Sylvia y Unas fotos en la ciudad de Sylvia. Compartimos opiniones sobre sus dos películas, pero también recorrimos aspectos esenciales sobre qué es el cine hoy, y cómo puede concebirse la imagen fílmica. Lo que se dice: un lujo.

“Yo necesito mucho sentirme parte de una trama. Eso me distancia, muchos cineastas jóvenes cubren o aprecian el cine desde Spielberg, Cóppola y desde allí en adelante. A mí me gusta pensar que lo que me diferencia de la televisión es que en el cine tenemos una memoria, una memoria que se inicia con los hermanos Lumiere. Sentimos la fraternidad de los cineastas: una trama con la que me siento en deuda, porque me considero un espectador muy agradecido”. Casi como un manifiesto personal, así se inicia nuestro diálogo con Guerín. Luego retomará la cuestión de la imagen primigenia, aquella que ve su nacimiento en los Lumiere, más de un siglo atrás. A través de nuestro extenso encuentro, el realizador fue esbozando un perfil de artista, un verdadero artesano del tiempo.

Sobre la cinefilia nos dijo lo siguiente: El lado más odioso de la cinefilia es el guiño fortuito, y que reconozco en muchos cineastas. Hay cineastas que filman la Gran vía de Madrid como si fuera la Quinta Avenida. Son incapaces de ver sus calles, están alienados con una acumulación de referencias y diálogos que remiten a otras películas. Es un guiño muy empobrecedor. Es importante rescatar las ideas de los cineastas, aquellos que podían pensar sus ciudades y la gente. Cuando el cine deja de servir para ver mejor las cosas y la vida, sirve para no ver. Se convierte en algo endogámico, cerrado sobre sí mismo.

Los críticos me han hecho ver que mis películas están organizadas en dos tiempos: un pasado mítico y un presente. Pero me agota pensar en lo que hago yo. El tema del cine siempre acaba en el tiempo. Lo que haces es capturar trozos de tiempo.

En una nota comentaste que tu último cine estaba embestido de cierta belleza en los rostros y los espacios, en respuesta a quienes veían en tu filmografía un cine enteramente social.

Hay una mirada sobre el cine social que me parece restrictiva: “Filmar a los pobres es social, filmar a la burguesía no”. Yo nunca me he creído esto, yo creo que lo social es mucho más complejo que filmar trapos sucios. Cuando en España se intentó hacer una emulación del neorrealismo italiano, se quedó todo en lo superficial y pintoresco. Era como que filmar las ropas tendidas en las calles populares era hacer neorrealismo. No quiero renunciar en absoluto a un cine de vocación popular, pero sí es verdad que después de cinco años de haber estado en foros de cine y derechos humanos, cine y especulación urbanística, cine y emigración, quería salir de ahí. En El la ciudad de Sylvia existe lo social también, porque la mirada no es la misma mirada que la del soñador. Se está contraponiendo constantemente la realidad social de la ciudad. Hay mujeres de distinto tipo. Hay un entorno objetivable. Si el soñador sale precipitadamente de sui mesa y una cerveza se cae, espero a ver el trabajo que produce ese accidente en la camarera que ha de limpiarla. Se trata de mirar las relaciones de causa y efecto entre las personas. Para mí eso es una mirada social. No en primera instancia como en En construcción, en donde la ciudad era una metáfora social de una transformación, y en En la ciudad de Sylvia es una evocación de la mujer ausente. Pero lo social está presente de otra manera.

Está muy presente la idea de la mujer-misterio.

Pensaba en Dante, en Petrarca, en La fugitiva de Boudelaire. Yo creo que mi generación ha tardado en aceptar la propia cultura. En mi adolescencia éramos muy despectivos con nuestra propia cultura. Idealizábamos lo de afuera. Nos sentíamos un poco humillados con lo propio, se trataba de la época de Franco.

Sobre el género cinematográfico, sostuvo: “Yo estoy muy agradecido al western, es el género de mi infancia. Mi epopeya natural es el western. Conozco mucho mejor la historia de los Estados Unidos porque me la contaron los western: la construcción del ferrocarril, la Guerra de Secesión, el conflicto entre ganaderos y agricultores. No veo esa nobleza en el cine actual norteamericano. Tampoco veo atisbo de cultura popular en el cine americano actual. Los western con los que yo me formé tenían un gusto por la cultura popular. No hay que confundir cultura popular con cine comercial, son cosas distintas”.

¿Qué nos podés decir sobre la relación entre ficción y documental?

Lo vivo como una renovación de la dramaturgia. Hay algo en la dramaturgia del cine clásico que se me antoja ya academicista. El documental viene a ayudarnos a renovar la forma de filmar personas, cuerpos, diálogos. En el documental importa ese aire nuevo de la realidad, de crear situaciones en lugar de imponerlas. Por otro lado está el deseo de control, que viene del cine de ficción. La idea de poder controlar la iluminación, el silencio...

Volviendo a En la ciudad de Sylvia, hay una elaboración muy grande sobre la noción de belleza.

En la elección del actor me ayudó mucho el equipo, que estaba formado mayormente por mujeres. Ellas me hicieron ver con mucha lucidez que hubiera sido algo demagógico hacer que tantas chicas hermosas hayan sido observadas por un muchacho feo. Estaba el registro de idealización. Hay algo de fábula medieval, del muchacho que busca a la dama en el laberinto. Estaba bien ese registro, y un personaje que se identificara con la imagen del soñador. Fue importante que las mujeres de mi equipo me señalaran que el muchacho no podía ser feo.

Debía ser importante evitar huellas que singularizaran al personaje. Con el actor trabajamos hipótesis sobre quién era él, para comenzar a hacer algo. Sin embargo teníamos que evitar que se lo identificara con una ciudad, un trabajo. El personaje se va definiendo por aquello que mira. El espectador –de manera inconsciente- está haciendo su proyección sobre quién es ese individuo. Hice una renuncia a lo psicológico, lo primordial en la película es el gesto.

¿Cómo pensás tu mirada en relación a la tradición cinematográfica?

Quienes hemos visto muchas películas corremos el riesgo de que nada nos sorprende, por eso cuando se hace una película es una operación olvidarse de todo y volver a sorprenderse por las cosas más sencillas: filmas un árbol, y piensas que sos el primero que filma un árbol. Es una ingenuidad, pero hay que preservarla. Por eso me gusta ver las películas de los Lumiere, porque ellos se sorprendían de todo. Nuestro peligro es el espectador resabiado, aquel al que nada lo sorprende, y que ha perdido la confianza en la mirada, porque los efectos especiales hacen que sea todo posible: nada sorprende.

Ezequiel Obregón

El camino hacia el duelo: El secreto del bosque

2008-05-03T19:14:00.002-03:00

La primera película de la realizadora japonesa Naomi Kawase que se estrena en Argentina es una invitación a ser espectador de un cine físico, pero al mismo tiempo introspectivo. Esto que –en apariencias- parece ser una contradicción, esconde una síntesis que seguramente tiene mucho de filosofía oriental, pero que –en verdad- alcanzará dimensión emotiva en cualquier espectador del mundo.

Una trabajadora social emprende un viaje con un anciano que vive en un geriátrico, en un estado de angustia permanente tras haber enviudado. La mujer también vive un proceso de duelo tras la pérdida de su hijo. La mirada clínica de ella será “arrebatada” por la experiencia que surge luego de que ambos se pierdan en un bosque. Al mismo tiempo, esa perdición territorial marcará un íntimo encuentro entre ambos y consigo mismos.

Kawase desarrolla una puesta en escena contemplativa. Las tomas panorámicas que muestran la acción del viento en los árboles son contrastadas con los pasos, tropezones, mínimos gestos y miradas de los dos personajes. Al tiempo que soportan las adversidades que el medio les impone, se va tejiendo entre ambos una red de complicidad, primero física y luego sentimental, ligada a las carencias con las que ambos deben vivir.

El tramo final es casi silencioso, y lleva impreso uno de los momentos más intensos del reciente cine. Con una premisa pequeña pero contundente, y una singular capacidad de observación, Kawase se ganará el aplauso del público local, quien tendrá posibilidad de ver Shara (su anterior largometraje) durante este año.

Ezequiel Obregón

El secreto del bosque (The Mourning Forest / Mogari no mori, Japón-Francia/2007). Guión y diección: Naomi Kawase. Con Machiko Ono, Shigeki Uda, Makiko Watanabe, Yoichiro Saito y Kanako Masuda. Fotografía: Hideyo Nakano. Musica: Masamichi Shigeno. Edición: Tina Baz y Yugi Oshige. Dirección de arte: Toshihiro Isomi. Distribuidora: CDI. Duración: 97 minutos. Proyección en DVD (pantalla gigante). Salas: Arteplex Centro, Arteplex Belgrano y Dúplex Caballito.

BABILONIA, de Armando Discépolo

2008-05-03T19:07:00.002-03:00

En 1925, se estrena esta obra de uno de los autores más importantes del teatro argentino, referente de muchos de nuestros dramaturgos y amado por los intérpretes, quienes disfrutan de la carnadura de sus creaturas. Babilonia fue presentada en dos oportunidades en el Teatro San Martín: en 1968, dirigida por Juan José Bertonasco con un elenco encabezado por Roberto Airaldi y en 1984, dirigida por José Bove e interpretada, entre otros, por Roberto Carnaghi, Pachi Armas y Juana Hidalgo. También trabajaban Noemí Morelli y Rodolfo Rodas, que participan de esta nueva puesta.

Esta “hora entre criados” tiene mucho de sainete. En el fresco no faltan ni la borrachita ni el criollo astuto ni la joven bonita, seductora y seducida, ni lo pintoresco de los dialectos variados. Tampoco la figura del empleado torpe que causa gracia con su sola presencia (Alcibíades) o con su picardía, como es el caso del pinche, Cacerola. Babilonia posee ya, cabe puntualizarlo, fuertes pinceladas grotescas. Aquí, la línea de acción – relacionada con el robo de una joya – es mucho menos relevante que la pintura de los personajes, inmigrantes y criollos, en esa “ensalada magnífica”, la Buenos Aires de aquellos años. Lejos de ser una pieza de relevancia puramente histórica y coyuntural, nos habla hoy de forma cercana y contundente.

Aquí, el infierno que viven los de abajo, inmersos en una Babel de incomprensión, celos y sentimientos miserables, se ve matizado por actitudes más solidarias y deseos de una mejor vida ganada a fuerza de trabajo. La violencia de las relaciones da paso a la comicidad física de efecto inmediato, la burla y la ironía ácida que hacen más digerible la oscuridad. Además, la nostalgia inevitable por la tierra que se ha dejado. Hasta la cocina llegan los ecos de la fiesta de los patrones, indiferentes a las penurias de sus empleados; los de arriba, olvidados de su humilde origen, mezquinos y soberbios: frente a ellos, los criados hacen causa común, aunque entre ellos anide la traición.

El mundo de la casa no se presenta sólo como metonimia de una época y una sociedad que no consigue amalgamarse y se extiende en un grito que atraviesa el presente. Habla también del fracaso de las ilusiones individuales, de la simulación tras la que se ocultan las verdaderas intenciones tanto como el sufrimiento más intenso, del pobre papel del artista que se frustra porque no encuentra su lugar. Lo dice de modo simple, con envidiable condensación, con la fuerza del lenguaje culinario y popular.

El Teatro de la Ribera, en La Boca aparece como un espacio natural para la representación. Sin embargo, la sala, ancha, con un escenario de gran tamaño, no condice con el hacinamiento que la didascalia inicial propone y el conflicto planteado requiere. La obra transcurre en la cocina de una casa de familia acomodada, en un sótano, en el cual los criados chocan literal y metafóricamente. Roberto Mosca, el director, opta por no reducir las dimensiones del espacio escénico y elige no amontonar a los personajes, lo cual, como contrapartida, abona a favor de la claridad en la presentación de las situaciones y la identificación de los rasgos distintivos de cada quien.

En un elenco desparejo – se reseña la segunda función, el tiempo ajusta la puesta - destacan Roberto Mosca, con un Piccione expansivo y potente, Cutuli, en la piel del inexperto mucamo suplente Alcibíades, Pepe Monje, criollo con aire gardeliano, Anabel Cherubito, graciosa y expresiva y el joven Emiliano Dionisi. Es ajustada la iluminación y la música de Luis María Serra aclimata con justeza. En cuanto al vestuario, a tono con la escenografía, nos habla del mundo gris en el que están sumergidos los personajes de abajo. No ha perdido potencia la obra de Discépolo, a quien Gambaro llamó tan certeramente “nuestro dramaturgo necesario”.

Clara Ibarzábal

Autor: Armando Discépolo / Actúan: Roberto Castro, Anabel Cherubito, María Comesaña, Cutuli, Rocco de Grazia, Ricardo Díaz Mourelle, Emiliano Dionisi, Maia Francia, Carlos Kaspar, Patricia Kraly, Pepe Monje, Noemí Morelli, Roberto Mosca, Rodolfo Rodas, María Elina Ruas / Vestuario: Renée Diviú / Escenografía: Roberto Almada / Iluminación: Miguel Morales, Roberto Mosca / Música: Luis María Serra / Dirección: Roberto Mosca

TEATRO DE LA RIBERA: Av. Pedro de Mendoza 1821. / Capital Federal - Buenos Aires - Argentina / Teléfonos: 4302-1536 Venta 4302-9042 / Entrada: $ 25,00 y $ 20,00 - domingo - 12:30 hs / Entrada: $ 15,00 - jueves - 20:00 hs / Entrada: $ 25,00 y $ 20,00 - viernes y sábado - 20:00 hs

Cantar las 40

2008-05-03T18:56:00.009-03:00

“Estas son las mañanitas que cantaba el Rey David // Hoy por ser día de tu santo te las cantamos aquí…”

Con el tradicional saludo mexicano para los cumpleaños inicia la obra Verónica (Ana María Cores), quien ingresa a la escena con una torta que tiene 10 velitas encendidas.

Impacta la situación de contraste entre festejo y agonía, debido a que el homenajeado se encuentra en un coma irreversible. La escena transcurre en un salón dorado de baile, donde su marido está conectado a infinidad de complejos aparatos médicos y ella se despacha con una larga lista de confesiones. La obra del español Roberto Lumbreras Blanco invita a pasear por diversas emociones que la protagonista va hilvanando; de la piedad al desprecio, de la dulzura a la crueldad, de la dedicación al rechazo, de la comprensión a la venganza. Todo sucede en ese cuarto de terapia intensiva montado dentro del palacio del Rengo, a quien la protagonista complace a modo de intercambio.

La realidad en que vive Verónica la lleva a encontrar diferentes maneras de sobrevivir, para lo cual hace concesiones y traiciona los ideales en los que creía en otros tiempos. Una mujer con sus encantos que trata de llevar su vida (y la de su marido) de la mejor manera posible.

La obra, un fuerte y agudo monólogo, tiene buen ritmo. Ana María Cores brilla en su papel y se la ve espléndida, uno de sus mejores momentos, bajo la dirección de Lía Jelín. El espacio donde se brinda la obra es bellísimo, la sala Luisa Vehil (Salón Dorado), que abre su cortinado con esta obra (antes se le daba otros usos: conferencias, actos y reportajes entre otros). Resulta gratificante que se pueda contar con nuevos espacios dentro de los teatros tradicionales como es el Teatro Nacional Cervantes.

Para destacar, la tarea de Alberto Bellatti a cargo de la escenografía y el vestuario, realzando el dorado del lugar al hacer acople del mismo en el mobiliario y un vestuario funcional que pone de manifiesto las características de la personalidad del rol femenino.

Una obra con preguntas y respuestas, no se la pierda.

Georgina Falbo

Canción de cuna para un marido… en coma / Adaptación y Dirección: Lía Jelín / Con: Ana María Cores / Asistencia de dirección: Silvina Rodríguez / Iluminación: Alejandro Le Roux / Diseño de escenografía y vestuario: Alberto Bellatti. / Lugar: Teatro Nacional Cervantes, Av. Córdoba 1155, Teléfono 4816 4224 / Funciones: viernes y sábados a las 19.00 horas. Domingos a las 18.30 horas. / Localidades: 20 pesos

AGUAS, de Marcelo Katz

2008-05-03T18:43:00.005-03:00

Patio del aljibe del Centro Cultural Recoleta colmado. Tras las enormes palmeras, cortinas de hule con líneas verdes y azules sobre las que se desliza agua coloreada. Ingresa un grupo grande de payasos; una de ellas, separada del grupo, tímida, se apoya contra la palmera.

El cuadro de la maestra (y algo más) y su diálogo con el abanderado genera el inmediato goce del público: ya entraron en la dinámica que propone esta serie de escenas vinculadas – como el nombre del espectáculo lo aclara – por el agua. Es un rasgo distintivo de los trabajos de Katz, que presencia la función y toma nota para futuros ajustes: los actores disfrutan jugando y ese deleite contagia a los espectadores de todas las edades. De hecho, muchos guiños están dirigidos a los adultos, entre los cuales se percibe la agradable sorpresa de ver que el clown se dirige con arte a los adultos.

Algunos pasajes – que conjugan humor y ternura - son más logrados que otros. Destaco, entre ellos, el breve momento de la mujer con su taza de té, la escena del bar, la percusión con botellas descartables, la lección de surf – de interesante precisión técnica - , la desopilante y crítica situación del arreglo del baño y los dos cuadros finales: excelente el trabajo del particular sodero en imágenes de gran belleza y los paraguas que aparecen alternativamente tras los paneles.

Todos los objetos, ingeniosa, inteligentemente elegidos, tienen su razón de ser; nada sobra. En fin, un encuentro feliz con el teatro genuino, ése que se cimenta en la labor en el cuerpo y la gestualidad del intérprete y despliega magia con elementos cotidianos que se transforman ante los ojos admirados y llenos de gozo compartido.

Clara Irbazábal.

Autoría: Marcelo Katz / Intérpretes: Elsa Agras, Marcos Arano, Lucía Baya Casal, Luciana Buschi, Cecile Caillon, Demián Candal, Maximiliano Carrizo, Gabriel Cohan, Ángeles Cravero, María Milagros Fabricio, Adriana Ferro, Anibal Flamini, Adriana García, Tomás García Querol, Sebastian Godoy, Guido Guernik, Mercedes Hernández, Lourdes Herrera, Santiago Legón, Brigida Lozzi, Gabriel Martínez, Alma Montiel, Lisandro Penelas, Javier Pomposiello, Leonardo Quiroz, Damián Ramonda, Natalia Santiago, Irene Sexer, Alan Stivelman, Alejandro Talarico, Rivadavia / Ambientación: Analía Gaguin / Diseño de vestuario: Analía Gaguin / Diseño de luces: Fernando Berreta / Realización de escenografia: Analía Gaguin / Música: Federico Travi / Diseño gráfico: Sergio Lamamy / Asistencia de dirección: Nano Zyssholtz / Prensa: Daniel Franco, Paula Simkin / Producción: Iris Intilangelo / Dirección: Marcelo Katz

El espectáculo ya finalizó su temporada este año

La voz que hace vibrar al tango

2008-05-03T18:37:00.003-03:00

Una vez más, Mariana Torres nos sorprende, esta vez con su disco “Tangos, milongas y candombes”. Se la conoce como cantante y actriz: se la puede recordar con facilidad en películas como El profesor Punk, en la tira de televisión Socorro Quinto Año (1990) y en teatro en El cuarto de huéspedes junto a Rosa Rosen. Ahora llega la etapa de la música, si bien es indiscutible que al nacer en una familia de artistas siempre estuvo presente en su vida la canción. Hoy su primer material nos puede llegar a todos en el formato de disco.

Con un registro vocal heredado de su madre, Lolita Torres, Mariana nos deleita con una selección de temas donde podemos destacar: Malena (Lucio Demare - Homero Manzi) a solas con Walter Ríos en bandoneón, Vida mía (Osvaldo Fresedo - Emilio Fresedo), Cuando tu no estás (Carlos Gardel – Marcel Lattes – Alfredo Lepera – Mario Battistella) y Candombe para Gardel (Rubén Rada), entre otros que lo harán disfrutar de un buen momento.

Como el nombre del material lo indica, nos invita a recorrer los tres géneros con claridad y precisión, dándole la intensidad necesaria a cada palabra para hacer creíble la historia que nos canta. Mariana tiene la calidez en su voz femenina que al tango le faltaba.

La artista presentará su nuevo disco el jueves 8 de mayo, 21:00 hs. en el Teatro ND Ateneo (Paraguay 918), con localidades desde $30.

TANGOS, MILONGAS Y CANDOMBES

Mariana Torres, cantante / Adrián Lachowicz, guitarra / Pablo Dente, guitarra / Walter Ríos, bandoneón / Javier Vargas, bandoneón / Eduardo Rezzano, percusión

Grabado en Buenos Aires entre 2005 y 2007 en los estudios El Pie, Mondo Mix y Quark

Producido por Gabriel Maluendez para Macaw Records

www.torresmariana.com.ar

Ensinapsis los invita al teatro

2008-05-03T18:34:00.001-03:00

Hola amigos lectores, como siempre, los invitamos a ver espectáculos notables. En este caso, se trata de la obra Diagnóstico Rotulismo, la obra de Maximiliano de la Puente con dirección del mismo autor y Carolina Zaccagnini que puede verse en la Ciudad Cultural Konex, los miércoles a las 20:30 hs.

La obra relata la historia de dos pacientes que sufren una enfermedad lingüística, de origen desconocido: el rotulismo. Ambos son atendidos por la misma profesional: una mujer muy seductora. La cura jamás tendrá lugar. Los límites entre lo personal y lo profesional se borran en esta sesión interminable.

Para obtener un par de entradas, deben escribir a ensinapsis@gmail.com, dejando su nombre, DNI, y un número telefónico.

Se presentó Alegría, del Cirque du Soleil

2008-03-31T15:23:00.003-03:00

El jueves pasado fue presentado en la Costanera Sur el espectáculo Alegría, nuevo desembarco del Cirque du Soleil tras su primera temporada en Buenos Aires dos años atrás, con Saltimbanco. El director artístico de Alegría, Michael Smith, nos concedió esta entrevista.

Hace tiempo no veía a alguien tan contento. Como si su propia alegría haya sido la promoción del espectáculo homónimo. En un bello y elegante salón de Puerto Madero nos recibió Smith, con mucho entusiasmo y ganas de hablar de Alegría.

E.S.: En Argentina vimos mucho videos de la Compañía y todo parece indicar que a partir de Saltimbanco vamos a recibirlos muy seguido. Cada espectáculo luce de manera singular, ¿qué intentaste conseguir con Alegría, y cuáles son las influencias de esta obra?

M.S.: Cada espectáculo tiene un universo diferente. Cuando empezamos a montar un espectáculo pensamos qué universo queremos crear. Con Alegría tuvimos la idea de Modernidad y Antigüedad. Pensamos en el contraste entre la luz y la oscuridad, el hombre y la mujer, pensamos en el espacio que abrió Internet y toda la información que nos brindó y que nunca tuvimos antes. Como pueden ver el espacio de la obra es como una cúpula, como una basílica de Roma. Este tipo de institución representa poder político, dinero y control. Allí se representa lo viejo. Aparecen en torno a él pajaritos viejos con máscaras y colores, todo luce antiguo. Ellos no comprenden que su tiempo ha pasado, sin embargo siguen viviendo. Al lado de ellos están los ángeles que vuelan. Son los guardianes de lo nuevo, por eso están de blanco. Los viejos no entienden nada, y siguen y siguen y siguen.... Como la vida misma.

E.S.: Este espectáculo fue creado en 1994, aún no había estallado el boom de Internet.

M.S.: Pero estaba empezando. Internet cambió muchas cosas, pero para nosotros en el 94 apenas comenzaba, y era la idea de las posibilidades que creaba. Al abrir todas estas puertas nuestra esperanza, siendo muy socialitas como compañía, reflejaron el poder del espíritu humano que debe sobrepasar el sistema político de todo el mundo. Sabemos que eso no sucedió, pero todavía tenemos la esperanza. Hay que tener esperanza. Lo más importante del espectáculo es la idea de encontrar la humanidad en cada uno. Hacia el final de Alegría están todos juntos: los viejos y los nuevos. Esto ocurre cuando el cantante canta “Alegría”. Es la esperanza que tenemos todos como humanos.

E.S.: El año pasado recibimos la presencia del Teatro del Sol. Vos definías a la compañía como socialista. ¿Qué reflexión te merece trabajar con tantos artistas, además de que pertenezcan a distintas nacionalidades?

M.S.: Para mí es un placer enorme trabajar para la Compañía. Tenemos artistas de 56 nacionalidades. En Alegría tenemos 12 nacionalidades, y soy responsable de este grupo de gente. Mi idea es que el mundo puede existir fuera de nuestra compañía. Les damos un ejemplo de la posibilidad de todas las culturas que pueden trabajar juntas, con respeto. Aceptamos que somos diferentes, pero aceptamos también que trabajamos y luchamos juntos para el espectáculo. Ojalá el mundo fuera así. En nuestro pequeño mundo podemos hacer esto, y esto puede ser una esperanza a nivel global.

E.S.: Este año recibimos también al clown Slava, que integró la compañía de ustedes. Pienso en la imagen del clown, que encarna lo cómico y lo trágico de la humanidad y la simpleza con la que lo hace. ¿Qué asociaciones hacés con el clown en relación a lo trágico, lo cómico, y su cuerpo?

M.S.: Es lo que pasa dentro de cada uno de nosotros. Cuando estamos contentos: reímos. Cuando estamos tristes: lloramos. El final del Primer Acto se llama La tempestad. Estaba creado para Slava, y para mí este número es uno de los más importantes, porque se representa la fragilidad del humano. Hay un hombre en medio de una tormenta, luchando contra la tempestad. Eso representa lo que nos sucede a todos en la vida. En algún momento nos sucede algo, y tenemos que luchar contra eso solos. Es importante para un payaso poder usar la tristeza, no todo es “ja ja ja”. Es sólo una parte del ser humano. Si no muestra ambas cosas, no es un buen payaso.

Ezequiel Obregón

Lograda puesta de Rent

2008-03-31T15:22:00.009-03:00

La semana pasada se estrenó en la Ciudad Cultural Konex una interesante versión del musical Rent. Singular por sí misma, la versión original escrita por Jonathan Larson es una adaptación de La Boheme de Giaccomo Puccini, sólo que aquí la tuberculosis fue desplazada por el HIV hacia el final del siglo XX. Este dato es significativo, dado que en 1996 –en la fecha de su estreno- el HIV aún era difícil de tratar, y este hecho arroja un halo de desesperanza que recorre el espíritu de sus bohemios personajes.

El lugar elegido para esta versión es –como apuntamos arriba- este singular espacio teatral, reciclado de una fábrica de aceite, si las fuentes no me fallan. La sala es la mayor, la “Sala A”, y la estética es absolutamente funcional a la puesta, cuyo eje se desarrolla en un departamento venido a menos del East Village apropiado por los protagonistas. Casi como una objetivación del espacio, distintos flagelos maltratan el cuerpo de los protagonistas: el SIDA, el hambre, la misma sociedad que los expulsa. El único espacio que los alberga es el del arte y la amistad. La adaptación de Masllorens y Del Pino ha sabido depurar la puesta de localismos y aspectos lingüísticos propios de esta comunidad, “joven, urbana, norteamericana, y ¿alternativa?”, no obstante, conserva la espontaneidad y revulsión de las canciones, prácticamente omnipresentes en toda la obra.
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Rent comienza en el departamento, presentado a Mark, quien ya muestra su pasatiempo de filmar todo lo que ocurre. Este hecho imparte un índice de lectura de la obra, que registra las relaciones de estos jóvenes durante un año de sus vidas. Pero Rent rechaza todo gesto documentalista para anclarse en el proceso vivencial del grupo, integrado también por Roger, enfermo de SIDA, quien lamenta la muerte de su novia; Maureen (ex de Mark), actualmente con Joanne; y Angel, una travesti con quien Collins inicia una relación amorosa.
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La obra hace de las relaciones de estos jóvenes el eje central. La flexibilidad con la que entienden los vínculos humanos es expuesta no sólo como modo de vida (sexual, social, hasta filosófico), sino también como contrapunto de los males que los invaden. Así, esta suerte de mirada contracultural irá esbozando un reflejo del mundo capitalista y tecnologizado de fin de milenio, en el corazón del mundo occidental mismo. El personaje de Benny parece ser el que homologa la mirada negativa del grupo, por haber sido quien se fue con una chica rica, y por ser el dueño del departamento donde viven y que ahora reclama para llevar a cabo una construcción.

Desde luego que estas singularidades de Rent debían tener su correlato en la danza y el canto. En ese sentido, la coreografía de Gustavo Carrizo conduce a este grupo de jóvenes de manera original, con un especial lucimiento de las intérpretes. La puesta de Valeria Ambrosio utiliza el espacio de manera eficaz, uniendo y dibujando casa espacio escénico con fluidez. Sin lugar a dudas la iluminación fue una gran herramienta empleada. Con mínimos recursos, la luz consigue realzar las situaciones transitadas que van de las más festivas a las más dramáticas.

En cuanto al desempeño actoral, el elenco muestra una bienvenida consistencia. El nivel de canto es muy bueno, realzado por la impecable banda sonora dirigida por Gabriel Goldman. El director de actores James Murray supo detectar las zonas de cada personaje que merecían ser destacadas. En el elenco se destacan Andrés Bagg (Mark), Florencia Otero (Mimi), Pablo Sultani (Tom), y Angel Hernández (Angel). Germán Tripel (Roger) aún luce fuera de sintonía con el grupo. Su perfil introspectivo parece más un condicionamiento que una marcación.

Rent merece ser una propuesta tenida en cuenta. De los números musicales serán especialmente disfrutados ¿No prendes mi vela?, Hoy es por vos, El tango Maureen, y La vie Boheme. La mayor síntesis de talento en todos los instrumentos de lenguaje teatral son –curiosamente- aquellos en los que la cantidad de actores es más reducida. El final guarda un momento especialmente conmovedor, que le da un giro a la obra y será recordado como unos de los que más teatralidad despliega en esta -aún joven- temporada.
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Ezequiel Obregón

Libro: Jonathan Larson
Adaptación: Marcelo Kotliar
Traducción: Federico González del Pino, Fernando Masllorens
Versión: Federico González del Pino, Fernando Masllorens
Intérpretes: Andrés Bagg, Laura Conforte, Angel Hernández, Florencia Otero, Martin Repetto, Pablo Sultani, Germán Tripel, Déborah Turza
Vestuario: Walter Jara
Escenografía: Facundo Lozano, Ana Repetto
Iluminación: Sandro Pujía
Música original: Jonathan Larson
Sonido: Guillermo López
Coreografía: Gustavo Carrizo
Puesta en escena: Valeria Ambrosio
Dirección vocal: Ana Carfi
Dirección de actores: James Murray
Director musical: Gaby Goldman
CIUDAD CULTURAL KONEX
Dirección: Sarmiento 3131
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfono: 4864-3200
www.ciudadculturalkonex.org
Entradas desde: $35,00 - domingo, miércoles y jueves - 21:00 hs
Entradas desde: $35,00 - viernes y sábado - 22:00 hs

EnSinapsis regala entradas de teatro a sus lectores

2008-03-31T15:21:00.005-03:00

Hola estimados lectores, en esta oportunidad los invitamos a ver dos elogiados espectáculos de la cartelera local:

El primero es Bengala, de Alfredo Megna, con dirección de Armando Saire y Leonardo Odierna y actuación de Néstor Navarría. "Después de la gira por Brasil el grupo SIN GUARDIA repone en el IFT el unipersonal escrito por Alfredo Megna que deslumbró al público, durante seis meses de funciones a sala llena en el año 2007. Con una actuación de Néstor Navarría, calificada de descollante por toda la crítica, vuelve a escena ‘Bengala’, ese viejo boxeador que se resiste a abandonar el único espacio en el que conserva su identidad: el ring". Bengala puede verse en el teatro IFT (Boulogne Sur Mer 547), los días viernes a las 21:00 hs.

El segundo espectáculo es La gaviota, una adaptación del clásico de Chejov con la dirección de Rafael Fernández. "Fiel a las reglas de un clásico, La Gaviota nos sigue hablando de cosas que nos atañen y que ocupan nuestras vidas.La llegada del escritor Trigorin a la casa de campo de Sorin como acompañante de la actriz Arkadina, desata pasiones y conflictos irreconciliables en la vida bucólica de sus habitantes." La Gaviota puede verse en Patio de Actores (Lerma 568), los viernes a las 21 hs.

¿Cómo obtener un par de entradas? Muy sencillo: escribir a ensinapsis@gmail.com, dejar el número de DNI y un teléfono para confirmar el lugar.

Quiero llenarme de tí, en el Velma Café

2008-03-31T15:09:00.002-03:00

Un mundo de sensaciones nos espera cada noche en el Velma Café para recorrer los éxitos del Gitano. Para disfrutarlo es necesario entrar en complicidad con la idea de tributo vivaz que ofrecen los artistas (Diego Bros, Virginia Kaufmann y Natalia Cociuffo), sin estar pendientes de las imágenes previas que cada uno tiene del inigualable Sandro de América.

Si bien el espectáculo es un tributo a Sandro, lo han hecho desde el humor, lo cual los salva de que muchas de las nenas del Gitano sientan rechazo o digan que “eso no es un homenaje” para su ídolo intocable.

El elenco maneja muy bien la actuación, la danza y el canto. Es un show que arranca muy tranquilo y va tomando dinamismo, hasta llegar al final con ritmo de fiesta. Consta de un recorrido por distintos temas enriquecidos con elementos que forman parte de la escenografía y de las coreografías armónicas y entretenidas. No faltan las prendas íntimas, las botas de caña alta, los mini shorts y las rosas.

En el desarrollo nos encontramos con la participación de los músicos con notas de simpatía; cambios de melodías en algunas canciones, como es el caso de Por ese Palpitar con ritmo de cumbia (algo que muy bien supo hacer Sandra Mihanovich con Puerto Pollensa), entre otros ritmos como la música electrónica o disco. Algunos de los temas que interpretan son: Por eso bebo, Ave de paso, Penumbras, Mi lágrima número cien, Porque yo te amo, Como lo hice yo, Así, Te propongo, Pequeña mujer, Me amas y me dejas, Una muchacha y una guitarra, Guitarras al viento, Tengo, Rosa Rosa, Dame fuego y no podía faltar Quiero llenarme de ti.

Es realmente inevitable recordar escenas de la película “Quiero llenarme de ti” (1969, con dirección de Emilio Vieyra) con la actuación del Conquistador de América, Marcela López Rey, Soledad Silveyra, el entrañable Fidel Pintos y Rolo Puente entre otros. Sin olvidar la musicalización de Jorge López Ruíz con temas de Sandro y Anderle.

El definitivo acierto de la puesta es acoplarle mucho humor a las canciones. No buscaron hacer un homenaje desde un lugar ceremonial, sino todo lo contrario, logrando un resultado gratificante. Con una esperada presencia en voz en off que estremece y da un nuevo giro evocativo a la puesta.

Hace más de un año que mantienen el espectáculo en cartel en Velma Café por la gran cantidad de público que asiste noche a noche, en un principio fue en el Hotel Faena. También fueron reconocidos con el premio A.C.E. como mejor espectáculo de Café Concert 2007.
Se trata de un espectáculo alegre y apasionado que invita a dejar la sala cantando.

Recomendación: llegar a las 23:30 para poder pedir algo para tomar o comer, todo con muy buena presentación y de calidad. Es una forma de evitar que las mozas tengan que servir al público cuando ya se dio inicio a la función que no tiene un minuto de desperdicio.

Georgina Falbo

Elenco: Diego Bros , Virginia Kaufmann , Natalia Cociuffo
Dirección Coreográfica: Diego Bros

Dirección Musical: Gabriel Goldman

Arreglador Vocal: Gabriel Goldman

Diseño de Vestuario: Matías Begni

Realización de Vestuario: Matías Begni

Diseño de Vestuario: Julio César

Idea: Virginia Kaufmann Diego Bros Griselda Siciliani
Músicos: Gabriel Goldman (Piano), Laura Molina (Trombón), Fabián Fazio (Saxofón) y Gabriel Archilla (Trompeta)

Velma Café - Gorriti 5520 - Tel. 4772-4690 Funciones: Sábados 23:45 Entradas: Desde $25

La León: filmar el deseo

2008-03-31T15:06:00.005-03:00

Ver a Álvaro sentado en medio de un paisaje silvestre leyendo un libro es una imagen cargada de significaciones. Podríamos pensar que esa imagen funciona de manera rizomática, en este film en donde cada imagen está orientada hacia este tipo de lectura. Civilización y barbarie. Lo árido en lo suave, lo suave en lo árido. Así puede ser mirado este singular film de Santiago Otheguy, en el cual lo no dicho cumple un peso dramático relevante.

El paisaje del Delta del Paraná –alejado de la postal de El Tigre- es presentado por el realizador como una tierra en la cual lo más primitivo del hombre sigue estando a flor de piel. Los conflictos entre los habitantes del lugar incluyen la bronca ante el avance de "los del otro lado del río", y el odio que surge entre ambos está teñido de visceralidad. En medio de esta hostilidad, casi oculto, está Álvaro, un isleño homosexual que establece un vínculo con “el Turu” (Daniel Valenzuela), vínculo en el cual la humillación y la homofobia es el hábito.

Si la puesta de Otheguy muestra los paisajes isleños con contemplación (como si los descubriera), la manera en la que elige encuadrar a Álvaro (otra notable presencia de Jorge Román, el actor de El Bonaerense) no dista de esa fascinación paisajística. En efecto, la presencia de este personaje produce tanta animosidad en el Turu como fascinación. Lejos de todo reduccionismo psicológico, el relato se centra en los opuestos: la norma y lo singular, lo masculino y lo femenino, lo individual y lo tribal. Pero lejos de hacer de ellos un mero juego, Otheguy desmenuza las otredades. Ejemplo de ello es la secuencia del partido de fútbol, en donde Álvaro se nota tan complacido como cuando reposa bajo un árbol.

La león alude a esa diferencias con la que se debe convivir cotidianamente, dado que señala a la lancha León, rebautizada “La león” por los habitantes de la isla, transporte tan cotidiano como salir a caminar. El perfecto blanco y negro de su fotografía enfatiza la mirada documental que promueve el relato, como si estos seres fueran aún vírgenes ante nuestra mirada. Al mismo tiempo que el vínculo entre los protagonistas se tensa, la cámara se hace testigo de esa tensión, y va un paso más allá de lo contemplativo: descubre la pasión por filmar el cuerpo.

Ezequiel Obregón

TITULO ORIGINAL: La León
DIRECTOR: Santiago Otheguy
GUIÓN: Santiago Otheguy
INTERPRETES: Jorge Román, Daniel Valenzuela
GÉNERO: Drama
ORIGEN: Argentina
AÑO: 2007
DURACIÓN: 85 minutos

DISTRIBUIDORA: 791 Cine

Dos días en París : Opera prima de Julie Delpy

2008-03-31T14:54:00.006-03:00

La primera película en llevar la firma de la actriz Julie Delpy tiene varios puntos de contacto con los films en los que fue dirigida por el norteamericano Richard Linklater (Antes del amanecer, Antes del anochecer). Este dato puede ser provechoso para aquellos que identifican a la actriz con el papel que interpretó en estas películas, en la cual los diálogos tienen un gran protagonismo, como así también las situaciones cotidianas y las caminatas al aire libre, también presentes en Dos días en París.

No obstante, el film de Delpy centra su mirada en una pareja ya establecida. En medio de un tour por Europa, Marion y Jack deciden pasar un par de días en la casa de los padres de ella. El hecho de que la pareja sea multicultural (él es norteamericano), le da a Delpy –también guionista- la posibilidad de generar una amplia cantidad de situaciones en las que se ríe con sarcasmo de las diferencias entre estadounidenses y franceses, y los modos en los que se los estereotipa. Estas situaciones hablan a la vez de la pareja: en las sentencias, afirmaciones, y conclusiones más graciosas sobre las diferentes naciones, ambos dejan entrever de qué manera se relacionan entre ellos.

Delpy refuerza la mirada femenina a través del recurso de la voz en off de Marion, y algunos hallazgos en el montaje que le dan frescura y cierta modernidad al relato. El humor también tiene aportes del vodevil, sobre todo en relación al miedo de Jack de haber sido engañado por su novia.

Los personajes secundarios tienen también su encanto. Si bien el desarrollo de la mayoría (excepto los de la familia de Marion, familia en la vida real de Delpy), es más bien reducido, no dejan de ser funcionales al desconocimiento de ellos por parte de Jack, aspecto que dará paso a nuevas situaciones cómicas.

Dos días en París tiene un final algo maniqueo en relación a su mirada sobre las relaciones maritales de la gente joven. Demasiado obvio si bien –en su humor más sarcástico- toda la película aporta una mirada irónica sobre la pareja de clase social a cierta edad (los de treinta y pico). No obstante, es una eficaz comedia. Deja la sensación de querer encontrar a Marion y Jack, y ver en qué andan.

Ezequiel Obregón

TITULO ORIGINAL: 2 days in Paris
DIRECTORA: Julie Delpy
GUIÓN: Julie Delpy
INTERPRETES: Julie Delpy, Adam Goldberg, Daniel Brühl, Marie Pillet, Albert Delpy, Alexia Landeau, Adan Jodorowsky, y Alex Nahon.
GÉNERO: Comedia romántica
ORIGEN: Francia/Alemania
AÑO: 2007
DURACIÓN: 99 minutos
CALIFICACIÓN: SAM 16
DISTRIBUIDORA: Impacto Cine

Lluvia: Segundo largometraje de ficción de Paula Hernández

2008-03-31T14:47:00.003-03:00

La nueva película de la realizadora argentina propone un camino inverso al de su ópera prima, Herencia. Mientras que en aquella la estructura se correspondía más con la de un relato coral, con personajes que se cruzaban y se volvían a cruzar (cada vez de manera menos casual), aquí el encuentro es de a dos.

En un embotellamiento en un bajo nivel, en medio de una copiosa lluvia, Alma ve no sólo como “el cielo se viene abajo”, sino también su aparente vida sentimental. En soledad, percibimos toda su angustia. De pronto ingresa Roberto a su automóvil, de forma intempestiva, y de ese cruce surgirá algo similar a una amistad, lo más parecido a la unión de dos personas que llevan una carga demasiado pesada.

En esa primera media hora, Lluvia consigue una inmediata empatía con el personaje de Vertuccelli (Alma), cada primer plano es un hallazgo más dentro de este trayecto del film más intimista. Los diálogos irán poniendo en evidencia la fragilidad emocional de los protagonistas, al mismo tiempo que surgirá entre ambos la necesidad de ser confidentes.

Luego de esa primera parte, el film intentará abordar lo que al comienzo se sugiere. Y allí perderá parte del rigor en la construcción de los personajes conseguida, con algunos flash-backs que sobre explican algunos temas. No obstante, la atmósfera de la película continuará hilvanando esos momentos en los cuales tanto Alma como Roberto afianzan su vínculo. Vínculo que –casi de forma tácita- será tan breve como necesario, puesto que Roberto tiene una familia esperándolo en España, al término de tres días.

Merece ser destacado el trabajo del fotógrafo Guillermo Nieto. Su minucioso trabajo consigue capturar cada variación en el rostro de los personajes, sin descuidar el ambiente lluvioso que cederá hacia el final, cuando Alma pueda ver un poco de luz en medio de semejante tempestad.

Ezequiel Obregón

TITULO ORIGINAL: Lluvia
DIRECTOR: Paula Hernández
GUIÓN: Paula Hernández
INTERPRETES: Valeria Vertuccelli y Ernesto Alterio
GÉNERO: Romántica
ORIGEN: Argentina
AÑO: 2008
DURACIÓN: 110 minutos

DISTRIBUIDORA: Disney

Aquellos viejos tiempos : Regresados, de la dupla Bernard-Nardini

2008-03-31T14:42:00.004-03:00

Luego de su ópera prima 76 89 03, los realizadores Cristian Bernard y Flavio Nardini generaron expectativas. En un contexto en el cual se veían las primeras películas de los principales exponentes del denominado Nuevo Cine Argentino, esta dupla entregaba una comedia negra sobre la obsesión de tres hombres sobre una ex vedette, musa inspiradora de variopintas fantasías durante la adolescencia. Aquella película confiaba en exceso en los diálogos, que no siempre mostraban ingenio y humor. Algunos veíamos en 76 89 03 cierta misoginia que devenía de la reiteración de los caracteres de los personajes principales. Siete años más tarde los dos directores presentan Regresados, nuevamente un film “generacional”, nuevamente una comedia negra, aunque esta vez más dramática que la anterior. Los puntos débiles de aquella no forman parte de esta película, y algunos temas (el secuestro, por ejemplo) vuelven a aparecer, sin desentonar con la totalidad del relato.

Regresados comienza con la reunión de un grupo de ex compañeros del colegio secundario, veinte años después de haber terminado los estudios. La historia se desarrolla en el año 2002, año en el cual la catastrófica situación política y social post de la Rúa era aún muy reciente. Esa atmósfera oscura, desencantada, acompaña y reproduce la situación personal de los protagonistas.

Luego de ese encuentro, cuyo patetismo deviene principalmente de los comentarios anecdóticos, el relato se concentra en tres aspectos: la posterior salida de Guido y Melina (novios en la adolescencia), el intento de Luis María de acercarse a Germán Pequeño (ausente en la reunión), un ex compañero a quien sus abusos y bromas pesadas lo convirtieron en un ser enfermo; y la salida entre Alexis, Franco, y Lito, quien hizo en España una carrera bancaria tan exitosa como corrupta. Este último micro-relato se corresponde más con la mirada social que tiene el film. La secuencia del encuentro entre el cantante de tango compuesto por Roberto Carnaghi y Lito (quien busca por todas partes la postal turística) puede pensarse como una síntesis de una “Argentina Fantasma”, tan apagada como los personajes que transitan esta noche hecha de reminiscencias y malos entendidos.

Cada micro-relato tiene sus singularidades dramáticas, si bien cuesta hilvanar el patético encuentro entre Pequeño y Luis María (alcohólico en busca de una redención) con la historia de amor trunco de Guido y Melina, mucho más cercana al registro del drama sentimental. No obstante, la propuesta integral goza de un pesimismo que puede unir todas las historias, y –en ese sentido- es fundamental el aporte del director de fotografía Wilson Rodríguez, cuyo trabajo reproduce un ambiente sombrío que propone una mirada especular sobre los personajes, quienes “pintan” la noche con sus historias a cuestas. Merece destacarse las actuaciones de Coni Marino (Melina) y el Marcelo Sein (Germán Pequeño). No obstante, el physique du rol de cada personaje demuestra ser comprendido en la sabia elección de los actores.

Regresados es un film generacional, intimista, cuya mirada sobre los de “casi cuarenta” es absolutamente desencantada. Su impacto emocional es producto de un notable desempeño actoral y la propuesta estética, que seguramente afectará más a los espectadores cercanos a la edad de los personajes.

Ezequiel Obregón

TITULO ORIGINAL: Regresados
DIRECTOR: Cristian Bernard y Flavio Nardini
GUIÓN: Cristian Bernard y Flavio Nardini
INTERPRETES: Roberto Carnaghi, Diego Capusotto, Carlos Issa, Coni Marino, Diego Leske y Luis Sabatini.
GÉNERO: Comedia dramática
ORIGEN: Argentina.
AÑO: 2007.
DURACIÓN: 92 minutos.
CALIFICACIÓN: AM13

DISTRIBUIDORA: Primer Plano.

El tamaño no importa: Horton y el mundo de los Quien

2008-03-13T19:19:00.015-02:00

En Horton encontramos varias ideas dramáticamente ya transitadas. A saber: la dualidad entre lo pequeño y lo grande, la lucha entre la subjetividad y un medio opresivo, la soledad de los valientes. Lo notable es cómo la fábula permite ofrecer una mirada nada superficial sobre estos temas mediante una animación atractiva y un puñado de personajes entrañables.

La historia comienza con una minúscula partícula que se desprende de una flor, y que va a parar –por acción del viento- a la trompa del bonachón elefante Horton, quien escuchará una particular vocecita que proviene de allí. En ese encuentro fortuito, la película (basada en un cuento de Dr. Seuss) asume todo el riesgo narrativo. De no creer en la posibilidad de que un elefante se encuentre con un mundo (Villa Quién, para ser exactos), ¿cómo podría funcionar el resto del relato? Si funciona, es por la consistencia de los personajes. La animación subraya sus características fundamentales, pero no los encorseta allí. Por el contrario, Horton puede ser tan valiente como sensible, y la mala de turno podrá redimirse en un gesto que no desentonará con el resto de la película.

Casi como el relato de un Galileo Galilei (pero de cuentos de hadas), Horton es –además de un digno entretenimiento- una película sobre el relativismo en la mirada, sobre la capacidad de elevar una verdad al terreno de lo público. Horton sabe que lograr que todos crean la existencia de este mundo, es mucho más que eso. El elefante, al fin de cuentas, es quien mejor sabe ver, por más que sus condiciones físicas no sean las más indicadas para acercarse a lo pequeño.

Otro punto a favor de Horton es el humor (al borde de lo naiff) que transita sus 88 minutos. Lejos de las escatologías que –por suerte- ya están desapareciendo de las películas animadas, la risa aquí pasa por los soliloquios del elefante, los ingeniosos remates en los diálogos, y los siempre bienvenidos slapsticks, que me recuerdan a cuando era chico, me caía, y estallábamos en risas.

Ezequiel Obregón

TITULO ORIGINAL: Dr. Seuss Horton Hears a Who! DIRECTOR: Jimmy Hayward y Steve Martino GUIÓN: Ken Daurio y Cinco Paul, basado en el relato original de Dr. Seuss GÉNERO: Animación ORIGEN: Estados Unidos AÑO: 2008 DURACIÓN: 88 minutos CALIFICACIÓN: ATP DISTRIBUIDORA: FOX

Entrevista a Alejandro Paker (Segunda Parte)

2008-03-09T03:31:00.002-02:00

A punto de terminar su segunda temporada con Cabaret, Alejandro Paker comenzó a ensayar hace unos días Pepino el 88, la puesta de Suárez Marzal que formará parte de la programación del Teatro San Martín. En breve, Paker le dirá adiós a Emcee, el personaje que compuso con tanta solvencia. Sobre él, nos dice estas palabras:

AP: Yo lo defino como un gran bufón manipulador. El vive con libertad. Libertad de ser, de sentir, de sexualidad. Elige morir de determinada manera. Se trata de un personaje humano, contradictorio (por eso mismo humano). Creo que se ufana de eso, de sí mismo. Tiene la capacidad de reírse de sí mismo. Es un personaje de soledades, de miserias, de hambre... Creo que como a todos –inclusive me incluyo-, como muchos artistas, el arte lo ha rescatado. El arte ha sido su salvavidas. En su arte radica su libertad, su creatividad y elección sexual. También su religión y preferencias políticas. Creo que él trata de no juzgar, y si discrimina se ríe de ello. Es un bicho de tantos colores...

ES: Cuando aparecen este tipo de personajes con tantas dimensiones, ¿cómo se hace para encararlos en una producción tan compleja, con un director musical, otro actoral...?

AP: ¿Cómo se hace....? Bueno, te lo cuento desde mi experiencia, que fue mi primer protagónico. Hubo muchas presiones, sobre todo porque me eligieron en un casting al cual fue gente muy conocida y talentosa. Como trabajo siempre, me dejé dirigir. Estuve al servicio de la dirección. Fue un trabajo arduo. Por lo general, en los musicales lo primordial es lo musical y lo coreográfico. Yo trabajé paralelamente a la dirección que recibí del equipo creativo. Trabajé con un amigo que funcionó a manera de coach, Walter Velásquez, que es un maestro de clown. Necesité su visión, su contención también. Creo muchísimo en él, por eso me apoyé en su visión y punto de vista. Trabajé de esa manera. No me quedaba con las seis horas de ensayo que tenía, seguía trabajando en un gimnasio que está a la vuelta de mi casa buscando con Walter maneras, estilos... También estaba la cuestión del acento alemán, había que alemanizar el texto pero no tenía que quedar como algo grotesco. Tuve por lo tanto una preparación con una profesora de alemán. Hubo muchas personas que me ayudaron a moldear el personaje. Se fue dando todo junto, era mucha información que me sobrepasaba... Pero eso en el cuerpo se va metiendo. Uno a medida que lo repite, lo trabaja, lo repite, lo repite... Es la maravilla del ensayo.

ES: ¿Te analizás?

AP: Sí, sí. Para mí trabajar de actor es una bendición. Ser actor es algo maravilloso, pero trabajar de eso es una bendición, sobre todo en este país. Hay muchas cosas de las que estoy agradecido. Pero es verdad que uno tiene su vida, sus cosas personales por resolver, aún a mis 35 años. Pero igual hay un momento en el que dejo todo en el camarín. Hay días que tengo más ganas de divertirme y otros en los que tengo más ganas de llorar. Está todo muy al borde. Hay días en los que llego muy contento, y eso potencia la alegría del personaje, y no tengo ganas de sentir la angustia que tiene el personaje. Pero capaz que me resisto hasta el momento previo de comenzar a trabajar la angustia. Y siempre busco la cintura. Sé por donde abordar para olvidarme de mi realidad y meterme en la angustia de Emcee o en su diversión. Ha sido todo un aprendizaje a lo largo de esta temporada.

ES: Yo siento que es un espectáculo que homogeniza al público. El que va a divertirse, hace una reflexión, y el que va a reflexionar, se divierte.

AP: Yo creo que es una obra que desconcierta mucho a la gente que viene a verla. Hay gente que ha venido creyendo que se trataba de un Cabaret de verdad, y se encuentran con una obra de teatro que invita a una reflexión. También viene gente que tiene prejuicios sobre el musical y se sorprenden.

ES: Contáme un poco sobre Pepino el 88.

AP: ¡Pepino! Me da el vértigo de todo lo que comienza.

ES: ¿Encontrás alguna continuidad con este nuevo proyecto y lo que estás haciendo ahora?

AP: Los dos personajes son clowns. Funcionan bufonamente. Frank Brown (el personaje que compondrá) era un bufón también. A Pepino lo va a hacer Víctor Laplace, y Karina K va a hacer Rosita. Veo una continuidad en los personajes en la idea de que quieren entretener. Frank era uno de los pocos payasos que divertía a todos, no sólo a los niños. Emcee no divertía a los chicos porque éstos no llegaban al Cabaret. Han ido chicos a ver el musical, incluso me involucré y jugué con ellos. Noto que me tienen miedo. Dudo que Frank llegue a producir miedo.

ES: ¿En qué estado está la obra?

AP: Aún no hemos empezado a ensayar, estamos haciendo trabajo de mesa. Y también estoy investigando por mi cuenta sobre la vida de Frank: ¿qué usaba, cómo se vestía, cómo se movió, qué música escuchaba, cuáles fueron sus amigos? Todo eso que tiene que ver con lo personal del personaje. Luego me meteré con lo que tiene que ver con avanzar con la obra, un proceso que aún no comenzó. Con Karina nos dimos cuenta que estos personajes hacían de todo, por eso le propusimos al director que entrenemos. Nos dijo: “si quieren subirse al trapecio, lo hacemos”. Creo que cuanto más veraz se vean estos personajes, nos sirve mucho. Estoy sintiendo el dolor del circo. Este es un momento de mucho vértigo, como el trapecio. Cuando subo me da vértigo, miedo... Sin embargo, cuando mi maestro me dice: “ahora hacélo vos”, me cuelgo, subo, me tiro, y salió.

ES: ¿Qué te sugiere el mundo del circo?

AP: Karina y yo lo vivimos como una situación tan poética, pero no nos olvidemos que estos personajes llegaban al circo para comer, y era por herencia. Tu papá te enseñaba a subirte al trapecio, y tenías que tener cuidado de no caerte porque sino no llevabas dinero a tu casa. Se estaba al borde de la muerte siempre. A Frank Brown se le murió una hija en los brazos, y luego su mujer. Por eso luego llega Rosita a su vida. Los Videla me contaron que ellos quebrados iban a hacer funciones al otro día. Salían del sanatorio vendados para no mover el brazo y tenían que subirse al trapecio. Y no existían las pastillas que existen hoy. Toda esa gente no ha quedado bien, no pueden caminar bien... También nos enteramos que las mujeres hacían todo, no sólo participaban en el show, sino que además hacían la comida, limpiaban, cocían el vestuario, ensayaban, todo... Cuidaban a los niños también.

ES: ¿Fuiste a algún circo para este proceso?

AP: No, porque acá en Buenos Aires no hay.

ES: Yo recuerdo cuando era chico que ir al circo era muy habitual (tengo 25, aclaro, no fue hace cuarenta años).

AP: Yo he ido mucho al circo. Circo que venía, circo al que iba. Mi vieja metía algo de cizaña porque le parecía triste, el tema de los animales, que no estaba limpio. Yo no lo veía.

ES: Hoy lo pienso y me da tristeza. Pienso en los chicos: ¿cómo tienen continuidad educativa? Seguramente son malos alumnos. Pienso en el alimento de los animales.

AP: Me contaban que cada vez que llegaba un circo a un pueblo no habían mas gatos en la calle, ni perros, ni ratas... Se tratan de personajes con otras miserias. Quizás no vivieron la guerra, pero vivieron otras guerras.

E.O.

La nube errante: Sobre sandías y otros manjares

2008-03-09T03:22:00.002-02:00

La filmografía de Tsai Ming-liang ha sido conocida mayormente gracias al BAFICI, festival que llegó a presentar una retrospectiva de su obra. Quienes vieron sus películas, saben que estamos frente a un autor, autoconsciente como pocos de su “sello autoral”, que –hay que decirlo- atrae a tantos como distancia a muchos otros. Esa capacidad de haber impuesto su propio estilo, deviene de una obra consistente en cuanto a la temática (la alienación, la soledad, las fuerza de las pulsiones sexuales) y al tratamiento visual (planos largos, interiores opresivos, relatos que se desarrollan en espacios urbanos).

La nube errante fascinará a sus admiradores, al tiempo que distanciará irremediablemente a sus detractores. Lo cierto es que, más allá de su coherencia estilística, estamos en presencia de un realizador que provoca con ideas (tarea difícil en los tiempos que corren), que hace uso del silencio con absoluta contundencia dramática, y que –además- puede volver una y otra vez a los mismos temas (los problemas con el agua, por ejemplo) sin dejar la sensación de que estamos viendo lo mismo.

El cine de TML puede ser pensado como un aparato en el cual las contradicciones pueden coexistir. Por un lado, relata los conflictos más naturales (la búsqueda del agua, la necesidad de establecer vínculos, la necesidad de tener sexo) al mismo tiempo que lo hace de una manera sumamente elaborada, y por momentos hiperrealista. Esto se ve reflejado en su tratamiento sobre lo cotidiano: los planos de larga duración que reproducen la cotidianidad de manera tan –valga la redundancia- larga temporalmente, generan cierto distanciamiento sobre hechos que solemos ver día a día, pero sobre los cuales no detenemos nuestra mirada con especial atención.

En La nube errante la ausencia de agua pone en estado de desesperación a Tapei. Cada personaje intenta arreglársela como puede. Es notable la melancolía que desprenden, con su andar lento y su mirada perdida. Cada uno se desempeña de esa misma forma, y al mismo tiempo con sus particularidades, lo que demuestra que TML es –además de un esteta- un gran director de actores. La inclusión de secuencias musicales funciona como un panorama de los deseos de los personajes, revelando todo un mundo interior, al mismo tiempo que distancia más la rutina de lo cotidiano, de lo imaginario. No por nada la película está atravesada por el rodaje de un film porno: algo así como la industrialización del placer. El final, en ese sentido, puede pensarse como una celebración del goce por el puro goce.

Por último, estamos frente a una película erótica, lúdica en el mejor sentido (¿alguien vio algo más original como la escena de sexo oral intermediada por una sandía?), que hace del trayecto de las personas un verdadero motivo para espiar, y descubrir que detrás de lo más primitivo hay todavía mucho por descubrir.

Ezequiel Obregón

TITULO ORIGINAL: The Wayward Cloud - Tian bian yi duo yun
DIRECTOR: Tsai Ming-liang
GUIÓN: Tsai Ming-liang
INTERPRETES: Lee Kang-sheng, Chen Shiang-chyi, Lu Yi-Ching, Yang Kuei-Mei y Yozakura Sumomo.
GÉNERO: Drama – erotico – musical.
ORIGEN: Taiwán-Francia
AÑO: 2005
DURACIÓN: 114 minutos
CALIFICACIÓN: AM18
DISTRIBUIDORA: 791 Cine

Desilusión cantada: Una familia poco normal

2008-03-09T03:17:00.008-02:00

Cuando es sabido que algo no va a gustarnos, no tiene sentido exponernos a eso. Pero en busca de ser profesional y no hablar mal de algo sin antes verlo y comprobar que es así, efectivamente. Como aconsejó el director del blog.

El espectador (me incluyo) acostumbra seguir un ritual teatral. Se predispone en el día de la fecha especialmente para ir a la función por la noche. Con un buen margen de tiempo se prepara, viste y perfuma. Viaja hasta el destino. Entra a la sala, espera que el acomodador le indique su butaca, para acomodarse y disfrutar del espectáculo.

El ritual es agradable y forma parte de la cultura del ambiente, pero todo ese proceso se desvanece cuando la obra no cumple ni con las mínimas expectativas que uno puede tener.

Es concretamente lo que sucede con Una familia poco normal, comedia o intento de tal, de Gerardo Sofovich, protagonizada por Moria Casán, quien no ofrece más en el escenario que lo mismo que muestra en televisión.

Pero veamos lo que pasa en general y particular, el elenco está compuesto por:

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Rolo Puente, gran artista que da lástima verlo en un papel donde las burlas están guionadas y son de mal gusto. Penoso. Miguel Jordán, quien cumple con el papel poco creativo del Doctor Cura. Claudia Albertario, rol de la niña linda en escena. Cumple. Juanita Rpetto, compone bien un personaje que no da para mucho, el cual mantiene una relación lésbica momentánea con Claudia. Emilio Rella, como juguete de turno de Lola (Moria Casán). No sorprende. Álvaro Navia, como el hijo mafioso que vuelve a ver a su familia luego de años. Aporta notas de humor que logran risas. Toti Ciliberto, como ex pareja de Lola, un desperdicio semejante actor en ese rol. Viviana Canosa, participación poco convincente de una chimentera que solo parece estar en escena para generar conflicto, para tener prensa sobre el triangulo de ella, Sofovich y Rial. NN, la “revolvedora de cupones del jefe en la tele”, llega a la obra sin méritos y con un cuerpo que no está en las mejores condiciones como para exhibirlo tanto. En nuestro país sobran las mujeres bien formadas y con condiciones en baile, canto y actuación para poder cumplir con gracia y profesionalismo el rol… lamentable que no se les de la oportunidad a quienes en verdad lo merecen. Lady Barby, es un puntal, en varias oportunidades levanta la obra y es la única que genera carcajadas espontáneas (dado que las otras nacen desde el final de sala donde se encuentran los operadores de luz y sonido) y simpatía en el público.

Pero no es todo, falta tocar algunos puntos que hacen a la obra: la escenografía cumple su función, es fija y simula el interior de una casa de clase “alta”. La iluminación y el sonido son buenos, en manos de dos agitadores reidores. La producción, ¿quién sabe por qué algunos ocupan esos lugares sin estar preparados? Con tantos jóvenes (o no) que cuentan con una excelente formación para cumplir con excelencia la misión. Un prensero (persona a cargo de la prensa) que se deja ver sobrepasado por la actividad y otros productos.

Un guión que es una ensalada mal aderezada, fundada en viejos y mejores guiones nacionales.

En resumen, no tire $70 en este disparate, invierta el dinero en 2 o 3 obras de mejor calidad que le darán algo para pensar y disfrutarán de un buen espectáculo. Sólo es cuestión de mirar la cartelera y leer en el blog EnSinapsis el comentario de la misma antes de ir a la boletería. Estamos para ayudarlo, ya lo salvamos de un bodrio.

Clavelina Suárez

Género: Comedia
Actores: Moria Casán, Rolo Puente, Toti Ciliberto, Alvaro `Waldo` Navia, Claudia Albertario, Juana Repetto, Emiliano Rella, Miguel Jordán y Viviana Canosa
Autor: Gerardo Sofovich
MultiteatroCorrientes 1283 - Capital Federal Horarios: miércoles jueves 22:00, viernes sábado 22:00, viernes sábado 23:45, domingo 22:00.

Una poética de la hibridez

2008-03-09T03:02:00.006-02:00

A José María Muscari siempre le interesó el terreno de lo híbrido. A diferencia de lo ambiguo (aquello que no termina por definirse), la hibridez remite a la unión de dos elementos de distintas naturalezas. En Fetiche supo encontrar lo cursi dentro de lo sublime y viceversa, haciendo de su criatura inspiradora, la multifacética Cristina Musumeci, un paradigma teatral sorprendente en donde convivían la fascinación por el cuerpo y la teología sin ambigüedad alguna. Otro caso es el de Piel de Chancho, pieza en donde las mujeres –terribles- podían enunciar sus flaquezas morales sin ningún temor, con un registro de crueldad explícita poco frecuente en la dramaturgia actual argentina.

En su estreno más “comercial” hasta la fecha (imposible no ver esos afiches gigantes al estilo “Closer”) muchos de sus espectadores fieles se preguntaban hasta qué punto perdería su irreverencia y humor zafado. El resultado deja una conciliación entre su impronta autoral y el trabajo con actores más convocantes en un espacio como el Multiteatro. Nuevamente, la hibridez.

En En la cama JMM se interna en los tabúes y fantasías de dos parejas de clase media bien establecida, compuestas por Maruca (Viviana Saccone) y Bautista (Gerardo Romano) por un lado, y Sasha (Mónica Ayos) y Boris (Walter Quiroz) por otro. La cama, omnipresente, es el disparador de un sinfín de situaciones que sirven para poner en evidencia las fragilidades, miserias y virtudes de estos personajes.

Al igual que en otras puestas, el espacio entre lo público y lo íntimo está quebrado desde el comienzo. En forma más lograda, por los parlamentos en los que los personajes se dirigen al público, y en forma menos lograda, por la reiterativa mención de primeras marcas y el apellido de los actores, además de otros metalenguajes. Cierto es que este aspecto quizás sea valorado por el “nuevo público”, con una mirada adánica muy distinta a la de los espectadores que ya vieron varias puestas de JMM.

Aquella ruptura entre lo público y lo íntimo subraya otros divorcios que se van asentando a medida que avanza la puesta: lo erótico y lo no erótico, la juventud y la madurez, lo inasible y lo pornográfico. Maruca, por ejemplo, dice en varias oportunidades sentirse insatisfecha con su matrimonio, pero su actitud de queja deviene en conformismo. Sasha, en cambio, evolucionará hasta tomar las riendas de un asunto que le preocupa: su marido no quiere un hijo, por motivos de celos.

En el mismo espacio escenográfico conviven y se superponen los dormitorios de ambas parejas. “Dialogan”, podríamos decir. Allí, a la vista del otro, está el Deseo, demasiado impreciso e inalcanzable para animarse a alcanzarlo. Afortunadamente, es dentro del humor más descarnado e inteligente desde donde la obra elige abordarlo, y es en ese punto en donde los personajes se vuelven tan efectivos como entrañables. Cada actor tendrá su monólogo para lucirse, pero es destacable el desempeño de Viviana Saccone, una actriz tapada que supo encontrar en su Maruca el tono justo para hilvanar una composición convincente.

Para finalizar, quizás esta obra marque un nuevo modelo de escritura para Muscari. La puesta delimita –mediante un anuncio proyectado- una introducción, un nudo, un desenlace, y un epílogo. Más que una estructura clásica, hay una re-organización del mundo caótico que siempre propuso el autor que –por estar encorsetado- pone aún más en evidencia su verdadera naturaleza.

Ezequiel Obregón

Actuaciones: Monica Ayos, Walter Quiroz, Gerardo Romano, Viviana Saccone
Vestuario: Mercedes Colombo
Escenografía: Diego Siliano
Iluminación: Gonzalo Córdova
Música: Mauro García Barbé
Producción: Javier Faroni
Dirección: José María Muscari

MULTITEATRO
Dirección: Corrientes 1283 y Talcahuano
Teléfono: 4382-9140
Web: http://www.multiteatro.com.ar
Entrada: $60,00 - domingo, miércoles, jueves, viernes y sábado - 21:30 hs
Entrada: $60,00 - viernes y sábado - 23:30 hs

Solas

2008-03-09T02:53:00.002-02:00

La mujer viaja del pueblo a la ciudad dado que su esposo debe ser atendido en el hospital. Allí, se aloja en casa de su hija, a quien pretende acercarse con afecto. Empresa difícil dado que la joven ha optado por tomar distancia de la familia: rechaza el maltrato del padre tanto como la pasiva resignación de su mamá. La rebeldía, además, la ha hecho vivir experiencias dolorosas que la encierran en un angustiante resentimiento en un mundo que le resulta hostil. El vecino, un viudo tierno y necesitado de compañía, jugará un papel en el breve lapso de la estadía de la madre en el departamento.

Se trata de la versión teatral de la película de Benito Zambrano estrenada en Buenos Aires en 1999. La trasposición no oculta el origen cinematográfico y la pieza conserva en esta adaptación casi todas las situaciones del film. Mantener la multiplicidad de espacios, escenas breves y personajes que entran y salen quita fuerza a esta historia cuyo núcleo de interés reside en el vínculo entre estas dos mujeres que intentan, cada una a su modo, escapar a la soledad en medios diferentes.

La sala de grandes dimensiones no ayuda a crear el clima de intimidad que el relato requiere; tampoco la escenografía - meticulosamente realista. Por el contrario, sí resulta acertado que la mirada de la madre – punto de vista elegido- lo tiña de calidez.

Al menos en el estreno, quienes desempeñaban los papeles secundarios tendían al subrayado exagerado de los rasgos de sus personajes. Sin duda, lo mejor de Solas en escena son sus protagonistas. Julieta Díaz, sin brillar, encuentra el camino que transita la muchacha; Leonor Manso compone a una mujer creíble y querible y Juan Manuel Tenuta encarna con soltura a este viejo compasivo y vivaz que se vuelve entrañable para el público, quien agradece el placer de disfrutar de esa figura encantadora, como el actor mismo.

Una observación que puede parecer menor: cabe celebrar que el programa de mano contenga no sólo una abundante información sobre quienes han puesto su esfuerzo en la concreción de esta puesta, incluidos asistentes y realizadores, lo que no siempre sucede, sino también la del staff de la sala, desde los directores generales al personal de limpieza. Un reconocimento válido.

Clara Ibarzábal

Basada en la película de Benito Zambrano.
Adaptación teatral:Antonio Onetti.
Adaptación argentina: Enrique Pinti.
Actúan: Leonor Manso, Julieta Díaz, Juan Manuel Tenuta, Miguel Dedovich, Néstor Sánchez, César Bordón Cristina Fridman.
Música original: Antonio Meliveo.
Diseño de escenografía: Gabriel Carrascal.
Iluminación: Gonzalo Córdova.
Vestuario: Mónica Mendoza.
Dirección: Alicia Zanca.

METROPOLITAN 2
Dirección: Corrientes 1343
Teléfono: 5277-0500
Funciones. de miércoles a viernes a las 21; sábados a las 20.30 y 23.30 y domingos a las 20.30.
Entrada: $ 50

Se presentó la 23º edición del Festival de Cine de Mar del Plata

2008-03-09T02:41:00.003-02:00

Dos días antes de la sorpresiva renuncia del director del I.N.C.A.A. tras varios comunicados en contra de su gestión y una orden de allanamiento dispuesta por la justicia a una oficina del Instituto de Cine, tuvo lugar la presentación del Festival de Cine, con nuevo director artístico.

La semana pasada tuvo lugar la presentación del Festival de Cine de Mar del Plata. Quienes tienen memoria, recordarán que el festival tuvo un relanzamiento hace algunos años, bajo la dirección artística de Claudio España. Luego lo sucedió el jujeño Miguel Pereira, quien se propuso “latinoamericanizar” al Festival. La crítica y el público avalaron su gestión que, luego de cinco años, llegó a su fin.

Hace unos meses el mundo cinematográfico local se preguntaba quién sería el sucesor, hasta que finalmente Jorge Alvarez (ahora ex director del Instituto de Cine) develó la incógnita: José Martínez Suárez.

En la conferencia de prensa, ni bien se presentó fue evidente que su estilo (al menos, personal) es bien diferente del de Pereira. Si a aquel lo caracterizaba su hablar pausado, su tono monocorde, al nuevo director nada le detiene su entonación grandilocuente y su humor constante. Habrá que ver cuánto cambiará del festival con el aporte de este reconocido maestro de cineastas; si mantendrá la impronta latinoamericana, y si logrará el elogio crítico que había obtenido Pereira.

Por el momento, la fecha ha cambiado: el evento tendrá su espacio del 4 a 14 de diciembre. Alvarez destacó que, si bien no era la fecha que deseaban (la decisión la toma la Federación Internacional de Asociaciones de Productores de Films), la re-ubicación del festival es un paso importante, dado que antes quedaba en la “agenda festivalera” en el medio de Berlín y Cannes. El funcionario resaltó que esa situación ponía en desventaja al festival local, ya que los directores y productores de films elegían lanzar sus obras en los dos eventos europeos.

El Festival contará además de la Competencia Oficial con la Competencia Latinoamérica, y nuevamente se otorgará el Premio Che Guevara a la mejor película con la cifra de 50.000 dólares de la región. Continúan también las secciones Vitrina Argentina y Lo que vendrá. El equipo del Festival está trabajando en algunos cambios en cuanto a la conformación de las otras secciones.

Los homenajes estarán dedicados en esta edición al film El jefe y a Atahualpa Yupanqui, por sus aportes al cine nacional. Se prepara también una retrospectiva del realizador inglés David Lean, ganador dos veces del premio Oscar como mejor director por sus films, El puente sobre el río Kwai (1957) y Lawrence de Arabia (1962).

Si bien el flamante director no mencionó a sus colaboradores, destacó la incorporación del director y escritor Edgardo Cozarinski como programador de la sección Borges en el cine. Habrá un panorama del cine polaco de los 60, además de las secciones El teatro argentino en el cine y Cómicos del cine argentino.

Martínez Suárez afirmó que es difícil hacer precisiones con anticipación, pero destacó que la lista de invitados será tan amplia como importante. Por el momento, suponemos que Álvarez no será de la partida.

Ezequiel Obregón

Entrevista a Alejandro Paker, PRIMERA PARTE

2008-02-14T18:00:00.003-02:00

A punto de cumplir un año en cartel con el musical que lo acercó masivamente al público teatral, este joven actor de sólida formación nos habla de sus anteriores trabajos, su modo de encarar la composición del personaje, y su próximo proyecto. La entrevista comienza en torno a su actuación en “Marionetas del pene”, el atípico espectáculo que hizo algunos años atrás.

A.P.: Fue raro, yo no me lo cuestioné tanto. Pero pedí consejos a amigos. Fui a verlo a Carlos Gandolfo, a ver qué opinaba, y él me dijo: “usted trabaje, mientras haga lo que usted quiere hacer y sea actor, trabaje”. Le pusimos con el otro actor garra y corazón. Si bien no teníamos muchas herramientas, no había mucho texto y eso no nos ayudaba, entonces empezamos a opinar y sugerir cosas nosotros que nos dieran la seguridad para llegar a hacer eso, que la desnudez se convirtiera en sólo una anécdota. De lo contrario me hubiera sentido desprotegido.

ES: Desnudo.

A.P.: Literalmente desnudo...

E: Si yo le hubiera contado el espectáculo a mi mamá, ella me hubiera dicho: “dos degenerados y un grupo de perversos que los va a ver”. Pero supongo que siendo dos buenos actores, el asunto de la exposición explícita habrá sido todo un tema.

A.P.: Fue complicado.

ES: ¿Sentís que el público tomó tu actuación seriamente?

A.P.: Sí. En todo momento lo encaramos con la comicidad y el doble sentido, pero sin embargo el hecho de jugar con nuestra genitalidad y reírnos de ella es algo fuerte. Tratamos de jugar a ser adolescentes, de desarrollar chistes a partir de nosotros. Pero nunca recargamos esa idea de jugar ni con lo obsceno ni con el doble sentido, sino desde la inocencia. Si nosotros lo hacíamos desde la sexualidad y el doble sentido, hubiera sido redundante y chabacano. La propuesta interesante -que fue nuestra- fue jugar desde la inocencia. El doble sentido lo tenía el público. Hubo también respeto de la crítica, que no nos maltrató a nosotros, pero sí al espectáculo por lo poco que ofrecía.

ES: Yo noté que la crítica no se animó a hacer “crítica”. Se hicieron más que nada informes y entrevistas.

A.P.: A mí lo que me parecía interesante de “Marionetas del pene” es mostrar la desnudez del hombre. Siempre está como relegada, o sólo se muestra el torso, la cola... Nunca se ven los genitales, suelen decir “no es estético”. Pero tampoco hay por qué tapar. ¿Por qué no tener la capacidad de mostrar eso que no es estético? Eso es lo que me pareció interesante, desmitificar, ¿por qué no mostrar?

ES: ¿Y luego qué vino?

A.P.: Luego hice “El hombre de la Mancha”. Yo fui el barbero. Hubo una temporada de seis meses. En la segunda temporada hice del Duque. El barbero fue apenas una participación. Me encantó hacer esa obra. Es uno de los pocos musicales que no ofrecen sólo entretenimiento. Me gustan las obras que cuestionan la humanidad. Tampoco –al igual que Cabaret- tiene final feliz.

ES: ¿Para vos Cabaret es un drama o una tragedia?

A.P.: Un drama. Porque invita a que se resuelva, a que lo resolvamos día a día. Es una historia que si bien no tiene final feliz, todos sabemos qué pasó después.

ES: Me interesa el personaje del escritor, que en algunas puestas en heterosexual, en otras gay, en otras bisexual... ¿A vos qué te produce?

A.P.: Creo que han sido decisiones en torno a la época y en dónde se ha estrenado la obra. Cuestiones culturales. Ha tenido que ver con la aceptación o no de la diferencia. Políticamente, la obra ha mantenido siempre la línea de pensamiento. En cuanto a lo sexual, ha variado, es algo de lo que yo estaba enterado.

ES: La obra se desarrolla en la Alemania Nazi, si bien hay una gran universalidad.

A.P.: Sí, creo que es un pretexto. Podemos transpolar esa situación a cualquier momento. Dictaduras hubo siempre. Siguen habiendo genocidios, es increíble. Este pretexto fue en 1940.

ES: ¿Hiciste alguna investigación sobre aquello que se denomina “el espíritu aleman”?

A.P.: No, si bien investigamos bastante (estuvimos en contacto con gente del Goethe), tratamos de tener información de la época y su idiosincrasia. Investigamos sobre estos Cabaret, y por qué no se cerraban. Por qué a pesar de que había discursos que estaban en contra del nazismo sin embargo se hacían y asistían nazis. Vimos material fílmico y muchos libros de fotografía, incluso pintura.

ES: Tu personaje no sólo es cómico, parece como que es atemporal. Es uno de los pocos que se permiten bajar a escena, romper la cuarta pared y buscar complicidad.

A.P.: Hay un guiño que se propone la obra, esta idea de atraer al espectador e involucrarlo. Hacerlo parte de la historia. Creo que esto lo invita más a cuestionarse de qué lado está.

ES: Se trata de un espectáculo muy brechtiano.

A.P.: Sí. El distanciamiento –sobre todo en mi personaje- aparece mucho. Hay una línea de pensamiento que se rompe permanentemente, una ruptura de emociones sobre lo que está ocurriendo, desde la comicidad al drama como del drama a la comicidad. Hay sobre todo una invitación al pensamiento brechtiano.

ES: La misma dialéctica de la obra va de lo íntimo (la pensión) a lo público (el cabaret). La escenografía es la misma, finalmente caemos en la cuenta de que el espacio es el mismo.

A.P.: Sí, de hecho hay una mesa, una silla, un par de sillones...

ES: Yo creo que ese es un gran mérito de esta puesta.

AP: Yo también, si bien fue una elección cuestionada. Se le tiene el prejuicio al musical de que es frívolo, pero cuando se hace algo distinto, cuando se le da mucha libertad al espectador, se le critica eso. Cabaret es una obra de teatro con canciones. La defino así: como una obra de teatro brechtiana. La canción es un recurso más para cortar. Quizás se esperaba otra cosa por relacionarla con la película, que se hizo en los ’70, año en el que Hollywood tenía mucha fuerza.

Ezequiel Obregón

Gorda: prejuicios y cobardías

2008-02-14T17:49:00.002-02:00

"Un hombre se enamora de una mujer”. Así simplifica el argumento de “Gorda” Daniel Veronese, director de la puesta. En esa definición hay no sólo una compresión de la historia, sino también la clave para entender su punto de partida, dado que desde el encuentro entre un hombre y una mujer el autor le da forma a su relato. Si agregamos que esa mujer es una mujer muy obesa, las cosas necesariamente se complican. Y es desde la mirada (jamás esquiva) de todos los personajes desde donde Neil Labute buscará desplegar todo su oficio.

Un día laboral Tommy asiste a un local de comidas rápidas. Su andar cansino, su mirada perdida, contrasta con la presencia de Helena, una mujer tan voluminosa como simpática. En el diálogo que van desarrollando en medio del almuerzo surge una atracción entre ambos, materializada en la promesa de una cita.

El efectivo dispositivo escenográfico diseñado por Alberto Negrín nos transportará a los diferentes lugares que transitará la pareja, volviendo una y otra vez a la oficina de Tommy, en donde éste irá padeciendo las burlas de todos sus compañeros. Este recurso nos remite a la idea de “teatro de tesis”, forma dramática que busca establecer un desarrollo lineal, secuencial y expositivo sobre el conflicto de la obra. Lo interesante es cómo Labute lleva el conflicto a ninguna parte o, mejor dicho, a una resolución que refuerza los caracteres de sus personajes, más que modificarlos. Al fin de cuentas ¿Tommy no era ya un hombre temeroso, dominado por la mirada de los otros? ¿La cobardía no estaba ya en su mirada ante las cosas? Sus decisiones serán puestas bajo la lupa de Nacho (Jorge Suárez) y Juana (María Socas), quienes irán aumentando niveles de crueldad en los comentarios sobre la relación amorosa de su compañero.

La única que no parece cambiar es la misma Helena, ya acostumbrada al peso de la mirada de los otros. Frente a la presión, será ella misma quien asuma el humor como herramienta contra el prejuicio.

Labute mantiene su cinismo hasta el final, y sus personajes parecen reclamar a gritos ser entendidos. El pedido de amor de Tommy se asemeja a una súplica, tan genuina como la credibilidad de Juana (con la que mantuvo una breve relación) en cada una de sus sentencias. Casi como un bufón de feria, Nacho no tarda en poner en evidencia el “detrás de la máscara”: para él sólo existe el horror al otro, que puede ser homosexual, feo, pobre, viejo, etc. Lo peor sería caer en la cuenta de que se es ese otro, contra lo cual –considera- hay que combatir.

El dilema que surge en la mente de Tommy se irá expandiendo poco a poco. Daniel Veronese consiguió pronunciar los matices de cada uno los personajes en cada intérprete, haciéndolos –por qué no- queribles. Son elogiosos los trabajos de Goity y Suárez, dupla que ya había sido de la partida en “El método Gromholm”. María Socas sabe materializar en su misma presencia la ira de la mujer despechada, si bien algunos diálogos parecen no encontrar un tono ajustado entre el registro cómico y el dramático. Sin lugar a dudas, “Gorda” no sería la gran obra que es sin la versatilidad de la española Mireia Gubianas, quien dota a su Helena de toda la ternura y la carnalidad necesaria para completar un trabajo prodigioso.

Ezequiel Obregón

SWEENEY TODD, de amor y venganza

2008-02-14T17:39:00.006-02:00

Nuevamente la dupla Burton-Depp vuelve a iluminar la pantalla grande. O, mejor dicho, a oscurecerla. Porque en Sweeney Todd: el barbero demoníaco de la calle Fleet hay muchas más sombras que luces. En cuanto a la dirección de arte, Londres luce tan negra y artificial como nunca antes. En cuanto a la historia –de por sí misma negra-, su director supo encontrar en su fuente (un aclamado musical) las aristas necesarias para poner su sello autoral, tan presente en la oscuridad que tiñe al film como en la precisa composición de sus actores.

La anécdota se remonta a la llegada del otrora barbero feliz (Depp), enviado prisionero al otro lado del mundo por orden de un juez déspota, con la finalidad de adueñarse de su bella mujer. El tiempo pasa, y el hombre decide volver para cobrarse venganza. Al re-instalarse en su antigua ciudad, irá a parar al mismo lugar en donde vivía con su esposa y su hija, ahora apropiada. La señora Lovett volverá a rentarle su propiedad, y en un mutuo juego de re-descubrimiento de sus deseos perdidos irán mostrando sus aspectos más sombríos. El barbero verá en la señora Lovett una herramienta más para cumplir su sed de venganza, en tanto ella verá en él la posibilidad de ser feliz.

Como en toda tragedia, el héroe camina hacia lo inexorable. Si ese camino se hace apasionante, es porque el relato elude toda premisa moral para instalarse en las contradicciones que los martirizan. Pronto la dupla protagónica encontrará en el mundo culinario la posibilidad de formar una empresa que los ayuda en sus respectivos propósitos, a un costo muy alto.

Como en otras películas, Burton nos cuestiona acerca de quién es el monstruo. Si en Batman Vuelve nos enfrentaba a tal dilema exponiendo las flaquezas morales del Pingüino y las del alcalde, aquí deja afuera del juego a las generaciones más jóvenes, aún vírgenes ante la corrupción que los rodea.

Sweeney Todd es, también, la exposición de tres historias de amor. La primera, es una historia trunca que deviene venganza. La segunda es una historia ilusoria, desplegada en la imaginación de la señora Lovett (Helena Bonham Carter), que alcanza su apogeo en el sueño que la muestra junto al barbero, alejados de la opresiva ciudad. La tercera es la historia de los jóvenes amantes (la hija del barbero y su acompañante de viaje), que el relato deja en absoluto misterio.

Tanto el fotógrafo Dariusz Wolski como el diseñador Dante Ferreti supieron hacer una ambientación a la medida de la demencia de los personajes, mimetizados con el entorno. Burton utilizó el primer plano para reflejar todo su pathos, al mismo tiempo que las estilizadas coreografías resultaron un buen carril (y no un mero artilugio) para profundizar en sus atormentadas personalidades.

Ezequiel Obregón

La leyenda del perro amarillo: interesante cruce entre el documental y la ficción

2008-02-14T17:23:00.005-02:00

En los tiempos que corren asistimos a un doble movimiento cinematográfico: las ficciones se nutren –más que nunca- de la imagen documental, y el documental necesita re-inventarse con herramientas del cine ficcional para cobrar fuerza. Si hasta hace años estos movimientos se evidenciaban en los festivales de cine, hoy es posible rastrear varios ejemplos (inclusos radicales) en la cartelera semanal.

Hace dos años había arribado La historia del camello que llora, film nominado para un premio Oscar. Se trataba de una película realizada por dos directores, que combinaba elementos del documental étnico y el drama familiar. En La leyenda del perro amarillo, la realizadora Byambasuren Davaa vuelve sobre los mismos procedimientos para centrarse en la historia de los Batchuluun, una familia nómade real proveniente de Mongolia.

El título se refiere al perro encontrado por Nansal, la pequeña hija que se encariña con él. Mientras ella pugna por que su padre la autorice a tener una mascota, éste se opondrá por considerar que el animal pudo haber sido criado por lobos, y los atraerá para que maten a las ovejas.

Davaa narra de manera contemplativa la cotidianidad de esta familia, dejando entrever de este modo las particularidades de la vida nómade, las creencias de estas personas, y la relación que establecen con el paisaje en el que viven. La puesta en escena logra “entrometerse” de forma amena, siempre un paso detrás de ellos, para reflejar sus vidas. Algunos momentos son particularmente logrados, como la secuencia del hermano menor amenazado por los buitres. En ese momento, el espectador puede tomar conciencia de la empatía alcanzada con el clan familiar.

Como suele suceder en estos casos en donde no hay actores profesionales, es difícil –quizás imposible- discernir qué ha sido pautado y qué no. Sólo resta pensar el desempeño actoral en relación a la puesta. Si bien algunos pasajes (sobre) explican aquello que en la vida cotidiana seguramente queda implícito, son las escenas con los niños las que ganan mayor peso dramático. Al fin de cuenta, se trata de una historia de desamparo, y el desamparo, bien sabemos, es patrimonio de todos los pueblos.

Ezequiel Obregón

Título original: Die Höhle des gelben Hundes.
Origen: Alemania (hablada en mongol).
Dirección y guión: Byambasuren Davaa.
Intérpretes: Nansal Batchuluun, Buyandulam D. Batchuluun, Urjindorj Batchuluun, Nansalmaa Batchuluun, Batbayer Batchuluun.
Fotografía: Daniel Schoenauer.
Edición: Sarah Clara Weber.
Distribuidora: IFA Cinema.
Año: 2005.
Duración: 90 minutos.
Calificación: apta para todo público.

Las vidas posibles: qué ves cuando me ves

2008-02-14T17:16:00.007-02:00

Las vidas posibles es una película singular por más de un motivo. En cuanto a su aspecto más visual, luce como un film europeo, en el sentido de que no hay ningún indicio localista (mucho menos turístico). Tampoco referencias al contexto social. Su cadencia, sus encuadres, su banda sonora, se organizan sobre la percepción de Clara (Ana Celentano): la película entera se articula sobre su estado.

Clara y su esposo (Germán Palacios) no muestran signos de ser una pareja en disolución, más bien lo contrario. Pasado el festejo de cumpleaños de él, un tierno encuentro sexual pone en evidencia esta condición de matrimonio de clase media urbana bien consolidado. Hay una siesta, y luego todo parece invertirse en la vida de Clara. Porque su marido, que siempre viajaba al Sur por cuestiones laborales, no la llama para dejar constancia de su llegada. El tiempo pasa –y pesa- y la mujer emprende la búsqueda hacia el Sur.

Allí se encontrará con un hombre idéntico a su marido, que no sólo no la reconoce, sino que además lleva una vida completamente distinta. La primera imagen del film lo muestra enfrentado a su (otra) mujer, que está recostada, débil, lloriqueando, frágil ante a su marido. Esta imagen parece estar suspendida en el hilo del relato, pero al mismo tiempo condiciona la mirada del espectador y lo obliga a realizar asociaciones con la llegada de Carla. El abandono (eje temático de esa escena) cobrará impulso a medida que los personajes evolucionen hacia lo incierto, puesto que no sólo es difícil determinar la identidad del hombre, sino qué es lo que cada integrante del triángulo desea para su propio destino.

En su segundo film, la directora Sandra Gugliotta elige detenerse en los climas, en la necesidad de captar el tiempo interno de los personajes para que el drama cobre dimensión. La banda sonora acompaña las emociones que se generan en la mente de Carla, y afianzan su punto de vista, sobre el que se detiene el relato. Esta elección narrativa vuelve más convincente a la historia, dado que la información que recibe Ana es la misma que la que recibe el espectador.

El imponente paisaje es otro protagonista más. Su peso dramático refuerza el drama íntimo de la mujer. Gugliotta rescata los gestos, los suspiros, las miradas, para reforzar la angustia de la protagonista. Su elección no hubiera sido tan precisa de no haber contado con Celentano, actriz que con una mueca deja entrever todo un estado. Por otro lado, son elogiosos los trabajos de Palacios y Oreiro, prácticamente irreconocible. Con una notable economía de gestos dota a su composición de absoluta verosimilitud en la piel de “la otra mujer”.

Las vidas posibles es un film ambicioso desde una perspectiva de producción. Es inevitable no hacer asociaciones con Bajo la arena de Francois Ozon, Bleu y La doble vida de Verónica de Kieslowski. Podríamos decir que estos films “dialogan” entre sí.

Gugliotta construye un misterio detenido en lo inasible. La trama policial es una excusa para bucear en la melancolía femenina, sobre la que Las vidas posibles reflexiona.

Ezequiel Obregón

Expiación, deseo y pecado: transposición de la novela de ian Mc Ewan

2008-02-14T17:12:00.005-02:00

En la temporada de los Oscar llega una película claramente “oscarizable”. A saber: estamos frente a una transposición de la novela del prestigioso escritor inglés Ian McEwan, un film de época con una impecable dirección de arte, actores prestigiosos integrando el elenco, y notable fotografía.

En el tono que se desarrolla la película –fluctuante entre el drama intimista y el género bélico- es posible encontrar cierta morosidad que en este caso no llega a ser un problema grave. Expiación: deseo y pecado gana allí en donde podría haber perdido, y mucho. El melodrama más trágico queda bien sostenido en actuaciones convincentes, y el romance que inician los protagonistas (Keira Knightley y James McAvoy) alcanza momentos de singular tensión con planos que se detienen en el detalle: miradas y roces. De este modo, el director elige contrastar la espectacularidad de los escenarios con pinceladas de intimismo que definen mejor a cada personaje.

La película comienza con un marcado tono erótico, que refleja la aproximación amorosa entre Cecilia (Knightley) y Robbie (McAvoy), relación que no termina de consumarse, probablemente por la procedencia humilde de él (que es jardinero) y las presiones familiares de ella. Allí, testigo de una pasión cada vez más pujante, la hermana de trece años de Cecilia, Briony (Saoirse Ronan), interpreta y sobredimensiona todo, por su interés natural sobre las relaciones humanas y su deseo de convertirse en escritora. Un día ocurre una hecho nefasto sobre el cual Briony parece ser una testigo contundente. Su testimonio desarticulará a la pareja y –al mismo tiempo- desarticulará el relato.

En ese salto, la película cae en aquello que durante la primera parte esquivó: se vuelve un poco reiterativa y discursiva. Si bien los pasajes bélicos transmiten emoción, su notable estilización (congruente al idilio amoroso de la primera parte) intenta embellecer aquello que carece de belleza. En cambio, el juego temporal que marca esta segunda parte, obliga al espectador a reorganizar la trama, involucrándolo e intentando producir una operación mental similar a la de Briony, sobre cuyo punto de vista se termina articulando la película. El horror, en tal caso, queda mejor reflejado en el hospital en el que la hermana menor trabaja como enfermera y comienza a sufrir el peso de la conciencia.

En conclusión, Expiación: deseo y pecado es más que un digno producto, es también una reflexión sobre el arte de la interpretación.

Ezequiel Obregón

EnSinapsis cumple un año

2007-12-19T16:01:00.000-03:00

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